Ukiran adalah salah satu cara paling kuno dan mulia untuk mendekorasi dunia sekitar yang hanya diketahui manusia. Cukuplah untuk mengingat seni cadas - ini adalah upaya pertama seseorang untuk mengukir gambar di permukaan yang keras.

Dalam artikel kami, kami akan berbicara tentang bisnis ukiran. Mari kita bicara tentang arah pengerjaan ini, tentang produk dan penciptanya. Tapi mari kita mulai dengan sejarah...

Sejarah ukiran

Diyakini bahwa ukiran sebagai seni berasal sekitar tiga ribu tahun yang lalu, di Cina. Bahkan kemudian, pengrajin mengukir bagian dan pola rumit pada dial jam matahari. Terlepas dari kenyataan bahwa pemotong lunak pada waktu itu kurang cocok untuk memproses bahan keras apa pun, dan tidak banyak berguna bahkan untuk bekerja dengan logam mulia, perhiasan kuno berhasil menciptakan karya seni yang nyata.

jam matahari Yunani

Pengukiran menjadi lebih mudah setelah pengrajin Yunani menemukan pengerasan besi pada abad ke-7 SM. Setelah itu, shtikheli - mis. pemotong yang digunakan oleh pengukir mendekati sampel modern dalam kekerasan, dan para pengrajin dapat berkonsentrasi penuh pada sisi kreatif dari proses tersebut.

Sudah di abad ke-4 SM, ukiran digunakan di mana-mana: dalam pembuatan skala linier untuk jam air dan piring untuk kompas (analog dengan kompas modern), untuk membuat perhiasan dan medali. Selain itu, di Yunani dan Roma kuno, piring dan barang-barang rumah tangga didekorasi dengan ukiran, dan para pengukir Kaukasia menutupi kapak perang dan senjata lainnya dengan gambar binatang yang diukir.

Contoh ukiran yang luar biasa yang ditinggalkan oleh para empu Rusia kuno. Kunci Pavlov untuk peti mati sangat menarik. Ini adalah patung-patung badut dan penunggangnya, singa dan putri duyung, burung bangau dan burung aneh yang dihiasi dengan pola yang terampil.

Ukiran pada barang-barang emas sangat populer di Mesir kuno, Suriah, Mesopotamia, dan negara-negara Timur lainnya. Pada Abad Pertengahan, ada tradisi untuk meletakkan prasasti peringatan pada perhiasan.

Cincin cetak Rusia, abad XV-XVI

Cincin, bros, liontin, gelang, peti mati, serta karya seni perhiasan apa pun dihiasi dengan prasasti.

Namun, ukiran menjadi sangat diminati di seluruh dunia hanya setelah satu setengah ribu tahun - di pertengahan abad ke-11. Itu adalah era menaklukkan lautan, dan kompas serta kronometer yang dibuat oleh para pengukir terampil memainkan peran penting di dalamnya.

Sejarah ukiran di Rusia

Enam abad kemudian, mode ukiran datang ke Rusia, bersama dengan reformasi besar Peter I. Sebelumnya, hanya sampul buku kayu dan beberapa barang rumah tangga yang didekorasi secara besar-besaran dengan ukiran. Lepas landas nyata seni ukiran terjadi pada abad ke-18, dan sekali lagi karena perkembangan ilmu pengetahuan: Akademi Ilmu Pengetahuan Rusia membutuhkan banyak instrumen goniometrik yang tepat.

Buku dengan sampul kayu berukir

Sangat menarik bahwa pada periode yang sama, ukiran menjadi permintaan di antara penduduk: "Lembaran Fryazh" - ukiran yang dipotong pada tembaga dan kayu - menghiasi rumah-rumah pedagang dan bangsawan. Selain itu, ukiran digunakan sebagai lembaran ucapan selamat atau pesan peringatan.

daun Fryazh

Pada abad ke-18-19, ukiran digunakan untuk menghias senjata: lukisan-lukisan yang terampil di atas baja yang mengilap dingin adalah kartu panggil dari banyak pembuat senjata.

Senjata oleh Paul Poser

Ukiran di Uni Soviet

Dengan berkuasanya Bolshevik, banyak perhiasan dianiaya, dan barang-barang mewah dianggap sebagai kejahatan terhadap ideologi. Namun, perubahan kekuasaan mempengaruhi perkembangan bisnis ukiran ... secara positif. Ya, ya, sains lagi.

Sudah pada tahun 1922, pencipta era baru membutuhkan sejumlah besar kisi, sisik, anggota badan, dan berbagai bagian untuk perangkat. Dan pada tahun 1926, dengan didirikannya laboratorium fotografi ilmiah, menjadi jelas bahwa permintaan akan pemahat hanya akan meningkat.

Perlu dicatat bahwa pada tahun-tahun ini keterampilan mengukir mencapai tingkat yang baru: menggunakan metode gabungan dan fotografis, pembuat perhiasan dapat menerapkan simbol dan pembagian dengan akurasi yang luar biasa.

Teknik Ukiran Perhiasan

Menurut teknik eksekusi, ukiran perhiasan saat ini adalah manual, penggilingan (termasuk ukiran berlian) dan laser, etsa asam juga digunakan.

Ukiran tangan pada perhiasan sama sekali bukan tulisan pada produk logam, yang akan dilakukan di pusat perbelanjaan mana pun. Alat untuk pengukiran manual adalah pengukir yang telah disebutkan. Dalam produksi modern, seorang seniman-perancang membuat model 3D suatu produk - pekerjaan semacam itu membutuhkan banyak pengetahuan, keterampilan, dan pengalaman.

Seniman mengerjakan semua detail terkecil, dan hanya setelah itu produk dipotong menggunakan peralatan modern. Tetapi bahkan setelah teknik yang paling tepat, master secara manual memperbaiki setiap gambar. Di sini, pendekatannya jauh lebih serius, dan hasil pekerjaan akan dapat mengevaluasi tidak hanya pelanggan-pembeli, tetapi juga kolega profesional.

Pengukir tidak berhak membuat kesalahan: setiap getaran tangan dapat merusak produk secara permanen. Ukiran tangan adalah "pekerjaan perhiasan" dalam arti kata yang sebenarnya. Hari ini, pengukir kerajinan tangan melakukan apa yang dilakukan pendahulu mereka ribuan tahun yang lalu. Perhiasan yang diukir dengan tangan benar-benar unik, tidak ada yang seperti itu di seluruh dunia.

Anda dapat memproses objek dengan bur, atau pemotong. Ada berbagai macam mesin penggilingan dan lampiran untuk mereka: dari bor terkenal ke mesin ukiran penggilingan berlian. Pemotong berlian meninggalkan lubang empat sisi yang dalam di permukaan produk, menciptakan gambar tiga dimensi yang eksklusif.

Pencipta rumah perhiasan "Kvashnin" menghasilkan sejumlah besar perhiasan dan alat ukiran yang dipatenkan oleh Rospatent. Peralatan ini memungkinkan untuk melakukan pekerjaan perhiasan yang paling kompleks, penghargaan dekorasi ukiran, medali, cangkir.

Penemuan nyata dari modernitas adalah ukiran laser. Mesin khusus diprogram untuk menerapkan gambar tertentu, setelah itu benda kerja ditempatkan di dalamnya. Laser menguapkan partikel logam, mengubah struktur dan warnanya, menghasilkan gambar yang jernih secara fotografis. Yang sangat populer adalah ukiran laser untuk pembuatan perhiasan religius, khususnya ikon yang dapat dikenakan.

ahli ukiran

Dengan berkembangnya keterampilan mengukir di Rusia, seluruh galaksi pengukir yang layak dibesarkan di percetakan Leningrad dan Moskow (dan kemudian, pada abad ke-20, di Gokhran Rusia). Dalam artikel kami, Anda dapat membaca secara rinci tentang master dari abad yang berbeda, dan di sini kita akan menyentuh sejarah kehidupan dan karya tiga pengukir yang sangat luar biasa, yang masing-masing memberikan kontribusi besar pada pengembangan perhiasan Rusia.

Ivan Alekseevich Sokolov

Ivan Sokolov lahir di akhir masa pemerintahan Peter I. Ia menjadi salah satu ahli ukiran paling terkemuka dalam sejarah Kekaisaran Rusia. "Artis tembaga" masa depan belajar di kelas seni di Akademi Ilmu Pengetahuan St. Petersburg: menggambar dengan Schumacher, mengukir dengan Christian Albert Wortman dan Ottomar Elliger.

Pada 1745 Ivan Sokolov menjadi kepala sekolah Akademi. Selama 12 tahun berikutnya, ia melatih banyak pengukir dan melakukan segalanya untuk memastikan bahwa seni ukiran di Rusia sama sekali tidak kalah dengan pencapaian perhiasan Barat.

Sokolov sendiri adalah master besar potret seremonial - lukisan berukir yang mengulangi gambar asli. Sokolov berhasil mencapai realisme luar biasa dari bahan dan objek yang digambarkan dalam karya-karyanya: ia secara akurat menyampaikan tekstur halus bulu dan kilau lembut kain mahal, pantulan dingin logam dan garis rambut lembut. Setiap karya Ivan Sokolov bukan sekadar reproduksi lukisan, melainkan karya nyata seni ukir sang penulis.

Mikhail Evlampievich Perkhin

Mikhail Perkhin berasal dari keluarga petani yang, untuk layanan yang diberikan kepada Tanah Air, dibebaskan dari layanan dan pajak. Pada usia 18, Mikhail berangkat ke St. Petersburg untuk bekerja, memasuki magang perhiasan dan selamanya menghubungkan hidupnya dengan "kerajinan emas". Sudah pada usia 26 (1886), ia menerima gelar master yang tinggi dan diundang untuk bekerja di bengkel Faberge.

Mikhail adalah seorang jenius sejati dalam perhiasan: hanya dua tahun kemudian ia membuka bengkelnya sendiri, menjadi kepala master Faberge dan menerima hak atas merek pribadi: inisial "M. P.". Dengan ciri khas inilah 28 dari 54 telur Paskah kekaisaran dihias, termasuk karya-karya terkenal seperti:

• "Kuntum bunga mawar";
• "Istana Denmark";
• "Trans-Siberia Express";
• "Madonna Lily";
• "Penunggang Kuda Perunggu";
• "Istana Gatchinsky", dll.

Mikhail Evlampievich Perkhin adalah kepala master rumah Faberge selama 18 tahun. Selama waktu ini, ia menjadi legenda sejati perhiasan Rusia pada umumnya, dan ukiran pada khususnya.

Anton Fyodorovich Vasyutinskiy

Jika kita berbicara tentang perkembangan seni medali di Rusia, maka orang pertama yang patut diingat adalah Anton Fedorovich Vasyutinsky. Master ini lulus dari Akademi Seni pada tahun 1888, dan pada tahun 1891 karya-karyanya - medali yang dipresentasikan di sebuah pameran di Paris - dianugerahi Diploma Kehormatan.

Sejak 1893, Vasyutinskiy adalah peraih medali senior di St. Petersburg Mint. Pada tahun 1920, ia menjadi asisten manajer Medali dan bagian tambahan (tentu saja, mint sudah menjadi Leningrad), pada tahun 1922 - manajer, dan pada tahun 1926 - peraih medali utama.

Meskipun sang master bekerja sebagian besar hidupnya di Kekaisaran Rusia (misalnya, dari bawah tangannya rubel Yobel keluar untuk peringatan 300 tahun dinasti Romanov pada tahun 1912), ia memberikan kontribusi yang sangat besar bagi pengembangan ukiran di Uni Soviet.

Vasyutinsky-lah yang melakukan segalanya untuk memastikan bahwa departemen medali dibuka di Akademi Seni. Murid-muridnya adalah N. A. Sokolov, V. V. Golenetsky, S. L. Tulchitsky dan master luar biasa lainnya. Faktanya, Vasyutinsky menciptakan seluruh sekolah peraih medali Rusia.

Di antara karya-karya pribadi Vasyutinskiy, orang dapat mencatat perangko untuk koin Uni Soviet: 10, 15 dan 20 kopek, 50 kopek perak dan rubel, chervonet emas. Dia juga salah satu master yang mengerjakan pembuatan stempel Ordo Lenin.

Ukiran perhiasan hari ini

Ukiran tetap merupakan cara terbaik untuk membuat perhiasan atau suvenir yang benar-benar unik, untuk memberikan nilai khusus. Teknik ini digunakan untuk menerapkan prasasti dan gambar pada:

• Cincin;
• Tablet;
• kunci pernikahan;
• peti mati;
• Medali;
• cincin;
• Jam;
• gelang;
• Liontin, kalung dan perhiasan lainnya.

Apakah Anda mencari pengukir yang sangat profesional? Hanya ke rumah perhiasan "Kvashnin": kami dapat membuat model dengan kompleksitas apa pun: kualitas hasil dan nilai artistiknya yang tinggi akan memungkinkan Anda untuk menyimpan produk dengan gentar dan meneruskannya dari generasi ke generasi.

- (dari gravure Prancis), 1) kesan tercetak di atas kertas (atau pada bahan serupa) dari pelat (papan) tempat gambar diterapkan. 2) Jenis seni grafis, termasuk berbagai metode pemrosesan manual papan dan mencetak cetakan darinya. ... ... Ensiklopedia Seni

- (dari gravure Prancis) 1) cetakan cetakan di atas kertas (atau bahan serupa) dari pelat ("papan") tempat gambar dipotong; 2) jenis seni grafis (Lihat Grafik), termasuk berbagai metode pemrosesan papan secara manual (lihat ... ... Ensiklopedia Besar Soviet

ukiran- ENGRAVING1, s, g Jenis seni rupa yang mereproduksi realitas dalam bentuk planar; karya adalah gambar planar yang diperoleh di atas kertas dari pelat cetak, dipotong atau diukir oleh pengukir di ... ... Kamus penjelasan kata benda Rusia

UKIRAN- [dari bahasa Prancis. gravure], sejenis seni grafis; teknik pemrosesan ukiran papan (pelat, formulir) untuk mendapatkan cetakan gambar di atas kertas, kain, dll .; kesan tercetak. Lukas penginjil. Ukiran dari "Rasul" oleh I. Fedorov. M., 1564 (RGB) ... Ensiklopedia Ortodoks

Alat stichel untuk pengukiran ujung ... Wikipedia

S; dengan baik. [Perancis] gravure] 1. Gambar yang diukir atau diukir oleh pengukir pada permukaan halus semacam l. bahan padat; cetak gambar seperti itu. G. di atas kayu, di atas batu, di atas logam, di atas linoleum. G. dengan pemotong, jarum pada tembaga. Tsvetnaya g. ... ... kamus ensiklopedis

Ukiran- (dari Graver Prancis ke cut, kembali ke lat. Graver berat, dalam) tampilan grafis. klaim, di mana gambar diperoleh dalam bentuk cetakan (biasanya di atas kertas) dari cetakan bentuk pelat (papan) yang terbuat dari logam (tembaga, baja, seng), kayu atau ... ... Kamus ensiklopedis kemanusiaan Rusia

Nama jejak barang cetakan yang diperoleh dengan bantuan klise terukir dari aslinya, secara akurat menyampaikan detail halus dari gambar penulis. Tergantung pada bahannya, pada kucingnya. aslinya diukir dengan klise, ukiran logam dibedakan ... ... Kamus besar filateli

ukiran- S; dengan baik. (Gravure Prancis) lihat juga. ukiran 1) Gambar yang diukir atau diukir oleh pengukir pada permukaan halus semacam l. bahan padat; cetak gambar seperti itu. Ukiran/ra pada kayu, pada batu, pada logam, pada linoleum. Saya mengukir / memotong dengan pemotong ... Kamus banyak ekspresi

Istilah ini memiliki arti lain, lihat Adam dan Hawa (arti) ... Wikipedia

Istilah ini memiliki arti lain, lihat Melankolis (makna) ... Wikipedia

Buku

• Ukiran dan litografi. Esai tentang sejarah dan teknologi, Disusun oleh I. I. Leman. Edisi komprehensif yang unik merinci jenis karya seni grafis, menunjukkan fitur-fitur yang membedakan dari teknik utama - potongan kayu, ukiran tembaga dan ...
• Ukiran logam. Untuk peringatan 115 tahun Museum Rusia, Editor: Vera Kazarina. Perhatian Anda diundang ke album, yang mencakup ukiran pada logam dari koleksi Museum Rusia. Pemotongan ukiran pada logam muncul di pertengahan abad ke-15. Sudah lama ada anggapan bahwa…
• Ukiran Rusia pada tembaga paruh kedua abad ke-17 - sepertiga pertama abad ke-18 (Moskow, St. Petersburg): Deskripsi koleksi Departemen Seni Publikasi Perpustakaan Negara Rusia, M. E. Ermakova, O. R. Khromov. Koleksi ukiran Rusia awal dari Perpustakaan Negara Rusia mencakup karya-karya semua master utama paruh kedua abad ke-17 - sepertiga pertama abad ke-18: Vasily Andreev, Leonty ...

Tradisi menghubungkan asal mula ukiran tembaga dengan teknik niello. Istilah "niello" berarti teknik yang digunakan oleh perhiasan sejak Abad Pertengahan; ketika mengerjakan produk logam atau perak, termasuk pelat yang dimaksudkan untuk dekorasi dengan niello, permukaan logam dengan pola yang diterapkan padanya, dipotong jauh ke dalam, ditutupi dengan bubuk hitam. Terdiri dari belerang dan komponen lainnya, bubuk ini disebut kata Latin "nigellum". Pelat logam dipanaskan, dan massa hitam cair memenuhi alur dalam dari pola yang ditinggalkan oleh pemotong. Setelah mendinginkan produk, bagian berlebih dari "nigellum" yang mengeras dihilangkan, dan polanya menonjol dengan jelas di permukaan logam dengan kontur hitam tipis, memberikan karya itu karakter yang selesai dan berharga. Rupanya, sebelum melanjutkan ke tahap terakhir bekerja dengan "nigellum", para seniman, dalam upaya untuk memeriksa hasil yang diinginkan, mengisi alur-alur garis yang dipotong ke kedalaman gambar dengan tinta atau cat gelap, dan kemudian melakukan tes dicetak pada kertas basah. Ini adalah bagaimana pertama, pada ukiran acak pertama diperoleh. Giorgio Vasari, seorang pelukis Italia, arsitek dan sejarawan seni terkemuka, mengaitkan penemuan mereka dengan master Florentine Maso Finigverra, yang memperkirakan kelahiran ukiran niello pada tahun 1460. Namun, klaim Vasari sulit dipercaya. Banyak ukiran pada tembaga yang muncul di Italia pada pertengahan abad ke-15, dan bahkan lebih awal di Jerman dan Belanda, tidak mungkin karena hanya satu master; mungkin, sampel seperti itu di atas kertas secara alami muncul di banyak bengkel perhiasan. Di antara karya-karya awal dari jenis ini yang telah turun ke zaman kita, beberapa ukiran miniatur menonjol, yang, menurut peneliti Italia Mary Pittaluta, berutang "pesona berharga" mereka untuk ukurannya yang kecil dan jarak yang dekat antara goresan.

Di permukaan kecil ukiran "Adoration of the Magi" (115 x 105 mm), tiga puluh dua sosok peserta prosesi cocok, secara komposisi mengingatkan pada lukisan dinding Benozzo Gozzoli di Istana Medici-Riccardi di Florence (1459 - 1463 ) - Pencipta ukiran belum mengetahui hukum perspektif linier, naluri dekorator menariknya untuk mengisi ruang - dan dia menenun, seperti pola, prosesi orang Majus dari bawah ke atas, dari kanan ke kiri . Dari kedalaman gelap "niello", terang, dengan bayangan terang, sosok Maria, Yusuf, raja-raja penyihir menonjol, dan cukup jauh - penunggang kuda, kuda, unta, dan bahkan gembala - karakter plot lain, "Pemujaan Sang Gembala”.

Bahkan lebih halus dan lebih halus adalah potret Bentivoglio tertulis dalam lingkaran. Ciri-ciri halus, profil halus, ekspresi sedih selaras dengan warna yang muncul di sekitar sosok muda itu. Disamakan dengan perhiasan berharga, ukiran itu menyerupai medalion yang dikejar.

"Niellos" yang anggun dicirikan oleh bentuk-bentuk cahaya yang menonjol dari kegelapan. Ini bisa menjadi semacam kanon bergambar, jika keinginan yang muncul pada Renaisans untuk mengelilingi objek dengan lingkungan spasial tidak membuat para ahli ukiran pertama meninggalkan latar belakang gelap dan menggunakan kemungkinan artistik kertas putih.

Jenis niello, dengan latar belakang hitamnya, menemukan perkembangan lebih lanjut di Bologna pada paruh kedua abad ke-15 dan awal abad ke-16 dalam karya Pellegrino da Cesena.Dalam istilah dekoratif murni, seperti pola putih dengan latar belakang hitam, telah hilang hubungannya dengan niello, itu terus hidup di abad ke-17.

Salah satu mahakarya seni baru pertama dianggap sebagai "Potret Wanita Mulia", yang disimpan dalam satu salinan dalam koleksi Kabinet Ukiran Berlin. Ukiran pada tembaga dibuat oleh master sekolah Florentine; itu berasal dari tahun 1440-an-1450-an. Hanya seorang ahli perhiasan, yang bekerja dengan hati-hati dalam bentuk kecil dan bahan mahal, yang bisa menggambar garis yang bersih dan elegan seperti garis besar profil seorang wanita. Hiasan kepalanya, kalung berharga, pakaiannya dipenuhi dengan ornamen yang dirancang dengan indah. Dan pola yang rumit ini juga dapat dibuat ulang hanya oleh seorang pandai emas yang terampil. Berlawanan dengan permukaan wajah dan leher yang bersih, dibatasi oleh hanya satu kontur, dengan permukaan hiasan kepala, kalung, dan gaun yang dirancang secara dekoratif, itulah efek artistik utama dari karya ini. Pada saat yang sama, pesona khusus menyimpan jejak kontak keterampilan perhiasan dengan seni besar awal Renaisans. Tidak diragukan lagi bahwa ukiran ini mengenang potret profil terkenal yang muncul dari bengkel pelukis Domenico Veneziano dan Paolo Uccello.

Selain "Potret Seorang Wanita Mulia", beberapa ukiran Italia awal harus disebutkan, yang dengan jelas menunjukkan pengaruh yang bermanfaat dari seni Renaissance Florence pada pembentukan ukiran Italia.Komposisi "Kebangkitan Kristus", dikenal dari satu cetakan dalam koleksi British Museum di London, secara langsung mengulangi relief Luca della Robbia di plot yang sama, ditugaskan pada 1443 untuk Katedral Florence. Dampak dari realisme keras Andrea del Castagno mengungkapkan beberapa lembar yang diukir oleh Master of the Passion anonim dari Wina. Bahkan dalam ukiran seperti "Kristus dalam Kemuliaan" (satu-satunya salinan dalam koleksi grafis Galeri Uffizi) dan " Kenaikan Maria", dengan ornamen intens mereka, fitur struktur komposisi , keseimbangan dan korelasi bentuk yang jelas tidak dapat dibayangkan di luar penemuan seni rupa baru.

Munculnya ukiran ternyata menjadi mata rantai dalam evolusi seni rupa: ukiran kayu berasal dari papan untuk pembuatan kain cetak, ukiran berdampingan dengan seni perhiasan, dan etsa memiliki kesamaan dengan kerajinan pembuat senjata. Kualitas ukiran yang membedakannya dengan bentuk seni lainnya adalah kesan di atas kertas. Itulah sebabnya tempat kelahiran ukiran adalah tempat kelahiran kertas - Cina.

Ukiran ukiran kayu berasal dari Cina paling lambat abad ke-6, setidaknya sejak saat itu ada referensi untuk buku-buku potongan kayu yang dibuat dengan cara ini. Jadi akan ada banyak asumsi jika bukan karena penemuan pada tahun 1900 di Donghuang (Cina Barat) di gua Seribu Buddha dari "Sutra Berlian" yang terkenal, yang sekarang disimpan di Perpustakaan Inggris. Itu tertanggal 868 dan menunjukkan bahwa master Wang Chi memotong papan dan mencetak buku itu "demi peringatan orang tuanya yang telah meninggal." Itu sebabnya bahkan dalam kamus V.I. Xylography Dahl disebut "Cara pencetakan Cina".

Jadi sekarang tanggal pertama dalam sejarah ukiran bertepatan dengan tanggal pertama dalam sejarah pencetakan. Namun, penetrasi ukiran ke Eropa hanya sedikit melampaui penemuan pencetakan oleh Johannes Gutenberg.

Sampel pertama ukiran Eropa Barat, dibuat dengan teknik potongan kayu bermata, muncul pada pergantian abad ke-14-15. Mereka adalah konten religius, yang telah menentukan penyebaran "kerajinan" ini: pada awalnya Bavaria, Alsace, provinsi Kekaisaran Romawi Suci; kemudian selebaran satir, kalender dan abjad mulai muncul. Potongan kayu tanggal pertama disebut "St. Christopher", dibuat pada tahun 1423. Sekitar 1430, yang disebut. buku balok, di mana teks dan ilustrasi dicetak pada satu papan, dan dari 1461 potongan kayu mulai digunakan sebagai ilustrasi untuk buku cetak.

Teknik ukiran kayu cukup sederhana: pola diterapkan pada permukaan papan yang dipoles setebal sekitar 2,5 cm, setelah itu garis-garis pola ini dipotong di kedua sisi dengan pisau tajam, dan latar belakang dipilih dengan alat khusus hingga kedalaman 2-5 mm. Setelah itu, papan dapat digulung dengan cat dan dicetak di atas kertas.

Jika kita berbicara tentang apa yang disebut ukiran bermata (dibuat di sepanjang serat kayu), maka pada 1780-an, seniman dan pengukir Inggris yang luar biasa Thomas Bewick menemukan metode pengukiran ujung pada kayu (pada penampang batang kayu keras) . Dia sendiri menciptakan banyak mahakarya dari genre ini - ilustrasi untuk General History of the Quadrupeds dan dua volume History of the Birds of Britain. Dalam teknik inilah pada abad ke-19 banyak ilustrasi buku dibuat, yang, dengan penambahan papan nada kedua, disebut politipe. Perwakilan terbesar dari teknik ini di Rusia adalah Lavrenty Seryakov dan Vladimir Mate.

Seni potongan kayu oriental menonjol. Jika sebelumnya dia hanya mengirimkan teks hieroglif agama, maka pada abad ke-17, buku-buku bergambar muncul di Jepang, dan dari tahun 1660-an, ukiran konten sekuler. Masa kejayaan pencetakan potongan kayu Jepang dimulai pada abad ke-18, ketika Okumura Masanobu memperkenalkan pencetakan dua dan tiga warna. Master terhebat di akhir abad ke-18 adalah pencipta potret wanita ideal Kitagawa Utamaro, dan pada paruh pertama abad ke-19 pencipta pemandangan indah Katsushika Hokusai dan Ando Hiroshige.

Pemotongan ukiran pada logam muncul di pertengahan abad ke-15. Untuk waktu yang lama diyakini bahwa penemu teknik ini adalah pembuat perhiasan Florentine Mazo Finiguerra, yang ukiran pertamanya berasal dari tahun 1458; tetapi teori ini telah dibantah oleh spesimen sebelumnya. Flagellation of Christ, yang dibuat oleh seorang master Jerman yang tidak dikenal pada tahun 1446, dianggap sebagai ukiran tertua pada tembaga. Dan master ukiran pertama, meskipun anonim, paling terkenal adalah "Master of Playing Cards", yang bekerja di Basel dan di bagian atas Rhine.

Dalam hal ini, master mengambil papan logam yang ditempa secara merata dan dipoles dengan hati-hati, di mana ia menerapkan gambar menggunakan pukulan perhiasan, yang kemudian dilewatkan dengan alat yang lebih padat - pemotong atau pengukir. Setelah itu, cat digosokkan ke papan, kelebihannya dihilangkan, dan lembarannya bisa dicetak.

Master paling luar biasa dari abad ke-15 adalah pengukir Jerman Martin Schongauer, yang bekerja di Colmar dan Breisach. Karyanya, yang menggabungkan Gotik akhir dan Renaisans awal, memiliki pengaruh signifikan pada master Jerman, termasuk Albrecht Dürer. Di antara para master paruh pertama abad ke-16, perlu dicatat, selain A. Dürer yang disebutkan, Luke of Leiden yang luar biasa.

Dari master Italia abad ke-15, Andrea Mantegna dan Antonio del Pollaiolo adalah yang paling signifikan. Di Italia yang sama pada abad ke-16, muncul arah yang telah menentukan tonggak penting dalam pengembangan ukiran Eropa - ini adalah reproduksi lukisan.

Munculnya ukiran reproduksi dikaitkan dengan nama Marcantonio Raimondi, yang, bekerja hingga akhir sepertiga pertama abad ke-16, menciptakan beberapa ratus reproduksi dengan menggunakan pemotong dari karya Dürer, Raphael, Giulio Romano, dan lainnya. .

Pada abad ke-17, ukiran reproduksi sangat umum di banyak negara - di Flanders, di mana banyak lukisan direproduksi, terutama lukisan Rubens. Di Prancis saat ini, Claude Mellan, Gerard Edelink, Robert Nanteuil dan lain-lain berkontribusi pada berkembangnya reproduksi potret terukir.

Karena ukiran kayu dan ukiran tembaga, hanya di tangan master yang luar biasa, selesai, karya-karya luar biasa yang penuh dengan ekspresi artistik dan keindahan, pada awal abad ke-16, jenis ukiran lain pada logam muncul, yang menjadi genre favorit untuk banyak seniman besar seniman - ini adalah etsa.

Keuntungan utamanya adalah kemudahan pembuatan, yang tidak dapat dikatakan tentang ukiran atau potongan kayu. Faktanya adalah bahwa jika dalam dua teknik yang disebutkan Anda perlu memotong garis secara manual pada kayu atau logam, maka dalam etsa semua pekerjaan yang paling sulit ini dilakukan dengan asam. Papan logam (pada abad ke-16 lebih sering besi, pada tembaga abad ke-17-18, kemudian seng), yang digunakan untuk ukiran biasa, ditutupi dengan primer tahan asam khusus. Di papan, dengan menggunakan jarum baja tajam, menembus tanah lunak, sebuah pola diterapkan. Setelah itu, papan ditempatkan dalam asam nitrat (tembaga - dalam larutan besi klorida), dan pola yang diterapkan dengan jarum terukir hingga kedalaman yang diinginkan. Setelah itu, primer dicuci dari papan, cat digosok dan kesan dibuat. Di Rusia, ukiran sebelumnya dengan etsa disebut ukiran vodka kuat.

Yang paling terkenal adalah lukisan karya master Prancis pada sepertiga pertama abad ke-17, Jacques Callot, yang mereproduksi berbagai, seringkali fasih, pemandangan kehidupan modern. Sekolah Flemish memberikan seni pengukir yang luar biasa - Anthony van Dyck, yang potretnya adalah contoh yang sangat baik dari ikonografi abad ke-17.

Tetapi tidak diragukan lagi, yang paling berharga dan integral adalah aliran etsa Belanda, yang dalam hal ini bersaing dengan lukisan dan sama sekali tidak kalah dengannya. Sekolah ini diwakili oleh Adrian Van Ostade, Paul Potter, Hercules Seghers… Tetapi master terkemuka di sini adalah Rembrandt, yang sepenuhnya mandiri, tanpa bantuan dari luar, memahami seni etsa dan mengatasi semua kesulitan dari teknik yang berubah-ubah ini. Rembrandt meninggalkan lebih dari tiga ratus lukisan dalam berbagai kondisi.

Kira-kira dari pertengahan abad ke-18, seperti yang terjadi sebelumnya dengan ukiran, arah reproduksi etsa yang terpisah muncul. Hampir semua ilustrasi jelek dan buku dari paruh kedua pertengahan abad ke-18 dibuat dengan teknik ini.

Tetapi jika etsa reproduksi adalah semacam produksi massal untuk abad ke-18, maka etsa asli terus ada dan menjadi "saluran" bagi banyak pelukis. Karya-karya Francisco Goya, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto, Antoine Watteau, François Boucher dan banyak lainnya sangat terkenal. Dari catatan khusus adalah karya arsitek dan pengukir Giovanni Battista Piranesi, yang, mungkin, pengukir paling terkemuka abad ini, yang meninggalkan banyak volume vorazh dengan pemandangan Roma, barang antik Romawi, dan bahkan ruang bawah tanah.

Jika pada abad ke-19, di bawah pengaruh teknik pencetakan baru, seni etsa memudar, maka pada akhir abad itu berkembang dengan semangat baru, dan tidak lagi bersifat “ilustrasi”, tetapi dirasakan oleh kontemporer sebagai karya seni yang integral. Hampir semua pelukis Prancis terkenal beralih ke etsa, dimulai dengan pelukis Barbizon (Camille Corot, Charles-Francois Daubigny dan lain-lain) dan berakhir dengan Impresionis (terutama Edouard Manet). Juga, banyak negara membawa master terkenal ke seni etsa: Anders Zorn di Swedia, Adolf Menzel di Jerman, James Whistler di AS, Ivan Shishkin dan Valentin Serov di Rusia.

Selain etsa seperti itu, jenis cetakan ini memperoleh beberapa variasi lagi di abad ke-18, dan kadang-kadang dalam satu karya kita dapat mengamati kombinasi beberapa teknik etsa pada saat yang bersamaan.

Yang paling umum adalah aquatint - ketika papan digores melalui rosin atau debu aspal yang diaplikasikan. Etsa seperti itu menciptakan efek pola nada selama pencetakan, terutama dengan pencetakan satu warna yang menyerupai grisaille. Penambahan aquatint pada etsa bersih, bahkan terkadang tajam, memberikan ukiran tersebut tampilan yang indah dan menyerupai gambar atau cat air. Di antara yang pertama mulai menggunakan aquatint adalah orang Prancis Jean Baptiste Leprince - pencipta "tipe Rusia" yang terkenal, serta Francisco Goya, yang menggunakannya di Caprichos-nya.

Leprince-lah yang menemukan teknik etsa tambahan lainnya - lavis. Dalam hal ini, gambar diterapkan dengan kuas yang dicelupkan ke dalam asam langsung ke papan. Saat dicetak, fragmen etsa yang dieksekusi oleh lavis, seolah-olah, merupakan interval antara etsa murni dan aquatint.

Teknik etsa lain yang akan kita perhatikan adalah pernis lunak. Saat menggunakannya, primer etsa dicampur dengan lemak (karena ini lebih mudah tertinggal di belakang papan), setelah itu kertas kasar diterapkan padanya, di mana seniman menerapkan gambarnya dengan pensil dengan kekerasan yang cukup. Karena pensil menciptakan beberapa tekanan, tanah di sepanjang garis gambar menempel pada kertas, dan kemudian dihapus bersamanya. Papan yang dihasilkan, dengan garis desain yang dihilangkan dengan cara ini, dikenakan etsa biasa, dan kemudian dicetak. Metode ini dikenal pada abad ke-17, tetapi lebih sebagai rasa ingin tahu, dan baru diterapkan pada abad ke-19 dan, khususnya, abad ke-20. Ukiran yang dilakukan dengan cara ini pada dasarnya menyerupai gambar dengan arang atau saus. Master pernis lunak yang paling terkenal adalah Vladimir Falileev, Elizaveta Kruglikova, dan tentu saja Kathe Kollwitz.

Jika teknik pernis lembut agak tajam dan kadang-kadang bahkan kasar, maka apa yang disebut gaya pensil digunakan untuk mereproduksi gambar pada abad ke-18. Di sini, pada papan etsa yang disiapkan, gambar diterapkan dengan pita pengukur khusus, dan cetakan yang dihasilkan sering kali dapat dikacaukan dengan gambar optimis atau pastel. Jumlah ukiran pensil terbesar dibuat di Prancis pada pertengahan abad ke-18 dan sebagian besar mereproduksi gambar-gambar Francois Boucher. Penemu teknik ini adalah Jean Charles François, yang kemudian disempurnakan oleh Gilles Demarteau.

Garis putus-putus sering ditemukan dalam ukiran dengan berbagai teknik etsa. Sementara itu, ini adalah salah satu teknik ukiran kuno, yang dikenal baik di Jerman maupun di tanah Italia sejak akhir abad ke-15. Gambar diterapkan pada papan ukiran dengan palu dan berbagai alat baja - pukulan. Ukiran bertitik berkembang pesat di abad ke-18, dan salah satu master paling berbakat adalah Francesco Bartolozzi, yang banyak bekerja di Inggris dan mengajar pengukir titik Rusia pertama Gavriil Skorodumov. Adapun garis putus-putus etsa, ini sebenarnya bukan garis, tetapi titik-titik yang dibuat dengan jarum etsa.

Sebelum melanjutkan ke kisah ukiran warna, kita harus membicarakan satu lagi teknik pengukiran. Kita berbicara tentang apa yang disebut cara hitam, yang disebut mezzotint. Cara hitam memiliki fitur mendasar: gambar diterapkan dan, karenanya, dicetak bukan dari putih ke hitam (ketika tinta mengisi alur dari pemotong atau pola tergores), tetapi dari hitam ke putih. Papan diproses terlebih dahulu dengan alat khusus (cutter), dan jika dicetak dalam bentuk ini, cetakan beludru hitam akan keluar. Pengukir, di sisi lain, menghaluskan area yang dia butuhkan, di mana cat tidak akan menempel, dan di mana cetakan akan menghasilkan bintik-bintik cerah. Seperti yang sering terjadi, masa kejayaan cara hitam tidak terjadi di tempat ia ditemukan.

Penemunya adalah orang Belanda Ludwig von Singen, yang menyelesaikan ukiran pertamanya dalam teknik ini pada tahun 1642. Mezzotint di tanah Jerman dan Belanda berkembang hingga pertengahan abad ke-18; sekitar waktu yang sama, ia menjadi dikenal di Inggris, di mana ia menerima distribusinya yang cemerlang di pertengahan abad ke-18 dan awal abad ke-19, sehingga kadang-kadang bahkan disebut cara Inggris. Dari beberapa nama master terbesar teknik ini di Rusia, James Walker menjadi terkenal - penulis banyak potret luar biasa.

Sekarang kita akan berbicara tentang ukiran warna. Mereka, seperti ukiran klasik, dapat dibuat baik pada kayu maupun pada logam. Mereka dicetak dari beberapa papan, yang sebenarnya memunculkan gambar berwarna.

Potongan kayu berwarna berasal dari awal abad ke-16. Untuk waktu yang cukup lama, pengukir Italia utara Ugo da Carpi dianggap sebagai penemunya: sejak itu dimungkinkan untuk mematenkan penemuannya di Republik Venesia, ia mengumumkan ini pada tahun 1516, dengan menyebut teknik pencetakan Chiaroscuro. Meskipun teknik ini digunakan di Eropa sebelumnya: sejak 1506, ukiran warna dari beberapa papan dicetak oleh Lucas Cranach, dan kemudian oleh Hans Burgkmair dan seniman lainnya.

Dan meskipun Italia tidak dapat mempertahankan hak untuk menciptakan potongan kayu berwarna, ia berhak untuk bangga dengan contoh terbaik dari seni ini. Ugo da Carpi-lah yang menciptakan komposisi luar biasa dari karya asli Raphael, serta seniman Italia lainnya: Giulio Romano, Caravrgio, Parmigianino, dan lainnya. Jadi abad ke-16 memberi kita ahli chiaroscuro terbaik; Pada abad ke-17, teknik ini di Italia mulai memudar, dan praktis merosot pada abad ke-18.

Kebangkitan potongan kayu berwarna dimulai pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Di sini kita dapat mencatat master seperti Felix Vallotton Swiss, serta Rusia - Anna Ostroumova-Lebedeva, Vladimir Falileev dan Ivan Pavlov.

Adapun ukiran warna pada logam, kembali pada abad ke-16 kami mencatat upaya pemalu, bahkan lebih tepat untuk mengatakan eksperimen. Persis pencetakan lembaran berwarna dari beberapa papan sekitar tahun 1710 yang dilakukan oleh seorang penduduk Belanda, Jacques Christophe Leblon. Awalnya, dia adalah pengukir hitam, dan, tetap menjadi pendukung pencetakan tiga warna, dia menggunakan tiga papan mezzotint dengan warna berbeda untuk itu.

Tetapi semua eksperimen dengan pengukiran warna berdasarkan mezzotint ternyata tidak banyak berhasil. Dan hanya di Prancis, dengan penggunaan papan etsa yang dibuat dari aquatint dan lavis, pengukiran warna mulai sepenuhnya ada. Jean-Baptiste Leprince, seorang pemuja sejati dan penguji papan etsa, juga bekerja di bidang ini. Tetapi penemuan ukiran lavis berwarna adalah milik François Jeanine, dan mencapai kesempurnaan tertinggi di tangan Louis Philibert Debucourt, yang sejak tahun 1785 mengabdikan dirinya sepenuhnya pada ukiran warna. Jumlah papan dalam ukiran warnanya mencapai delapan. Ukiran Prancis berwarna pada periode ini sebagian besar luar biasa dan berharga.

Tetapi semua teknik yang paling sulit dari abad ke-18 - mezzotint, etsa dan ukiran yang rumit - pada awal abad ke-19 mengalami pukulan telak: Johann Alois Senefelder dari Jerman menemukan sekitar tahun 1798 di Munich metode pencetakan yang sama sekali baru - litografi. Ini adalah metode yang berkaitan dengan pencetakan datar, berdasarkan penolakan lemak dari air. Cetakan diperoleh dengan mentransfer tinta di bawah tekanan dari pelat cetak - batu litograf (batu kapur) - ke kertas. Gambar diterapkan pada batu dengan tinta berminyak atau pensil litografi. Apalagi peredaran dengan metode pencetakan ini bisa berkali-kali lipat melebihi semua metode pencetakan cetakan yang ada saat itu dari segi jumlah cetakan.

Pada tahun 1806, Senefelder membuka bengkel litografi pertama di Munich, dan menerbitkan manual tentang litografi pada tahun 1818, dan pada kuartal pertama abad ke-19, bengkel serupa diluncurkan di hampir semua ibu kota besar Eropa. Ini, tentu saja, difasilitasi oleh revolusi industri, yang menyebabkan metode yang begitu mudah, relatif murah, dan sekaligus dapat ditiru menjadi begitu populer.

Di antara ahli litograf pertama, selain Senefelder sendiri, omong-omong, bukan seorang seniman sama sekali, tetapi seorang aktor dan penulis drama musikal, orang dapat mencatat nama-nama seniman terkenal Jerman Franz Kruger dan Adolf von Menzel. Juga, Francisco Goya, Theodore Gericault dan Eugene Delacroix beralih ke litografi.

Litografi pada pertengahan abad ke-19 menjadi alat politik yang tajam. Dalam konteks inilah master litografi terbesar, karikaturis Prancis Honore Daumier, dipresentasikan, yang seninya memiliki resonansi yang begitu tinggi sehingga bahkan di Rusia pada paruh kedua abad ini beberapa litografer-karikatur utama bekerja: Alexander Lebedev, Pyotr Boklevsky, Nikolai Stepanov.

Adapun litografer Rusia pada paruh pertama abad ke-19, kemudian, serta di luar negeri, seni baru ini terutama dihadiri oleh seniman besar Rusia - Alexei Orlovsky, Orest Kiprensky, Alexei Venetsianov. Litografer Rusia terbesar saat itu adalah Karl Petrovich Beggrov.

Berkat aktivitas penerbitannya yang berskala besar, Vasily Timm menjadi terkenal, meninggalkan ratusan lembar dengan kualitas yang berbeda-beda, tetapi isinya sangat penasaran, sering kali berubah menjadi karikatur. Litografi di Rusia juga merupakan metode pencetakan warna pertama. Dalam teknik ini, master yang sangat baik Ignatius Shchedrovsky diterbitkan pada tahun 1845 "Adegan dari Kehidupan Rakyat Rusia".

Sehubungan dengan litografi, banyak jenis pencetakan datar muncul, terutama untuk gambar berwarna yang paling diminati pada sepertiga terakhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Teknik-teknik ini secara bertahap menjauh dari karya asli langsung seniman, yang sekarang disebut autolitografi, dan bergerak ke dalam kategori grafik sirkulasi besar. Meskipun sekarang, pada awal abad ke-21, banyak karya cetak yang beredar besar tampaknya menjadi contoh seni grafis yang luar biasa.

Kami akan mencoba membuat daftar beberapa di antaranya. Teknik yang paling banyak diminati adalah chromolithography. Dalam hal ini, untuk setiap warna gambar, pelat cetak terpisah dibuat - batu (kemudian - pelat seng), namun, dengan penemuan fotografi, metode padat karya ini dengan cepat digantikan oleh metode fotomekanis untuk mentransfer gambar ke pelat cetak. Beginilah fotolitografi muncul, yang pada cetakan akhir praktis tidak berbeda dengan kromolitografi.

Pada akhirnya, kami ingin mengatakan lebih banyak tentang metode fotomekanis untuk membuat pelat cetak. Beberapa teknik ini hampir tidak bisa dibedakan dari teknik seni grafis asli. Mereka berkembang setelah Louis Daguerre mengumumkan pada tahun 1839 di Royal Society bahwa dia telah menemukan metode untuk memperoleh gambar pada lapisan fotosensitif, yang dia sebut daguerreotype, dan sekarang disebut fotografi.

Zincography adalah yang paling luas di paruh pertama abad ke-20. Dalam hal ini, gambar diterapkan ke bentuk bukan oleh seniman, tetapi dengan transfer fotografis ke pelat seng, yang kemudian diukir di area gambar di mana primer papan seng harus dipilih. Zincography pertama kali ditemukan di Perancis pada tahun 1850 dan diberi nama zhillotyping setelah penemunya.

Dengan bantuan zincography, baik gambar garis dan gambar multi-warna (terutama salinan dari potongan kayu) ditransmisikan selama pencetakan, tetapi metode ini tidak dapat mengirimkan gambar nada. Patut dikatakan bahwa beberapa seniman, dalam evolusi eksperimen mereka pada metode pencetakan, mencoba sendiri dalam zincography asli.

Fakta bahwa teknik yang sangat nyaman untuk mencetak gambar tidak memungkinkan untuk mentransfer gambar nada memaksa banyak printer dan insinyur berbakat untuk bekerja keras, yang mengarah pada penemuan layar pada tahun 1880-an, dan dengan itu teknik pencetakan letterpress baru - autotype. Kamus Brockhaus dan Efron menyebut pengetikan otomatis "salah satu cara untuk mengubah naskah, gambar, atau foto menjadi klise untuk dicetak." Itu ditemukan secara bersamaan di Rusia dan Jerman. Dalam hal ini, gambar nada diterapkan pada pelat seng melalui kisi raster, yang memecah nada menjadi titik-titik kecil yang didistribusikan secara merata; dengan demikian, ukuran titik akan bergantung pada nada di lokasi spesifik tersebut dalam aslinya. Artinya, di tempat-tempat terang, titik-titik itu hampir tidak akan terlihat, tetapi di tempat-tempat gelap, sebaliknya, mereka besar dan hampir menyatu.

Seperti halnya dengan metode pencetakan lainnya, autotype akhirnya menjadi warna. Muncul dalam tiga warna (dengan tiga klise) dan empat warna (masing-masing dengan empat), dan mesin modern terkadang membuat lima lapisan warna-warni. Untuk transfer gambar monokromatik yang lebih baik, autotype dupleks kadang-kadang digunakan, di mana satu klise adalah yang utama, dan yang kedua adalah yang tambahan, dengan nada lembut - biru atau coklat kekuningan.

Metode lain dari transmisi fotomekanis dari aslinya adalah fototipe. Diciptakan pada tahun 1855 oleh ahli kimia Prancis Alphonse Poitevin, ternyata, meskipun tidak banyak digunakan, tidak seperti zincography, chromolithography, dan autotype, namun, ini memungkinkan untuk menyampaikan karya asli artistik yang kompleks dengan akurasi tinggi. Fitur fototipe inilah yang menyebabkan sejarawan ukiran Dmitry Alexandrovich Rovinsky menerbitkan atlas dengan semua lukisan Rembrandt dan Van Ostade dalam teknik fototipe.

Dan akhirnya, kami ingin berbicara tentang heliogravure. Metode pencetakan ini sangat mirip dengan etsa, tetapi sebelum etsa, gambar diterapkan ke papan dengan metode fotomekanis. Ini cukup tidak produktif, tetapi salinan yang dibuat dengannya dari ukiran dan etsa klasik dapat dengan mudah dikacaukan dengan aslinya pada pandangan pertama.

Tentu saja, kami tidak dapat menjelaskan seluruh evolusi grafis cetak dalam beberapa halaman. Tetapi dari percobaan pertama yang pemalu, ukiran klasik yang menakjubkan, etsa Belanda, yang sangat baik, menggabungkan semua keterampilan pencetak dan seniman ukiran warna abad ke-18, fototipe dan autotipe multi-warna abad ke-20, semuanya mewakili yang luar biasa. contoh seni abad pertengahan dan zaman modern.