Grawerowanie to jeden z najstarszych i najszlachetniejszych sposobów ozdabiania otaczającego świata, znanych tylko człowiekowi. Wystarczy przypomnieć sztukę naskalną - to były pierwsze próby wyrzeźbienia rysunku na twardej powierzchni.

W naszym artykule porozmawiamy o branży grawerowania. Porozmawiajmy o kierunkach tego rzemiosła, o produktach i ich twórcach. Ale zacznijmy od historii...

Historia grawerowania

Uważa się, że grawerowanie jako sztuka powstało około trzech tysięcy lat temu w Chinach. Już wtedy rzemieślnicy rzeźbili podziały i misterne wzory na tarczach zegarów słonecznych. Pomimo tego, że miękkie noże z tamtych czasów słabo nadawały się do obróbki jakichkolwiek twardych materiałów i były mało przydatne nawet do pracy z metalami szlachetnymi, starożytnym jubilerom udało się stworzyć prawdziwe dzieła sztuki.

grecki zegar słoneczny

Grawerowanie stało się znacznie łatwiejsze po tym, jak greccy rzemieślnicy odkryli hartowanie żelaza w VII wieku pne. Po tym shtikheli - tj. frezy używane przez grawera zbliżyły się do nowoczesnych próbek pod względem twardości, a rzemieślnicy mogli w pełni skoncentrować się na kreatywnej stronie procesu.

Już w IV wieku pne grawerowanie było używane wszędzie: w produkcji liniowych skal do zegarów wodnych i płytek do kompasów (analogicznie do współczesnego kompasu), do tworzenia biżuterii i medali. Ponadto w starożytnej Grecji i Rzymie naczynia i artykuły gospodarstwa domowego zdobiono grawerunkiem, a kaukascy rytownicy pokrywali topory bojowe i inną broń z wygrawerowanymi wizerunkami zwierząt.

Niesamowite przykłady grawerowania pozostawione przez mistrzów starożytnej Rosji. Szczególnie interesujące są pawlowskie zamki do trumien. Są to figurki błaznów i jeźdźców, lwów i syren, żurawi i dziwnych ptaków ozdobionych zręcznymi wzorami.

Grawerowanie na złotych przedmiotach było popularne w starożytnym Egipcie, Syrii, Mezopotamii i innych krajach Wschodu. W średniowieczu istniała tradycja umieszczania na biżuterii pamiątkowych napisów.

Pierścienie z rosyjskim nadrukiem, XV-XVI w.

Inskrypcjami ozdobiono pierścionki, broszki, wisiorki, bransoletki, szkatułki, a także wszelkie dzieła sztuki jubilerskiej.

Jednak grawer stał się naprawdę pożądany na całym świecie dopiero po półtora tysiąca lat - w połowie XI wieku. Była to epoka podboju oceanu, a kompasy i chronometry stworzone przez wprawnych grawerów odegrały w niej ważną rolę.

Historia grawerowania w Rosji

Sześć wieków później moda na grawerowanie dotarła do Rosji wraz z wielkimi reformami Piotra I. Wcześniej masowo zdobiono grawerunkiem tylko drewniane okładki książek i niektóre artykuły gospodarstwa domowego. Prawdziwy rozkwit sztuki grawerowania nastąpił w XVIII wieku i ponownie z powodu rozwoju nauki: Rosyjska Akademia Nauk potrzebowała wielu precyzyjnych instrumentów goniometrycznych.

Książka z rzeźbioną drewnianą okładką

Co ciekawe, w tym samym okresie grawerowanie stało się popularne wśród ludności: „Arkusze Fryazh” - ryciny wycinane na miedzi i drewnie - zdobiły domy kupców i arystokratów. Ponadto ryciny służyły jako arkusze gratulacyjne lub pamiątkowe wiadomości.

Liść Fryaz

W XVIII-XIX wieku do ozdabiania broni używano grawerowania: umiejętne malowanie na zimno błyszczącej stali było wizytówką wielu rusznikarzy.

Pistolet autorstwa Paula Posera

Grawerowanie w ZSRR

Wraz z dojściem do władzy bolszewików wielu jubilerów było prześladowanych, a towary luksusowe uznano za zbrodnię przeciwko ideologii. Jednak zmiana władzy wpłynęła na rozwój branży grawerskiej… pozytywnie. Tak, tak, znowu nauka.

Już w 1922 roku twórcy nowej ery potrzebowali ogromnej ilości siatek, łusek, kończyn i różnych części do urządzeń. A w 1926 roku, wraz z utworzeniem laboratorium fotografii naukowej, stało się oczywiste, że zapotrzebowanie na grawerów będzie tylko rosło.

Należy zauważyć, że w tych latach umiejętności grawerskie osiągnęły nowy poziom: jubilerzy przy użyciu metod kombinowanych i fotograficznych mogli z niezwykłą dokładnością nanosić symbole i podziały.

Techniki grawerowania biżuterii

Zgodnie z techniką wykonania, dziś grawerowanie biżuterii to ręczne, frezowanie (w tym grawerowanie diamentowe) i laserowe, stosuje się również trawienie kwasem.

Ręczny grawer w biżuterii to bynajmniej nie napis na metalowym wyrobie, który wykonamy w każdym centrum handlowym. Narzędziem do ręcznego grawerowania jest wspomniany już grawer. W nowoczesnej produkcji artysta-projektant wykonuje model 3D produktu – taka praca wymaga dużej wiedzy, umiejętności i doświadczenia.

Artysta dopracowuje najdrobniejsze szczegóły, a dopiero potem produkt zostaje wycięty przy użyciu nowoczesnego sprzętu. Ale nawet po najbardziej precyzyjnej technice mistrz ręcznie dopracowuje każdy rysunek. Tutaj podejście jest znacznie poważniejsze, a wynik pracy będzie mógł ocenić nie tylko klienci-kupujący, ale także koledzy z branży.

Grawer nie ma prawa się pomylić: każde drżenie ręki może nieodwołalnie zepsuć produkt. Grawerowanie ręczne to „praca jubilerska” w dosłownym tego słowa znaczeniu. Dziś ręcznie robione grawerki robią to, co ich poprzednicy robili tysiące lat temu. Ręcznie grawerowana biżuteria jest naprawdę wyjątkowa, nie ma drugiej takiej na całym świecie.

Możesz obrabiać przedmioty za pomocą wiertła lub noża. Istnieje wiele różnych frezarek i osprzętu do nich: od osławionej wiertarki po frezarkę diamentową do grawerowania. Diamentowy frez pozostawia głębokie, czterostronne wgłębienia na powierzchni produktu, tworząc ekskluzywny trójwymiarowy obraz.

Twórca domu jubilerskiego „Kvashnin” wyprodukował dużą liczbę biżuterii i narzędzi do grawerowania opatentowanych przez Rospatent. Sprzęt ten umożliwia wykonanie najbardziej skomplikowanych prac jubilerskich, grawerowanie zdobienie nagród, medali, pucharów.

Prawdziwym odkryciem nowoczesności jest grawerowanie laserowe. Specjalna maszyna jest zaprogramowana do nakładania określonego obrazu, po czym umieszczany jest w nim obrabiany przedmiot. Laser odparowuje cząsteczki metalu, zmieniając jego strukturę i kolor, co daje fotograficznie czysty obraz. Szczególnie popularne jest grawerowanie laserowe do produkcji biżuterii religijnej, w szczególności ikon do noszenia.

mistrzowie grawerowania

Wraz z rozkwitem umiejętności grawerskich w Rosji, w mennicach leningradzkiej i moskiewskiej (a później, w XX wieku, w Gochran Rosji) wychowała się cała plejada godnych grawerów. W naszych artykułach możesz szczegółowo przeczytać o mistrzach różnych wieków, a tutaj dotkniemy historii życia i pracy trzech szczególnie wybitnych grawerów, z których każdy wniósł ogromny wkład w rozwój rosyjskiej biżuterii.

Iwan Aleksiejewicz Sokołow

Iwan Sokołow urodził się pod sam koniec panowania Piotra I. Stał się jednym z najwybitniejszych mistrzów grawerowania w historii carskiej Rosji. Przyszły „miedziarz” studiował na zajęciach plastycznych w Petersburskiej Akademii Nauk: rysunek u Schumachera, grafikę u Christiana Alberta Wortmana i Ottomara Elligera.

W 1745 r. Iwan Sokołow został naczelnym mistrzem Akademii. W ciągu następnych 12 lat wyszkolił wielu grawerów i zrobił wszystko, aby sztuka grawerowania w Rosji w niczym nie ustępowała osiągnięciom zachodnich jubilerów.

Sam Sokolov był wielkim mistrzem portretów ceremonialnych - rzeźbionych obrazów, które powtarzają oryginały malarskie. Sokołowowi udało się osiągnąć niesamowity realizm materiałów i przedmiotów przedstawionych w jego pracach: dokładnie oddał jedwabistą fakturę futra i miękki blask drogich tkanin, zimne odbicia metalu i miękkie linie włosów. Każda praca Iwana Sokołowa była nie tylko reprodukcją obrazu, ale prawdziwym dziełem sztuki grawerskiej autora.

Michaił Ewlampiewicz Perchin

Michaił Perchin pochodzi z chłopskiej rodziny, która za usługi świadczone na rzecz Ojczyzny została zwolniona ze służby i podatków. W wieku 18 lat Michaił wyjechał do Petersburga do pracy, rozpoczął praktykę jubilera i na zawsze związał swoje życie ze „złotym rzemiosłem”. Już w wieku 26 lat (1886) otrzymał wysoki tytuł mistrza i został zaproszony do pracy w warsztacie Faberge.

Michaił był prawdziwym geniuszem w biżuterii: zaledwie dwa lata później otworzył własny warsztat, został głównym mistrzem Faberge i otrzymał prawo do osobistej marki: inicjały „M. P.". To właśnie tym znakiem rozpoznawczym zdobi się 28 z 54 cesarskich pisanek, w tym tak znane dzieła jak:

• „Pączek róży”;
• „Pałace Danii”;
• „Ekspres Transsyberyjski”;
• „Madonna Lilia”;
• „Jeździec z brązu”;
• „Pałac Gatchinsky” itp.

Mikhail Evlampievich Perkhin był głównym mistrzem domu Faberge przez 18 lat. W tym czasie stał się prawdziwą legendą rosyjskiej biżuterii w ogóle, a zwłaszcza grawerowania.

Anton Fiodorowicz Wasiutinskij

Jeśli mówimy o rozwoju sztuki medalierskiej w Rosji, to pierwszą osobą wartą zapamiętania będzie Anton Fiodorowicz Wasyutinsky. Mistrz ten ukończył Akademię Sztuk Pięknych w 1888 r., a już w 1891 r. jego prace - medale prezentowane na wystawie w Paryżu - otrzymały Dyplom Honorowy.

Od 1893 Wasyutinskiy był starszym medalistą w mennicy petersburskiej. W 1920 został zastępcą kierownika Medalu i części pomocniczych (oczywiście mennica była już Leningradem), w 1922 - kierownikiem, aw 1926 - głównym medalierem.

Choć mistrz większość życia przepracował w Imperium Rosyjskim (np. spod jego ręki wyszedł jubileuszowy rubel na 300-lecie dynastii Romanowów w 1912 r.), wniósł on naprawdę wielki wkład w rozwój grawerowanie w ZSRR.

To Wasyutinsky zrobił wszystko, aby na Akademii Sztuk Pięknych powstał wydział medalu. Jego uczniami byli N. A. Sokolov, V. V. Golenetsky, S. L. Tulchitsky i inni wybitni mistrzowie. W rzeczywistości Wasyutinsky stworzył całą szkołę rosyjskich medalistów.

Wśród dzieł osobistych Wasiutyńskiego można zwrócić uwagę na znaczki na monety ZSRR: 10, 15 i 20 kopiejek, srebrne 50 kopiejek i rubelowe, złote chervonets. Był także jednym z mistrzów, którzy pracowali nad stworzeniem pieczęci Zakonu Lenina.

Grawerowanie biżuterii dzisiaj

Grawerowanie pozostaje najlepszym sposobem, aby biżuteria lub pamiątka była naprawdę wyjątkowa, aby nadać jej wyjątkową wartość. Ta technika służy do nanoszenia napisów i rysunków na:

• Pierścionki;
• Tabletki;
• zamki ślubne;
• trumny;
• Medale;
• pierścienie;
• Zegar;
• Kajdany;
• Wisiorki, naszyjniki i inna biżuteria.

Szukasz profesjonalnych grawerów? Tylko do domu jubilerskiego „Kvashnin”: możemy wykonać model o dowolnej złożoności: jakość wyniku i jego wysoka wartość artystyczna pozwolą Ci zachować produkt z niepokojem i przekazywać go z pokolenia na pokolenie.

- (z francuskiego wklęsłodruku), 1) odbitka drukowana na papierze (lub podobnym materiale) z płyty (płyty), na której naniesiony jest rysunek. 2) Rodzaj grafiki, w tym różne metody ręcznej obróbki płyt i drukowania z nich wydruków.... ... Encyklopedia sztuki

- (z francuskiego wklęsłodruku) 1) odbitka drukowana na papierze (lub na podobnym materiale) z płyty („płyty”), na której wycinany jest rysunek; 2) rodzaj grafiki (patrz grafika), w tym różne metody ręcznej obróbki płyt (patrz ... ... Wielka radziecka encyklopedia

rytownictwo- GRAWEROWANIE1, s, g Rodzaj sztuki, która odtwarza rzeczywistość w płaskich formach; praca jest płaskim obrazem uzyskanym na papierze z płyty drukarskiej, wyciętym lub wytrawionym przez grawera na ... ... Słownik wyjaśniający rzeczowników rosyjskich

RYTOWNICTWO- [z francuskiego. rotograwiura], rodzaj grafiki; technika obróbki desek (płyt, form) grawerowanie w celu uzyskania odbitek obrazów na papierze, tkaninie itp.; drukowany nadruk. Ewangelista Łukasz. Grawer z „Apostoła” I. Fiodorowa. M., 1564 (RGB) ... Encyklopedia prawosławna

Narzędzia Stichel do grawerowania końców ... Wikipedia

s; dobrze. [Francuski] grawiura] 1. Rysunek wyrzeźbiony lub wytrawiony przez grawera na gładkiej powierzchni pewnego rodzaju l. solidny materiał; wydruk takiego rysunku. G. na drewnie, kamieniu, metalu, linoleum. G. nożem, igłą na miedzi. Cwietnaja g. ... ... słownik encyklopedyczny

Rytownictwo- (od francuskiego grawera do pociętego, cofa się do łac. grobu ciężko, głęboko) widok graficzny. roszczenie, w którym obraz jest uzyskiwany w formie odbitki (najczęściej na papierze) z formy drukowej płyty (płyty) wykonanej z metalu (miedź, stal, cynk), drewna lub…… Rosyjski humanitarny słownik encyklopedyczny

Nazwa odbitka drukowana uzyskana za pomocą grawerowanego kliszy oryginału, dokładnie oddająca najdrobniejsze szczegóły autorskiej ryciny. W zależności od materiału, od kota. oryginał jest wygrawerowany frazesem, wyróżnia się metalowy grawer ... ... Duży słownik filatelistyczny

rytownictwo- s; dobrze. (francuski grawiura) zob. grawer 1) Rysunek wyrzeźbiony lub wytrawiony przez rytownika na gładkiej powierzchni w rodzaju l. solidny materiał; wydruk takiego rysunku. Grawerowanie/ra na drewnie, kamieniu, metalu, linoleum. Graweruję/wycinam frezem... Słownik wielu wyrażeń

Termin ten ma inne znaczenia, patrz Adam i Ewa (znaczenia) ... Wikipedia

Termin ten ma inne znaczenia, patrz Melancholia (znaczenia) ... Wikipedia

Książki

• Grawerowanie i litografia. Eseje o historii i technologii, opracowane przez I. I. Lemana. Unikalne, obszerne wydanie uszczegóławia odmiany dzieł graficznych, ukazuje wyróżniki głównych technik - drzeworytów, miedziorytów i ...
• Grawerowanie metalu. Do 115-lecia Muzeum Rosyjskiego, Redaktor: Vera Kazarina. Zwracamy uwagę na album, który zawiera ryciny na metalu ze zbiorów Muzeum Rosyjskiego. Grawerowanie na metalu pojawiło się w połowie XV wieku. Przez długi czas uważano, że…
• Rosyjskie grawerowanie na miedzi z drugiej połowy XVII - pierwsza trzecia XVIII wieku (Moskwa, Petersburg): Opis kolekcji Departamentu Publikacji Artystycznych Rosyjskiej Biblioteki Państwowej, M. E. Ermakova, O. R. Khromov. Zbiór wczesnych rosyjskich rycin Rosyjskiej Biblioteki Państwowej obejmuje prace wszystkich głównych mistrzów drugiej połowy XVII - pierwszej trzeciej XVIII wieku: Wasilija Andriejewa, Leonty'ego ...

Tradycja łączy pochodzenie miedziorytu z techniką niello. Termin „niello” oznacza technikę stosowaną przez jubilerów od średniowiecza; przy obróbce wyrobów metalowych lub srebrnych, w tym płyt przeznaczonych do zdobienia niello, powierzchnię metalu z naniesionym na nią wzorem, głęboko wyciętym, pokryto czarnym proszkiem. Składający się z siarki i innych składników proszek nazwano łacińskim słowem „nigellum”. Metalowa płyta została podgrzana, a stopiona czarna masa wypełniła głębokie rowki wzoru pozostawionego przez frez. Po schłodzeniu produktu usunięto nadmiar stwardniałego „nigellum”, a wzór wyraźnie wyróżniał się na powierzchni metalu cienkimi czarnymi konturami, nadając pracy wykończony i szlachetny charakter. Podobno przed przejściem do ostatniego etapu pracy z „nigellum” artyści, starając się sprawdzić oczekiwany efekt, wypełnili tuszem lub ciemną farbą bruzdy linii wyciętych w głąb rysunku, a następnie wykonali próbę wydruki na mokrym papierze. W ten sposób uzyskano pierwsze, początkowo przypadkowe ryciny. Giorgio Vasari, włoski malarz, architekt i wybitny historyk sztuki, przypisuje swój wynalazek florenckiemu mistrzowi Maso Finigverra, datując narodziny rycin niello na 1460 rok. Jednak twierdzenie Vasariego jest trudne do uwierzenia. Wiele rycin na miedzi, które pojawiły się we Włoszech w połowie XV wieku, a nawet wcześniej w Niemczech i Holandii, nie mogło być spowodowane tylko jednym mistrzem, prawdopodobnie takie próbki na papierze naturalnie powstały w wielu warsztatach jubilerskich. Wśród wczesnych tego typu dzieł, które dotrwały do ​​naszych czasów, wyróżnia się kilka miniaturowych rycin, które, jak mówi włoska badaczka Mary Pittaluta, swój „cenny urok” zawdzięczają niewielkim rozmiarom i bliskim odstępom między pociągnięciami.

Na maleńkiej powierzchni ryciny „Adoracja Trzech Króli” (115 x 105 mm) zmieściły się trzydzieści dwie postacie uczestników procesji, kompozycyjnie przypominające freski Benozza Gozzoli w Pałacu Medici-Riccardi we Florencji (1459 - 1463 ) - Twórca ryciny nie zna jeszcze praw perspektywy linearnej, instynkt dekoratora ciągnie go do wypełnienia przestrzeni - i jak wzór tka pochód Trzech Króli od dołu do góry, od prawej do lewej . Z mrocznych otchłani „niella”, jasne, o jasnych cieniach wyłaniają się postacie Maryi, Józefa, królów-magów, a dość daleko - jeźdźcy, konie, wielbłądy, a nawet pasterze - postacie z innego wątku, „Adoracja Pasterze”.

Jeszcze piękniejszy i delikatniejszy jest portret Bentivoglio wpisany w okrąg. Delikatne rysy, delikatny profil, smutna ekspresja współgrają z kolorystyką, która pojawia się wokół młodej sylwetki. Grawer, porównywany do drogocennej biżuterii, przypomina ścigany medalion.

Pełne wdzięku „niellos” charakteryzują się jasnymi formami wystającymi z ciemności. Mogłoby to stać się swego rodzaju kanonem malarskim, gdyby zrodzone w renesansie pragnienie otoczenia obiektu przestrzennym otoczeniem nie skłoniło pierwszych mistrzów grawerowania do porzucenia ciemnego tła i wykorzystania artystycznych możliwości białego papieru.

Typ niello, z czarnym tłem, rozwinął się w Bolonii w drugiej połowie XV i na początku XVI w. w twórczości Pellegrino da Cesena. jego związek z Niello, nadal żyje w XVII wieku.

Za jedno z pierwszych arcydzieł nowej sztuki uważa się „Portret Szlachetnej Damy”, zachowany w jednym egzemplarzu w zbiorach Berlińskiego Gabinetu Grawerskiego. Grawer na miedzi wykonał mistrz szkoły florenckiej, pochodzi z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XIV wieku. Tylko jubiler, starannie pracujący w małych formach i na drogich materiałach, mógł narysować tak czystą i elegancką linię, jak zarys kobiecego profilu. Jej nakrycie głowy, drogocenny naszyjnik, ubrania są wypełnione misternie zaprojektowanymi ozdobami. A ten skomplikowany wzór mógł odtworzyć tylko doświadczony złotnik. To właśnie w opozycji czystych powierzchni twarzy i szyi, ograniczonych tylko jednym konturem, do dekoracyjnie zaprojektowanych powierzchni nakrycia głowy, naszyjnika i sukni tkwi główny efekt artystyczny tej pracy. Jednocześnie jego szczególny urok nosi ślady kontaktu kunsztu jubilera z wielką sztuką wczesnego renesansu. Nie ma wątpliwości, że rycina ta nawiązuje do słynnych portretów profilowych, które powstały w warsztatach malarzy Domenico Veneziano i Paolo Uccello.

Oprócz „Portretu Szlachetnej Damy” należy wspomnieć o kilku wczesnych rycinach włoskich, które wyraźnie pokazują owocny wpływ renesansowej sztuki florenckiej na kształtowanie się ryciny włoskiej.Kompozycja „Zmartwychwstanie Chrystusa”, znana z pojedyncza grafika w zbiorach British Museum w Londynie wprost powtarza płaskorzeźbę Luca della Robbia na tej samej fabule, zleconą dla katedry we Florencji w 1443 r. Wpływ surowego realizmu Andrei del Castagno ujawnia kilka kart rytowanych przez anonimowy Mistrz Męki Pańskiej z Wiednia Nawet w takich rycinach jak „Chrystus w chwale” (jedyny egzemplarz w zbiorach graficznych Galerii Uffizi) i „Wniebowstąpienie Maryi”, z ich intensywną ornamentyką, cechy struktury kompozycyjnej , równowagi i wyraźnej korelacji form nie można sobie wyobrazić poza odkryciami nowej sztuki.

Pojawienie się grawerunku okazało się ogniwem w ewolucji sztuk pięknych: drzeworytnictwo wywodzi się z desek do produkcji tkanin drukowanych, grawerowanie sąsiaduje ze sztuką jubilerską, a akwaforta ma coś wspólnego z rzemiosłem rusznikarzy. Cechą grawerowania, która odróżnia ją od innych form sztuki, jest to, że jest odciskiem na papierze. Dlatego kolebką grawerowania jest kolebka papieru - Chiny.

Drzeworyty powstały w Chinach nie później niż w VI wieku, przynajmniej od tego czasu istnieją wzmianki o tak wykonanych drzeworytach. Byłoby więc wiele założeń, gdyby nie odkrycie w 1900 roku w Donghuang (zachodnie Chiny) w jaskini Tysiąca Buddów słynnej „Diamentowej Sutry”, która jest obecnie przechowywana w Bibliotece Brytyjskiej. Jest datowany na 868 r. i wskazuje, że mistrz Wang Chi pociął deski i wydrukował książkę „dla upamiętnienia swoich zmarłych rodziców”. Dlatego nawet w słowniku V.I. Ksylografia Dahla nazywana jest „chińskim sposobem drukowania”.

Tak więc teraz pierwsza data w historii grawerowania zbiega się z pierwszą datą w historii druku. Jednak penetracja grawerowania do Europy tylko nieznacznie wyprzedziła wynalazek druku Jana Gutenberga.

Pierwsze egzemplarze ryciny zachodnioeuropejskiej, wykonane w technice drzeworytów obrzynanych, pojawiły się na przełomie XIV-XV wieku. Miały one treść religijną, która przesądziła o rozpowszechnieniu tego „rzemiosła”: początkowo była to Bawaria, Alzacja, prowincje Świętego Cesarstwa Rzymskiego; potem zaczęły pojawiać się ulotki satyryczne, kalendarze i alfabety. Pierwszy datowany drzeworyt nosi nazwę „Św. Krzysztof”, wykonany w 1423 r. Około 1430 r. tzw. księgi blokowe, w których tekst i ilustrację drukowano na jednej desce, a od 1461 r. drzeworyty zaczęto wykorzystywać jako ilustracje do ksiąg drukowanych.

Technika grawerowania drzeworytem jest dość prosta: na wypolerowaną powierzchnię deski o grubości około 2,5 cm nanosi się wzór, po czym ostrym nożem wycina się z obu stron linie tego wzoru, a tło wybiera się za pomocą narzędzie specjalne na głębokość 2-5 mm. Następnie deskę można rolować farbą i drukować na papierze.

Jeśli mówiliśmy o tak zwanym grawerowaniu krawędzi (wykonanym wzdłuż włókien drewna), to w latach 80. XVIII wieku wybitny angielski artysta i grawer Thomas Bewick wynalazł metodę grawerowania krawędzi na drewnie (na przekroju pnia drewna liściastego) . Sam stworzył wiele arcydzieł tego gatunku – ilustracje do Historii ogólnej czworonogów i dwutomowej Historii ptaków Wielkiej Brytanii. To właśnie w tej technice w XIX wieku powstało wiele ilustracji książkowych, które z dodatkiem drugiej tablicy dźwiękowej nazwano politypami. Największymi przedstawicielami tej techniki w Rosji byli Ławrientij Seriakow i Władimir Mate.

Wyróżnia się sztuka drzeworytów orientalnych. Jeśli wcześniej przekazała tylko religijne teksty hieroglificzne, to w XVII wieku w Japonii pojawiły się księgi ilustrowane, a od lat 60. XVI wieku ryciny o treści świeckiej. Rozkwit japońskiego drzeworytu datuje się na XVIII wiek, kiedy Okumura Masanobu wprowadził druk dwu- i trójkolorowy. Największym mistrzem końca XVIII wieku jest twórca idealnego kobiecego portretu Kitagawa Utamaro, aw pierwszej połowie XIX wieku twórcy wspaniałych pejzaży Katsushika Hokusai i Ando Hiroshige.

Grawerowanie na metalu pojawiło się w połowie XV wieku. Przez długi czas wierzono, że wynalazcą tej techniki był florencki jubiler Mazo Finiguerra, którego pierwszy sztych pochodzi z 1458 roku; ale ta teoria została obalona przez wcześniejsze okazy. Za najstarszą rycinę na miedzi uważa się Biczowanie Chrystusa, wykonane przez nieznanego niemieckiego mistrza w 1446 roku. A pierwszym, choć anonimowym, najbardziej godnym uwagi mistrzem grawerowania jest „Mistrz kart do gry”, który pracował w Bazylei i nad górnym Renem.

W tym przypadku mistrz wziął równo kutą i starannie wypolerowaną metalową deskę, na którą nałożył rysunek za pomocą jubilerskiego stempla, który następnie przepuszczono bardziej solidnym narzędziem - nożem lub grawerem. Następnie w deskę wcierano farbę, usuwano jej nadmiar i można było zadrukować arkusz.

Najwybitniejszym mistrzem XV wieku jest niemiecki grawer Martin Schongauer, który pracował w Colmar i Breisach. Jego twórczość, łącząca późny gotyk i wczesny renesans, wywarła znaczący wpływ na niemieckich mistrzów, m.in. Albrechta Dürera. Wśród mistrzów pierwszej połowy XVI wieku na uwagę zasługuje, oprócz wspomnianego A. Durera, wybitny Łukasz z Lejdy.

Spośród włoskich mistrzów z XV wieku najważniejsi są Andrea Mantegna i Antonio del Pollaiolo. W tych samych Włoszech w XVI wieku powstał kierunek, który z góry wyznaczył ważny kamień milowy w rozwoju europejskiego grawerowania - była to reprodukcja obrazów.

Pojawienie się grawerowania reprodukcji wiąże się z nazwiskiem Marcantonio Raimondi, który pracując do końca pierwszej tercji XVI wieku stworzył przy pomocy kutra kilkaset reprodukcji z dzieł Durera, Rafaela, Giulio Romano i innych .

W XVII wieku grawerowanie reprodukcji było niezwykle powszechne w wielu krajach - we Flandrii, gdzie reprodukowano wiele obrazów, zwłaszcza Rubensa. We Francji w tym czasie Claude Mellan, Gerard Edelink, Robert Nanteuil i inni przyczynili się do rozkwitu reprodukcji portretów grawerowanych.

Ponieważ zarówno drzeworyt, jak i miedzioryt, wyłącznie w rękach wybitnych mistrzów, były kompletne, doskonałe dzieła pełne artystycznej wyrazistości i malowniczości, na początku XVI wieku pojawił się inny rodzaj grawerowania na metalu, który stał się ulubionym gatunkiem wielu wspaniałych artystów, artystów - to jest akwaforta.

Jego główną zaletą jest łatwość wykonania, czego nie można powiedzieć ani o grawerze, ani o drzeworytach. Faktem jest, że jeśli w dwóch wymienionych technikach musisz ręcznie wycinać linie na drewnie lub metalu, to w trawieniu całą tę najtrudniejszą pracę wykonuje kwas. Metalowa tablica (w XVI w. częściej żelazna, w XVII-XVIII w. miedź, później cynk), używana do zwykłego grawerowania, pokryta jest specjalnym kwasoodpornym podkładem. Na deskę za pomocą ostrej stalowej igły, przebijającej się przez miękką glebę, nanoszony jest wzór. Następnie płytkę umieszcza się w kwasie azotowym (miedź - w roztworze chlorku żelazowego), a wzór nanoszony igłą wytrawia się na żądaną głębokość. Następnie z płyty zmywa się podkład, wciera się farbę i wykonuje się odcisk. W Rosji wcześniejsze grawerowanie przez akwafortę nazywano grawerowaniem mocnej wódki.

Szczególnie znane były akwaforty francuskiego mistrza z pierwszej tercji XVII wieku, Jacquesa Callota, które odtwarzają różne, często wymowne, sceny współczesnego życia. Szkoła flamandzka przekazała sztukę znakomitego rytownika – Antoniego van Dycka, którego portrety są znakomitymi przykładami ikonografii XVII wieku.

Ale bez wątpienia najcenniejsza i najbardziej integralna jest holenderska szkoła akwaforty, która w tym przypadku konkuruje z malarstwem iw niczym nie ustępuje mu. Tę szkołę reprezentują Adrian Van Ostade, Paul Potter, Hercules Seghers… Ale wiodącym mistrzem jest tutaj Rembrandt, który zupełnie samodzielnie, bez pomocy z zewnątrz, pojął sztukę akwaforty i przezwyciężył wszystkie trudności tej kapryśnej techniki. Rembrandt pozostawił ponad trzysta rycin w wielu warunkach.

Mniej więcej od połowy XVIII wieku, jak to miało miejsce wcześniej w przypadku grawerowania, pojawił się odrębny kierunek reprodukcji akwaforty. W tej technice wykonano praktycznie wszystkie ilustracje brzydkie i książkowe z połowy drugiej połowy XVIII wieku.

Ale jeśli reprodukcja akwaforty była rodzajem masowej produkcji w XVIII wieku, to oryginalna akwaforta nadal istniała i była „wyjściem” dla wielu malarzy. Znane są prace Francisco Goyi, Giovanniego Battisty Tiepolo, Canaletta, Antoine'a Watteau, François Bouchera i wielu innych. Na szczególną uwagę zasługuje praca architekta i rytownika Giovanniego Battisty Piranesiego, który był chyba najwybitniejszym rytownikiem tego stulecia, który pozostawił wiele tomów vrazh z widokami na Rzym, antyki rzymskie, a nawet lochy.

Jeśli w XIX wieku pod wpływem nowych technik drukarskich sztuka akwaforty zanika, to pod koniec wieku kwitnie z nową energią i nie ma już charakteru „ilustracyjnego”, ale jest postrzegana przez współcześni jako integralne dzieło sztuki. Niemal wszyscy znani francuscy malarze sięgają po akwafortę, począwszy od malarzy Barbizon (Camille Corot, Charles-Francois Daubigny i inni), a skończywszy na impresjonistach (zwłaszcza Edouard Manet). Również wiele krajów sprowadza do sztuki akwaforty znanych mistrzów: Andersa Zorna w Szwecji, Adolfa Menzla w Niemczech, Jamesa Whistlera w USA, Iwana Szyszkina i Walentyna Sierowa w Rosji.

Oprócz akwaforty jako takiej, w XVIII w. ten rodzaj druku nabiera jeszcze kilku odmian, a niekiedy w jednej pracy możemy zaobserwować połączenie kilku technik akwafortowych jednocześnie.

Najczęstszym z nich jest akwatinta – kiedy deska jest trawiona przez nałożoną kalafonię lub pył asfaltowy. Takie trawienie daje efekt tonalnego wzoru podczas nadruku, przede wszystkim jednokolorowego nadruku przypominającego grisaille. Dodanie akwatinty do wyraźnej, czasem ostrej, czystej akwaforty nadaje grawerowi malowniczy wygląd i przypomina rysunek lub akwarelę. Wśród pierwszych, którzy zaczęli używać akwatinty, był Francuz Jean Baptiste Leprince - twórca słynnych "typów rosyjskich", a także Francisco Goya, który używał jej w swoich Caprichos.

To Leprince wynalazł kolejną dodatkową technikę trawienia - lavis. W tym przypadku obraz nanosi się pędzlem zamoczonym w kwasie bezpośrednio na płytę. Fragmenty akwaforty wykonane przez lavisa w druku są jakby przerwą między czystą akwafortą a akwatintą.

Kolejną techniką trawienia, na którą zwrócimy uwagę, jest miękki lakier. Podczas jego stosowania podkład trawiący miesza się z tłuszczem (dzięki temu łatwiej jest pozostawać w tyle za deską), po czym nakłada się na niego ziarnisty papier, na który artysta nakłada swój rysunek ołówkiem o odpowiedniej twardości. Ponieważ ołówek wywiera pewien nacisk, podłoże wzdłuż linii rysunku przykleja się do papieru, a następnie jest usuwane wraz z nim. Powstała deska z usuniętymi w ten sposób liniami wzoru jest poddawana zwykłemu trawieniu, a następnie drukowana. Metoda ta była znana już w XVII wieku, ale bardziej jako ciekawostka, i znalazła zastosowanie dopiero w XIX, a zwłaszcza w XX wieku. Tak wykonany grawer przypomina przede wszystkim rysunek z węglem drzewnym lub sosem. Najsłynniejszymi mistrzami miękkiego lakieru są Vladimir Falileev, Elizaveta Kruglikova i oczywiście Kathe Kollwitz.

Jeśli technika miękkiego werniksu jest dość ostra, a czasem nawet szorstka, to w XVIII wieku do odwzorowywania rysunków stosowano tak zwany styl ołówka. Tutaj, na przygotowaną deskę do trawienia, rysunek nanosi się specjalnymi taśmami mierniczymi, a powstały odcisk często można pomylić z rysunkiem sangwinicznym lub pastelowym. Najwięcej rycin ołówkowych wykonano we Francji w połowie XVIII wieku iw większości powielają rysunki Francois Bouchera. Wynalazcą tej techniki jest Jean Charles François, którą następnie udoskonalił Gilles Demarteau.

Kropkowane linie są często spotykane w rycinach różnymi technikami trawienia. Tymczasem jest to jedna ze starożytnych technik grawerskich, znana zarówno na ziemiach niemieckich, jak i włoskich od końca XV wieku. Obraz nanoszony jest na płytę grawerską za pomocą młotka i różnych stalowych narzędzi - stempli. Grawerowanie kropkowane rozkwitło w XVIII wieku, a jednym z najbardziej utalentowanych mistrzów jest Francesco Bartolozzi, który dużo pracował w Anglii i uczył pierwszego rosyjskiego grawera kropkowanego Gawriila Skorodumowa. Jeśli chodzi o kropkowaną linię do trawienia, to w rzeczywistości nie są to linie, ale kropki wykonane za pomocą igły do ​​trawienia.

Zanim przejdziemy do historii kolorowych rycin, musimy porozmawiać o jeszcze jednej technice grawerowania. Mówimy o tzw. manierze czarnej, zwanej mezzotintą. Czarny sposób ma fundamentalną cechę: obraz jest nakładany i odpowiednio drukowany nie od białego do czarnego (gdy tusz wypełnia rowki od frezu lub wytrawionego wzoru), ale od czerni do bieli. Deska jest najpierw obrabiana specjalnym narzędziem (frezem), a jeśli zostanie wydrukowana w tej formie, wyjdzie czarny aksamitny nadruk. Grawer wygładza natomiast potrzebne mu miejsca, w których farba się nie przyklei, a nadruk będzie powodował jasne plamy. Jak to często bywa, rozkwit czarnej maniery nie nastąpił tam, gdzie ją wymyślono.

Jej wynalazcą jest Holender Ludwig von Singen, który w 1642 roku ukończył swój pierwszy grawerunek w tej technice. Mezzotinta na ziemiach niemieckich i holenderskich rozwijała się do połowy XVIII wieku; mniej więcej w tym samym czasie stał się znany w Anglii, gdzie w połowie XVIII i na początku XIX wieku otrzymał genialną dystrybucję, w wyniku czego czasami nazywany jest nawet manierą angielską. Spośród kilku największych nazwisk mistrzów tej techniki w Rosji zasłynął James Walker - autor wielu doskonałych portretów.

Teraz porozmawiamy o grawerowaniach kolorowych. Podobnie jak klasyczne ryciny, można je wykonać zarówno na drewnie, jak i na metalu. Są drukowane z kilku płyt, co w rzeczywistości daje kolorowy obraz.

Kolorowe drzeworyty powstały na początku XVI wieku. Przez długi czas za jego wynalazcę uważany był grawer z północnych Włoch Ugo da Carpi: od tego czasu jego wynalazek można było opatentować w Republice Weneckiej, ogłosił to w 1516 roku, nazywając technikę druku światłocieniem. Chociaż technika ta była stosowana w Europie już wcześniej: od 1506 r. kolorowe ryciny z kilku desek drukował Lucas Cranach, a następnie Hans Burgkmair i inni artyści.

I choć Włochy nie mogą bronić prawa do wymyślania barwnych drzeworytów, słusznie mogą poszczycić się najlepszymi przykładami tej sztuki. To właśnie Ugo da Carpi stworzył znakomite kompozycje z oryginałów Rafaela, a także innych włoskich artystów: Giulio Romano, Caravrgio, Parmigianino i innych. Tak więc XVI wiek dał nam najlepszych mistrzów światłocienia; w XVII wieku ta technika we Włoszech zaczęła zanikać i praktycznie zdegenerowana w XVIII wieku.

Odrodzenie kolorowego drzeworytu rozpoczęło się na przełomie XIX i XX wieku. Możemy tu zauważyć takich mistrzów jak Szwajcar Felix Vallotton, a także Rosjan - Anna Ostroumova-Lebedeva, Vladimir Falileev i Ivan Pavlov.

Jeśli chodzi o kolorowe grawerowanie na metalu, już w XVI wieku odnotowujemy jego nieśmiałe próby, jeszcze bardziej poprawne, by powiedzieć, eksperymenty. To właśnie druk kolorowego arkusza z kilku desek około 1710 roku zajął się mieszkaniec Holandii, Jacques Christophe Leblon. Początkowo był grawerem w kolorze czarnym, a pozostając zwolennikiem druku trójkolorowego, wykorzystywał do tego trzy tablice mezzotint o różnych kolorach.

Jednak wszelkie eksperymenty z grawerowaniem barwnym na bazie mezzotinty okazały się mało skuteczne. I dopiero we Francji, za pomocą akwafort wykonanych w akwatincie i lavisie, grawerowanie barwne zaczyna w pełni istnieć. Na tym polu pracował również Jean-Baptiste Leprince, prawdziwy wielbiciel i tester akwaforty. Jednak wynalazek kolorowego grawerunku lavis należał do François Jeanine, a najwyższą doskonałość osiąga w rękach Louisa Philiberta Debucourta, który od 1785 roku całkowicie poświęcił się grawerowaniu kolorem. Liczba desek w jego barwnych rycinach sięgała ośmiu. Kolorowe ryciny francuskie z tego okresu są w większości godne uwagi i cenne.

Ale wszystkie najtrudniejsze techniki XVIII wieku - mezzotinta, złożone sztychy i ryciny - na początku XIX wieku doznały ciężkiego ciosu: Niemiec Johann Alois Senefelder około 1798 roku wynalazł w Monachium zupełnie nową metodę druku - litografię. Jest to metoda związana z drukiem płaskim, polegająca na odpychaniu tłuszczów od wody. Wydruki uzyskuje się poprzez przeniesienie farby pod ciśnieniem z płyty drukarskiej - kamienia litograficznego (wapienia) - na papier. Obraz nanoszony jest na kamień tłustym tuszem lub ołówkiem litograficznym. Co więcej, nakład z tą metodą druku mógł wielokrotnie przewyższać pod względem liczby druków wszystkie dotychczasowe metody druku druków.

W 1806 r. Senefelder otworzył pierwszy warsztat litograficzny w Monachium, aw 1818 r. wydał podręcznik o litografii, a w pierwszej ćwierci XIX w. podobne warsztaty uruchomiono w prawie wszystkich większych stolicach europejskich. Sprzyjała temu oczywiście rewolucja przemysłowa, dzięki której tak łatwa, stosunkowo tania i jednocześnie powtarzalna metoda stała się tak popularna.

Wśród pierwszych litografów, poza samym Senefelderem, zresztą wcale nie artystą, ale aktorem i autorem sztuk muzycznych, można wymienić nazwiska słynnych niemieckich artystów Franza Krugera i Adolfa von Menzla. Również Francisco Goya, Theodore Gericault i Eugene Delacroix zwrócili się ku litografii.

Litografia w połowie XIX wieku stała się ostrym narzędziem politycznym. W tym kontekście prezentowany jest największy mistrz litografii, francuski karykaturzysta Honore Daumier, którego twórczość miała tak duży oddźwięk, że nawet w Rosji w drugiej połowie stulecia pracowało kilku liczących się litografów-karykaturystów: Aleksander Lebiediew, Piotr Boklevsky, Nikołaj Stiepanow.

Jeśli chodzi o rosyjskich litografów z pierwszej połowy XIX wieku, to tak, jak i za granicą, w tej nowej sztuce brali udział przede wszystkim najważniejsi rosyjscy artyści - Aleksiej Orłowski, Orest Kiprenski, Aleksiej Wenetsianow. Największym rosyjskim litografem tamtych czasów był Karl Pietrowicz Beggrov.

Dzięki prowadzonej na szeroką skalę działalności wydawniczej Wasilij Timm zasłynął, pozostawiając po sobie wiele setek kartek różnej jakości, ale niezwykle ciekawych treści, często zamieniających się w karykatury. Litografia w Rosji była również pierwszą metodą druku kolorowego. W tej technice znakomity mistrz Ignacy Szczedrowski opublikował w 1845 r. „Sceny z rosyjskiego życia ludowego”.

W związku z litografią powstaje wiele odmian druku płaskiego, zwłaszcza w przypadku obrazów kolorowych, które były najbardziej poszukiwane w ostatniej trzeciej części XIX i na początku XX wieku. Techniki te stopniowo odchodzą od bezpośrednio oryginalnej twórczości artysty, którą obecnie nazywamy autolitografią, i przechodzą do kategorii grafiki wielkonakładowej. Choć dziś, na początku XXI wieku, wiele nawet wielkonakładowych druków wydaje się wspaniałymi przykładami grafiki.

Postaramy się wymienić niektóre z nich. Najbardziej pożądaną z technik była chromolitografia. W tym przypadku dla każdego koloru obrazu wykonywano osobną kliszę drukarską – kamień (później – blachę cynkową), jednak wraz z wynalezieniem fotografii te pracochłonne metody zostały szybko zastąpione fotomechanicznymi metodami przenoszenia obraz do płyty drukarskiej. Tak powstała fotolitografia, która w ostatecznym druku praktycznie nie różni się od chromolitografii.

Na koniec chcemy powiedzieć więcej o fotomechanicznych metodach wytwarzania form drukowych. Niektóre z tych technik są prawie nie do odróżnienia od oryginalnych technik graficznych. Rozwinęły się one po tym, jak Louis Daguerre ogłosił w 1839 w Royal Society, że odkrył metodę uzyskiwania obrazów na warstwach światłoczułych, którą nazwał dagerotypem, a obecnie fotografią.

Cynkografia była najbardziej rozpowszechniona w pierwszej połowie XX wieku. W tym przypadku obraz jest nanoszony na formę nie przez artystę, ale poprzez przeniesienie fotograficzne na cynkowaną płytę, która jest następnie wytrawiana w tych miejscach obrazu, w których należy wybrać podkład pod płytę cynkową. Cynkografia została po raz pierwszy wynaleziona we Francji w 1850 roku i została nazwana zhillotypingiem po jej wynalazcy.

Za pomocą cynkografii zarówno rysunki kreskowe, jak i obrazy wielobarwne (zwłaszcza kopie z drzeworytów) są przesyłane podczas druku, jednak ta metoda nie może przekazać obrazu tonowego. Warto powiedzieć, że niektórzy artyści w ewolucji swoich eksperymentów nad metodami druku próbowali się w oryginalnej cynkografii.

Fakt, że tak wygodna technika drukowania obrazów nie pozwala na przenoszenie obrazów tonalnych, zmusił wielu utalentowanych drukarzy i inżynierów do ciężkiej pracy, co doprowadziło do wynalezienia w latach 80. XIX wieku sitodruku, a wraz z nim nowej techniki druku typograficznego - autotypii. Słownik Brockhausa i Efrona nazywa autotypowanie „jednym ze sposobów na przekształcenie rękopisu, rysunku lub fotografii w banał do drukowania”. Został wynaleziony jednocześnie w Rosji i Niemczech. W tym przypadku obraz tonalny jest nakładany na blachę cynkową za pomocą siatki rastrowej, która rozbija tony na równomiernie rozmieszczone małe kropki; w ten sposób rozmiar kropki będzie zależeć od tonu w tym konkretnym miejscu oryginału. Oznacza to, że w jasnych miejscach punkty będą prawie niewidoczne, ale w ciemnych miejscach są duże i prawie się łączą.

Podobnie jak w przypadku innych metod drukowania, autotype w końcu stało się kolorem. Występuje w trzech kolorach (z trzema kliszami) i czterema kolorami (odpowiednio z czterema), a nowoczesne maszyny czasami robią pięć kolorowych warstw. Dla lepszego transferu obrazów monochromatycznych czasami stosuje się autotypię dupleksową, gdzie jedna klisza jest główną, a druga dodatkową, o delikatnym odcieniu - niebieskim lub płowym.

Inną metodą transmisji fotomechanicznej oryginału jest fototyp. Wynaleziony w 1855 roku przez francuskiego chemika Alphonse'a Poitevina, okazał się, choć nie tak szeroko stosowany, w przeciwieństwie do cynkografii, chromolitografii i autotypii, jednak umożliwiał z dużą dokładnością oddanie skomplikowanych artystycznych oryginałów. To właśnie ta cecha fototypu spowodowała, że ​​historyk grawerowania Dmitrij Aleksandrowicz Rovinsky opublikował atlasy ze wszystkimi akwafortami Rembrandta i Van Ostade w technice fototypu.

I na koniec chcemy porozmawiać o heliograwiurze. Ta metoda drukowania jest bardzo zbliżona do trawienia, ale przed trawieniem obraz nanoszony jest na płytę metodą fotomechaniczną. Jest on dość nieproduktywny, ale wykonane za jego pomocą kopie z klasycznych rycin i sztychów można na pierwszy rzut oka łatwo pomylić z oryginałami.

Oczywiście nie da się na kilku stronach opisać całej ewolucji grafiki drukowanej. Ale od nieśmiałych pierwszych eksperymentów, niesamowitego klasycznego grawerowania, holenderskiego akwaforty, doskonałego, łączącego wszystkie umiejętności drukarzy i artystów kolorowych rycin z XVIII wieku, fototypów i wielobarwnych autotypów z XX wieku, wszystkie reprezentują niesamowite przykłady sztuki średniowiecza i czasów nowożytnych.