Hasta principios del siglo XVIII, en la pintura rusa se desarrollaron principalmente tradiciones de pintura de iconos.

Según las memorias de los contemporáneos, en Rusia en ese momento, cualquier imagen se tomaba como ícono: a menudo, cuando llegaban a la casa de un extraño, los rusos, como de costumbre, se inclinaban ante la primera imagen que les llamaba la atención. Sin embargo, en el siglo XVIII. la pintura gradualmente comenzó a adquirir características europeas: los artistas dominaron una perspectiva lineal que les permitió transmitir la profundidad del espacio, buscaron representar correctamente el volumen de los objetos usando claroscuro, estudiaron anatomía para reproducir con precisión el cuerpo humano. Se difundió la técnica de la pintura al óleo, surgieron nuevos géneros.

Un lugar especial en la pintura rusa del siglo XVIII. tomó el retrato. Las primeras obras de este género se acercan a la parsuna del siglo XVII. Los personajes son solemnes y estáticos.

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - alrededor de 1742) fue uno de los primeros retratistas rusos. Ya en sus primeros retratos, la hermana mayor de Peter I Natalya Alekseevna (1715-1716) y su hija Anna Petrovna (hasta 1716), el volumen y la pose natural del modelo se transmiten con una habilidad poco común para ese momento. Sin embargo, cierta simplificación es obvia en estas obras: las figuras son arrancadas de la oscuridad de un espacio indefinido por un haz de luz brillante y existen sin contacto con el entorno; el artista todavía representa torpemente la estructura de la figura y la textura de los materiales: terciopelo, pieles, joyas.

Al regresar a San Petersburgo después de un viaje de cuatro años a Italia, Nikitin creó sus mejores obras, que mostraban la creciente habilidad del artista. Este es un retrato del canciller G. I. Golovkin y un retrato conocido como el "Hetman al aire libre" (ambos - años 20).

Durante la era petrina, muchos maestros extranjeros se establecieron en Rusia, trabajando en diferentes estilos y géneros. Johann Gottfried Tannauer (1680-1737), procedente de Alemania, pintó retratos de miembros de la familia imperial y

estrechos colaboradores de Pedro I, así como pinturas de batalla. Su famosa pintura "Pedro I en la batalla de Poltava" (10s) es un tipo de retrato de un comandante en el contexto de una batalla, común en Europa.

Louis Caravaque (1684-1754), maestro francés invitado a Rusia, pronto alcanzó gran fama y posición como pintor de la corte. Trabajó en Rusia durante muchos años y pintó retratos de todos los monarcas rusos, desde Pedro hasta Isabel. Su pincel pertenece al célebre retrato ceremonial de Anna Ioannovna con traje de coronación (1730), que sirvió de modelo para otras obras de este género. El retrato transmite no solo la apariencia de la Emperatriz, una mujer de físico poderoso, representada en una pose solemne y majestuosa, sino también su naturaleza, supersticiosa y desconfiada. Del taller de Caravaca salieron muchos pintores rusos de mediados del siglo XVIII.

A finales de los años 20 - 30. siglo 18 se refiere a la breve pero brillante obra del pintor Andrei Matveevich Matveev (1701 - 1739). Después de pasar más de diez años en Holanda y Flandes, se convirtió en el primer maestro ruso que supo "pintar historias y personas", es decir, no solo retratos, sino también pinturas sobre temas mitológicos e históricos.

Sin embargo, Matveev es más conocido como retratista. Se considera que su obra más famosa es "Retrato de esposos" (hacia 1729). Las disputas de los historiadores del arte sobre quién está representado en él no han disminuido hasta ahora. Lo más probable es que este sea un autorretrato del artista con su esposa, es decir, el primer autorretrato en la historia de la pintura rusa.

Desde 1727 hasta su muerte, Matveev dirigió el "equipo pintoresco" de la Cancillería de los edificios. Antes de la apertura de la Academia de las Artes, casi todos los artistas estudiaron y sirvieron en ella.

Hacia los 40-50. siglo 18 se refiere al trabajo de Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761). El retrato más exquisito de Vishnyakov representa a Sarah Eleonora Fermor, hija del jefe de la Cancillería de los edificios (1749). Una joven con un lujoso vestido de raso gris plateado bordado con flores se prepara para hacer una reverencia. Ella sostiene con gracia un abanico en su mano. Las manos en los lienzos de Vishnyakov casi siempre están pintadas con una gracia especial: los dedos solo tocan ligeramente los objetos, como si se deslizaran sobre su superficie. El “Retrato de Sarah Fermor” llama la atención tanto por la fina pintura de encaje como por el fondo decorativo del paisaje, cuyos motivos hacen eco de los bordados del vestido.

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795) nunca logró superar cierta planitud iconográfica de la imagen: en sus retratos, el espectador no siente el espacio que rodea al modelo. Entonces, en el "Retrato de una dama de estado A. M. Izmailova" (1759), una mujer mayor y grosera, se contrastan los colores brillantes del primer plano y un fondo "sordo" absolutamente oscuro. En el retrato de Pedro III (17b2), representado por el artista en la forma de un comandante con un bastón de mariscal en la mano, el contraste entre la graciosa figura del monarca como un títere y el escenario pomposo con los atributos del poder imperial - un manto, un orbe y una corona- impacta contra el telón de fondo de la batalla.

En la segunda mitad del siglo XVIII, aparecieron nuevos géneros en la pintura de los maestros rusos: paisaje, doméstico e histórico, que la Academia de las Artes consideró el principal. Sin embargo, las obras más significativas todavía se crearon en el género del retrato.

"PETROVSKAYA BARROCO"

El tiempo de Peter, las reformas de Peter, fueron un punto de inflexión para toda la vida rusa, marcaron la transición de la Edad Media a la Nueva Era. Al mismo tiempo, la orientación hacia Europa Occidental se hizo decisiva e incluso obligatoria. Bajo la influencia de Occidente, así como a instancias de la época, el arte adquirió gradualmente un carácter secular, liberándose de las ataduras de la religión.

Los cimientos del nuevo arte se sentaron en Moscú. La iglesia en Dubrovitsy, la Iglesia del Arcángel Gabriel (Torre Menshikov), la Torre Sukharev, el Palacio Lefortovo fueron una especie de precursores de lo nuevo, Estilo Petersburgo. Este estilo artístico único, desarrollado en condiciones históricas, geográficas y climáticas específicas, fue un reflejo de los gustos personales de Peter.

La ciudad fundada en el delta del río Neva por el propio emperador y nombrada por él como Petersburgo en honor a su patrón celestial, el santo apóstol Pedro, iba a realizar el sueño de una nueva ciudad ideal. Peter la concibió como una variante de su amada Holanda, como una ciudad-fortaleza portuaria. Pero, según el artista e historiador del arte ruso A.N. Ben, solo la intención era hacer algo holandés con St. Petersburg, pero surgió por sí solo, especial... El estilo de St. Petersburg es una sensación especial de espacio y tiempo histórico. La apariencia de San Petersburgo es, en primer lugar, una combinación del cielo bajo del norte, la extensión gris plomizo del Neva y las verticales de las torres doradas que se elevan hacia arriba. El Neva, "su corriente soberana", es la "avenida" principal de la ciudad, su "plaza" principal. Este "pato de amplitud", el predominio de una línea horizontal sobre una vertical, estuvo determinado por la originalidad del paisaje: los espacios acuáticos del Canal Bolshaya Neva, Malaya Neva, Bolshaya Nevka, Malaya Nevka, Fontanka, Moika, Ekaterininsky. , Canal de Kriukov, etc. La combinación de agua y tierra da perfectas líneas horizontales. Sobre los contornos del agua y los terraplenes se eleva una franja de casas adosadas entre sí de casi el mismo nivel debido a la exigencia imperante de construir no más alta que la de Winter.

Esta línea irregular, como si temblara, de casas contra el cielo crea una impresión de desarrollo urbano efímero y fantasmal, que se ve realzado por el juego de luces y la gama colorida de edificios de color blanco limón, mármol y granito. La construcción continua de las calles es típica de San Petersburgo, mientras que las calles, debido a la ausencia de altibajos, se convierten, por así decirlo, en el interior de la ciudad. Jardines y plazas se construyeron en las densas líneas de casas, lo que es otra expresión de la horizontalidad de la ciudad.

Elementos característicos del paisaje urbano: las torres de la Fortaleza de Pedro y Pablo, el Almirantazgo y el Castillo de Mikhailovsky son perpendiculares a las líneas horizontales y, por lo tanto, las enfatizan. Las agujas se hacen eco de los altos campanarios de las catedrales.

La singularidad del estilo de San Petersburgo también estuvo determinada por el hecho de que la ciudad se levantó por voluntad de una persona, de inmediato y desde cero. Moscú, pintorescamente esparcida "sobre siete colinas", creció espontáneamente alrededor de su centro histórico en

durante muchos siglos. San Petersburgo se erigió en apenas un cuarto de siglo y casi de inmediato en piedra.

La construcción de la nueva capital estuvo relacionada con los acontecimientos de la Guerra del Norte (1700-1721), que libraron Rusia y Suecia por la liberación de las tierras primordialmente rusas a orillas del Neva y el Golfo de Finlandia con el fin de establecer mismo en el Mar Báltico.

En mayo de 1703, se llevó a cabo una colocación ceremonial de la fortaleza en la isla Hare. En el mismo año, en el centro de la fortaleza de tierra se colocó una iglesia de madera en nombre de los apóstoles Pedro y Pablo, coronada con una aguja. Los primeros siete años de existencia de la ciudad constituyeron el "período de madera" de su historia, del cual solo ha sobrevivido la casa de Pedro el Grande en la isla Berezovsky.

Primera mitad del siglo XVIII: la era de las reformas de Petrovski. En este momento, todo tipo de bellas artes alcanzan su apogeo. Las reformas de Peter tenían como objetivo la europeización de todas las áreas de la vida rusa. Entendiendo las necesidades urgentes del país, superó el atraso con medidas decisivas. Fomentó el uso de la experiencia europea en todas las áreas. Creía que la sociedad rusa necesitaba dominar el lenguaje de la poesía y el arte aceptado en Europa con alegorías e imágenes mitológicas de uso común allí. Aquellos. de hecho, Peter creó una nueva estética. Peter envía un gran número de profesionales de Europa, pero además de visitantes, Peter está trabajando para crear su propio personal nacional en todas las áreas. Utiliza la práctica de enviar al extranjero a los jóvenes más talentosos, introduce el concepto Jubilación(una persona que se fue al extranjero a estudiar a expensas del público). En la era de Pedro es significativo el servicio a la patria, el uso del talento, y la generosidad pasa al 2º plano. En la sociedad, el interés por el hombre está creciendo. Partiendo de esto, el retrato se convierte en el género principal.

Los retratos rusos de principios del siglo XVIII (pintura) trazan las tradiciones de la experiencia artística de la antigua Rusia (parsuna, icono), el arte popular (DPI) y las tradiciones culturales europeas utilizadas. En contraste con la era medieval, cuando todos los artistas trabajaban por orden de la iglesia, el arte y la literatura seculares se desarrollaron intensamente en el siglo XVIII (las ediciones de libros están ampliamente ilustradas). Antes de su muerte, Peter 1 emitió un decreto sobre el establecimiento de la "Academia de Artes y Ciencias". Cuadro El género principal es un retrato. En esta época surge el género de las pinturas de caballete de contenido histórico y cotidiano. En los primeros retratos hay una fuerte influencia de la antigua parsuna. Retrato de Yakov Turgenev, 90 años del siglo XVII. Miembro de la reunión de entretenimiento de Petrovsky time "Toda la colección más borracha y errática". Parsnnost radica en la postura estática, la interpretación plana de la figura, los pliegues de la ropa están escritos muy cerca de los espacios (como la ropa en el ícono). Por otro lado, una burla cáustica, una mueca, una vitalidad del rostro. Una burla de los rituales de la iglesia pasada, el ascetismo. La imagen del "bufón europeo". Ivan Nikitich Nikitin (alrededor de 1685 - no antes de 1742) Después de estudiar en Italia, regresa a Rusia como primer artista. "Retrato en círculo o Retrato de Pedro el Grande" Personalidad del maestro. A diferencia de los maestros de Europa occidental, que dieron el retrato ceremonial del emperador, Nikitin no enfatiza la realeza, sino la persona. El fondo es oscuro, del que la luz es un rayo que arrebata el rostro de Peter. Transiciones de luces y sombras muy contrastadas. Se enfatiza la fatiga, la consideración, la mente. Una mirada a lo lejos. La profundidad del contenido interior, la sinceridad, la transmisión veraz del estado interior. "Pedro 1 en su lecho de muerte" El retrato no está terminado. Dibujado dentro de unas pocas horas después de la muerte. Retrato expresivo. Transmitió su propia actitud hacia Peter, los pliegues de la almohada, el rostro tranquilo y noble. Un intento de arrancar caracteristicas queridas de la eternidad. "Retrato de Praskovia Ioannovna" Hay mucha pintura rusa antigua. No hay corrección anatómica. El modelado en blanco y negro lo realiza de oscuro a claro, pero él lo hace de oscuro a claro. Postura estática. Falta de reflejos de color, es decir. la luz es uniforme, difusa. Los pliegues de la ropa están escritos con estilo, cerca de los huecos de los iconos. A cierto carácter, la autoestima se le lee en la cara. Ojos muy expresivos son el centro de la composición. Ni la más mínima coquetería, absoluto silencio de belleza, nada de ostentación. "Retrato del Canciller Conde Golovkin" Conde, representante de la alta sociedad. Ropa, peluca, sin exposición. El canciller es un político, un diplomático, por lo que hay un cierto desapego de nosotros. Postura recta, mirada inteligente. Aparece la forma en que quiere ser para los demás. "Retrato del Hetman al aire libre"

Un viejo guerrero, curtido en la batalla. Hombre valiente, todo abierto, sin peluca. Natural, en su apertura, dispuesto a encontrarse cara a cara con el enemigo. Usando el claroscuro, llama la atención sobre el ojo. La mirada es severa, pero hay fuerza y ​​nobleza. Andrei Matveevich Matveev (1701/1704 - 1739) Conocido como el autor de una serie de retratos, pinturas, pinturas decorativas, que realizó para la Catedral de Pedro y Pablo, el Palacio de Invierno, etc. En los últimos años de su vida lideró el “equipo pintoresco de la Cancillería de Edificaciones”. Esta organización se dedicaba a la pintura interior de varias estructuras arquitectónicas. Después de su muerte, Vishnyakov se convertirá en el líder del equipo ("Retrato de Sarah Fermor") Realiza retratos de emperadores. "Retrato de Pedro 1" Retrato en un óvalo. Estado de actividad. Vital. "Retrato de Golitsina" Por orden de los Golitsyns, se encargó un retrato de pareja. Dama de Estado - cerca de la Emperatriz. También estaba el "Príncipe-Abadesa de la Catedral All-Shuteysky". Fue flagelada públicamente en relación con el caso del zarevich Alexei. Una imagen expresiva, diciéndole al rostro una mezcla de odio, arrogancia, resentimiento, desconcierto. Espalda recta, cabeza en alto. Una característica inusual del modelo. El autor simpatiza, pero no condena. "Autorretrato con esposa" Por primera vez se muestra una expresión de sentimientos, una expresión de amor. Con una mano sostiene su mano, con la otra abraza sus hombros. Relación muy gentil y sensible. Unidad máxima. Nace el motivo "compañero de vida". Admira, se queda un poco atrás, porque la figura de su mujer está más iluminada. Mostrando letras de sentimientos. Alexey Petrovich Antropov (1716-1795) Hijo de un soldado. Desde los 16 años, comenzó a estudiar con Matveev y luego con Vishnyakov. Junto con Vishnyakov, crea una serie de pinturas decorativas en diferentes ciudades de Rusia. En 1752, Antropov fue invitado a Kiev para pintar el interior de la Iglesia de San Andrés. A su regreso de Kiev, ocupa el cargo de artista principal del Sínodo. Dirige las actividades de todos los pintores de iconos y él mismo pinta retratos de sacerdotes. En sus retratos consigue captar y transmitir lo más esencial, y por ello sus retratos tienen una vitalidad asombrosa. Lo característico de los retratos es una imagen de medio cuerpo, una figura y un rostro lo más cerca posible del espectador. La solución colorística se basa en los contrastes de manchas de color locales. Contraste de modelado de volúmenes en blanco y negro. Los rostros de personas mayores tuvieron un éxito especial. Señaló que son signos de una vida vivida. Imágenes creadas de gran autenticidad. "Retrato de Izmailova" Accesorios de la diferencia, hablando de estatus social. "Retrato de Buturlina" Huellas de vida. Mirada apagada, tristeza, recuerdos de lo que fue, de lo que se pierde. Es imposible hablar de un retrato psicológico sutil, pero al mismo tiempo es imposible decir que el autor del retrato se esfuerza por una transferencia excepcional de las características del retrato. Pude capturar lo esencial en el carácter. "Retrato de Rumyantseva" Mucha luz y calor. Alegría. El inicio esencial atrapó a otro. Iluminación. "Retrato de Pedro 3" Esplendor, pompa, solo enfatiza el fracaso de Pedro. Iván Petrovich Argunov (1729-1802) Un representante de una dinastía de artistas que han sido siervos de Sheremetyevo desde tiempos inmemoriales. Conocido principalmente como retratista. Tuve que pintar retratos de la nobleza de San Petersburgo. Hice bocetos y luego escribí de memoria. La más fructífera fue la década 1750-1760. En ese momento, Argunov estaba estudiando con el artista Groot. En este momento, domina el estilo de un retrato formal. "Retratos de Khripunov con su esposa" Al igual que Antropov, hace un primer plano de las modelos. Una cara sencilla, pero una mirada inteligente. "Retrato de Labanov-Rostovsky" Postura orgullosa. amándote a ti mismo Contraste de azul y rojo. Es posible transmitir la materialidad de las cosas. Escribe un adorno de piel y un puño de aire de una camisa. "Retrato de una campesina desconocida con traje ruso" Hermosa piel bien cuidada, como el mármol. Pureza, sabiduría, el colmo de la belleza natural, natural. Belleza viva. Color cálido. Una mujer rusa simple se representa en el género de un retrato hecho a medida, porque. la retrató como una dama de estado. Mostró la grandeza y la belleza de una mujer sencilla. Escultura.Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675 - 1744)

Hay muchas obras en el género del retrato y en las artes plásticas monumentales decorativas. Busto de Pedro 1 Escultura barroca típica. Apelación a la decoración. Baroque es una composición dinámica con una espacialidad enfatizada y un énfasis en muchas texturas. Posee los contrastes de luz y sombra de las masas plásticas, su pintura. Es más bien un retrato de toda una época, más que de un individuo específico. Esta generalización le da al busto las características de la monumentalidad. El dinamismo e impetuosidad del Barroco es visible en los pliegues. La cabeza orgullosamente levantada de Peter es la imagen de Rusia, lista para competir con Europa. Interés en los detalles. Estatua ecuestre de Pedro 1 Se encuentra en el Castillo Mikhailovsky. Durante la vida de Rastrelli, solo se echó el modelo, y después de su muerte fue fundido por su hijo. El espíritu de las estatuas ecuestres de la antigüedad y la Edad Media. Se transmite la aspiración interior. En su cabeza hay una corona de laurel: es el ganador de todas sus empresas y reformas. Claridad, armonía de composición. Movimiento complejo, pomposidad - barroco. La imagen gigantesca personifica a la Rusia victoriosa. Anna Ioannovna con Arapchonok Rastrelli muestra la moda de esa época (en ese momento era posible tener un negro en el servicio). Contraste: por un lado, el motivo del esplendor es inherente a la figura de Anna Ioannovna. El núcleo interior, abeto orgulloso, arrogante. Ella está en traje formal. Rastrelli lo elabora según la última moda de la época. El atuendo muestra su pertenencia a Europa. Apariencia rígida en los rasgos faciales, despotismo. Despotismo asiático, pero vestido a la europea. Por otro lado, el género inherente a la mujer negra es un matiz doméstico. El contraste de la misa es la pequeña figura de una mujer negra y la gran figura de Anna Ioannovna.

El siglo XVIII en Europa occidental es la última etapa de una larga transición del feudalismo al capitalismo. A mediados de siglo se completaba el proceso de acumulación primitiva de capital, se libraba una lucha en todas las esferas de la conciencia social y maduraba una situación revolucionaria. Más tarde, condujo al dominio de las formas clásicas del capitalismo desarrollado. A lo largo de un siglo se llevó a cabo un desmoronamiento gigantesco de todos los fundamentos, conceptos y criterios sociales y estatales para evaluar la vieja sociedad. Surgió una sociedad civilizada, apareció una prensa periódica, se formaron partidos políticos, se desarrollaba una lucha por la emancipación del hombre de las cadenas de una cosmovisión feudal-religiosa.

En las artes visuales, aumentó la importancia de una representación realista de la vida. La esfera del arte se expandió, se convirtió en un portavoz activo de las ideas de liberación, lleno de actualidad, espíritu de lucha, denunció los vicios y absurdos no solo de la sociedad feudal, sino también de la emergente sociedad burguesa. También presentó un nuevo ideal positivo de una personalidad sin restricciones de una persona, libre de ideas jerárquicas, que desarrolla habilidades individuales y al mismo tiempo dotada de un noble sentido de ciudadanía. El arte se hizo nacional, apeló no solo al círculo de refinados conocedores, sino a un amplio ambiente democrático.

Las principales tendencias en el desarrollo social e ideológico de Europa Occidental en el siglo XVIII se manifestaron de manera desigual en diferentes países. Si en Inglaterra la revolución industrial que tuvo lugar a mediados del siglo XVIII consolidó el compromiso entre la burguesía y la nobleza, en Francia el movimiento antifeudal tuvo un carácter más masivo y estaba preparando una revolución burguesa. Común a todos los países fue la crisis del feudalismo, su ideología, la formación de un amplio movimiento social: la Ilustración, con su culto a la Naturaleza primaria intacta y la Razón que la protege, con su crítica a la civilización moderna corrupta y el sueño de la armonía de naturaleza benévola y una nueva civilización democrática, gravitando hacia la condición natural.

El siglo XVIII es la edad de la Razón, el escepticismo y la ironía que todo lo destruyen, la edad de los filósofos, sociólogos, economistas; se desarrollaron las ciencias naturales exactas, la geografía, la arqueología, la historia y la filosofía materialista, conectadas con la tecnología. Invadiendo la vida mental de la época, el conocimiento científico creó la base para la observación y el análisis precisos de la realidad para el arte. Los ilustradores proclamaron el fin del arte de imitar a la naturaleza, pero ordenando, mejorando la naturaleza (Didero, A. Pope), despejada por la mente de los efectos nocivos de una civilización hecha por el hombre creada por un régimen absolutista, la desigualdad social, la ociosidad y el lujo. El racionalismo del pensamiento filosófico y estético del siglo XVIII, sin embargo, no suprimió la frescura y la sinceridad del sentimiento, sino que dio lugar a una lucha por la proporcionalidad, la gracia y la plenitud armoniosa de los fenómenos artísticos del arte, desde conjuntos arquitectónicos hasta arte aplicado Los ilustradores dieron gran importancia en la vida y el arte al sentimiento: el foco de las aspiraciones más nobles de la humanidad, un sentimiento que anhela la acción con un propósito, que contiene una fuerza que revoluciona la vida, un sentimiento capaz de revivir las virtudes primordiales de un "hombre natural" ( Defoe, Rousseau, Mercier), siguiendo las leyes naturales.

El aforismo de Rousseau "Un hombre es grande sólo en sus sentimientos" expresó uno de los aspectos notables de la vida social del siglo XVIII, que dio lugar a un análisis psicológico profundo y refinado en un retrato y género realista, el paisaje lírico es imbuida de poesía de sentimientos (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert) "novela lírica", "poemas en prosa" (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), alcanza su máxima expresión en el auge de la música (Handel , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, compositores italianos de ópera). Por un lado, las "personas pequeñas" se convirtieron en los héroes de las obras artísticas de pintura, gráficos, literatura y teatro del siglo XVIII: personas, como todos los demás, colocadas en las condiciones habituales de la época, no arruinadas por la prosperidad y los privilegios. sujeto a los movimientos naturales ordinarios del alma, contento con una felicidad modesta. Artistas y escritores admiraban su sinceridad, ingenua inmediatez del alma, cercana a la naturaleza. Por otro lado, el foco está en el ideal de un hombre intelectual civilizado emancipado, generado por la cultura de la ilustración, el análisis de su psicología individual, estados mentales y sentimientos conflictivos con sus sutiles matices, impulsos inesperados y estados de ánimo reflexivos.

La observación aguda, la cultura refinada del pensamiento y el sentimiento son características de todos los géneros artísticos del siglo XVIII. Los artistas se esforzaron por capturar situaciones de la vida cotidiana de varios matices, imágenes individuales originales, gravitadas hacia narraciones entretenidas y espectáculos encantadores, acciones agudas de conflicto, intrigas dramáticas y tramas cómicas, grotescas sofisticadas, bufonerías, pastorales gráciles, festividades galantes.

También se plantearon nuevos problemas en arquitectura. Ha disminuido la importancia de la edificación eclesiástica y ha aumentado el protagonismo de la arquitectura civil, exquisitamente sencilla, actualizada, liberada de la excesiva ampulosidad. En algunos países (Francia, Rusia, en parte Alemania) se resolvieron los problemas de planificación de las ciudades del futuro. Nacieron las utopías arquitectónicas (paisajes arquitectónicos gráficos - Giovanni Battista Piranesi y la llamada "arquitectura de papel"). El tipo de edificio residencial privado, generalmente íntimo, y los conjuntos urbanos de edificios públicos se volvieron característicos. Al mismo tiempo, en el arte del siglo XVIII, en comparación con épocas anteriores, disminuyó la percepción sintética y la integridad de la cobertura de la vida. Se rompió la antigua conexión de la pintura y la escultura monumental con la arquitectura, se intensificaron en ellos los rasgos de la pintura de caballete y la decoratividad. El tema de un culto especial fue el arte de la vida cotidiana, las formas decorativas. Al mismo tiempo, aumentó la interacción y el enriquecimiento mutuo de varios tipos de arte, los logros adquiridos por un tipo de arte fueron utilizados más libremente por otros. Así, la influencia del teatro sobre la pintura y la música fue muy fructífera.

El arte del siglo XVIII pasó por dos etapas. El primero duró hasta 1740-1760. Se caracteriza por la modificación de las formas del barroco tardío al estilo rococó decorativo. La originalidad del arte de la primera mitad del siglo XVIII, en una combinación de ingenioso y burlón escepticismo y sofisticación. Este arte, por un lado, es refinado, analiza los matices de los sentimientos y estados de ánimo, se esfuerza por lograr una intimidad elegante, un lirismo moderado, por otro lado, gravita hacia la "filosofía del placer", hacia imágenes fabulosas de Oriente: árabes, chinos, persas. Simultáneamente con el rococó, se desarrolló una tendencia realista: para algunos maestros adquirió un carácter marcadamente acusatorio (Hogarth, Swift). La lucha de corrientes artísticas dentro de las escuelas nacionales se manifestó abiertamente. La segunda etapa está asociada con la profundización de las contradicciones ideológicas, el crecimiento de la autoconciencia, la actividad política de la burguesía y las masas. A finales de los años 1760-1770. La Real Academia de Francia se opuso al arte rococó y trató de revivir el estilo ceremonial e idealizador del arte académico de finales del siglo XVII. Los géneros galante y mitológico dieron paso al género histórico con tramas tomadas de la historia romana. Pretendían subrayar la grandeza de la monarquía, que había perdido su autoridad, de acuerdo con la interpretación reaccionaria de las ideas del "absolutismo ilustrado".

Representantes del pensamiento avanzado recurrieron a la herencia de la antigüedad. En Francia, el conde de Caylus abrió la era científica de la investigación en esta área ("Colección de Antigüedades", 7 volúmenes, 1752-1767). A mediados del siglo XVIII, el arqueólogo e historiador del arte alemán Winckelmann (Historia del Arte de la Antigüedad, 1764) instó a los artistas a volver a "la noble sencillez y la sosegada grandeza del arte antiguo, portando en sí mismo un reflejo de la libertad de los griegos y romanos de la era de la república". El filósofo francés Diderot encontró complots en la historia antigua que denunciaban a los tiranos y convocaban a un levantamiento contra ellos. Surgió el clasicismo, que contrastaba la decoración del rococó con la simplicidad natural, la arbitrariedad subjetiva de las pasiones: conocimiento de las leyes del mundo real, sentido de la proporción, nobleza de pensamiento y acción. Los artistas primero estudiaron el arte griego antiguo en monumentos recién descubiertos. La proclamación de una sociedad ideal y armoniosa, la primacía del deber sobre el sentimiento, el patetismo de la razón son rasgos comunes del clasicismo de los siglos XVII y XVIII. Sin embargo, el clasicismo del siglo XVII, que surgió sobre la base de la unificación nacional, se desarrolló en las condiciones del florecimiento de una sociedad noble. El clasicismo del siglo XVIII se caracteriza por una orientación revolucionaria antifeudal. Se pretendía unir las fuerzas progresistas de la nación para luchar contra el absolutismo. Fuera de Francia, el clasicismo no tuvo el carácter revolucionario que tuvo en los primeros años de la Revolución Francesa.

A finales del siglo XVII - principios del siglo XVIII. en la cultura rusa hay una transición de excepcional importancia para los caminos posteriores de su evolución histórica desde las formas religiosas medievales de vida espiritual hasta la cultura y la ciencia seculares. El salto decisivo en la vida cultural del país no fue repentino y, además, no fue el resultado de la actividad, la voluntad y el deseo de una figura histórica tan verdaderamente sobresaliente como Pedro I.

El giro fue causado por las leyes internas del desarrollo de la sociedad rusa de nobles terratenientes, la unidad económica emergente del país. Para resolver con éxito los principales problemas internacionales planteados por la historia al estado ruso, era necesario elevar la estructura estatal y los asuntos militares al nivel moderno, fortalecer las fábricas emergentes en el país, impulsar el desarrollo de la ciencia y la cultura. , liberándolos de las cadenas de la tutela religiosa.

El significado histórico de las reformas de Pedro I consistió en el hecho de que, en interés del estado noble, aceleró la implementación del giro históricamente urgente con esa perseverancia y consistencia férreas, con esa crueldad despiadada que, dicho sea de paso, Siempre se manifestó cuando la causa del progreso histórico fue llevada a cabo por las clases explotadoras mediante el fortalecimiento del poder absoluto del monarca o de su todopoderoso ministro.

Las reformas de Pedro I, a raíz de las cuales finalmente tomó forma el estado feudal-absolutista ruso, fortalecieron la servidumbre, el gobierno de la nobleza y al mismo tiempo elevaron la importancia de los comerciantes, que aumentaron su capital gracias a los beneficios recibidos. , la promoción del comercio y la industria. Al mismo tiempo, en la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII. como resultado de los éxitos de la política exterior de Rusia, ha crecido su importancia internacional. Ocupó uno de los lugares significativos de la vida internacional; amplió y fortaleció no solo los lazos económicos, sino también culturales entre Rusia y muchos países extranjeros.

Toda la etapa anterior en la historia de la cultura rusa preparó una transición rápida y decisiva de la cultura artística rusa al arte secular, basada en la experiencia del desarrollo del realismo posrenacentista europeo. Arte ruso antiguo notable, que hizo una gran contribución a la cultura mundial, en el siglo XVII. agotó sus posibilidades. Las tareas estéticas establecidas por la nueva etapa del desarrollo histórico de Rusia, los intereses del mayor desarrollo de la cultura espiritual de la nación rusa no pudieron resolverse con éxito en las formas eclesiásticas convencionales del arte antiguo que se había vuelto obsoleto y vino. en conflicto con el curso de la vida.

Un llamamiento a un conocimiento detallado del mundo, la introducción de las ciencias exactas, los métodos racionales de investigación, la propaganda de la fuerza y ​​la organización de un estado secular, la superación de la inercia medieval: estas fueron las tareas puestas ante la cultura por el curso objetivo del desarrollo de sociedad rusa de esa época. Precedente al siglo XVII. en la historia del arte ruso, esta es una época de crecimiento lento e indeciso de las características de un nuevo tipo de realismo, una época de trituración y desintegración gradual de los viejos métodos y formas del arte medieval. Fue en el siglo XVII. se despierta un interés por la naturaleza, por los motivos de un paisaje real y una perspectiva realista. Durante estos años nació también el género del retrato, la llamada parsuna. Sin embargo, la "secularización" de la cultura y el arte tuvo lugar dentro del marco trazado por la forma de cultura religiosa dominante. Naturalmente, los resultados obtenidos fueron de una naturaleza de compromiso a medias.

Se gestaba la necesidad de un salto histórico decisivo. Se llevó a cabo a principios del siglo XVIII. Gracias a este salto, la cultura rusa, tras algunas interrupciones, se incorporó al curso general del progreso cultural y artístico europeo. El arte ruso ocupó un lugar digno del arte de un gran pueblo, una gran nación, y nuevamente después del apogeo de los siglos XI-XVI. hizo su importante y original contribución a la cultura artística de la humanidad. Al caracterizar el arte de Rusia en el siglo XVIII, se debe tener en cuenta el carácter multinacional del estado ruso, que ya estaba emergiendo en los siglos XVI y XVII. y se desarrolló aún más en el siglo XVIII. En Ucrania, en Bielorrusia, en el anexo en el primer cuarto del siglo XVIII. En los países bálticos, el arte se desarrolló en estrecha interacción con la cultura rusa y, al mismo tiempo, continuó la formación de escuelas de arte nacionales.

Arte ruso del siglo XVIII pasó por varias etapas de desarrollo. El primero de ellos está relacionado con las reformas de Pedro I. Durante estos años, tuvo lugar la formación y el fortalecimiento de un fuerte estado centralizado que ingresó a la arena internacional. El servicio patriótico a los intereses nacionales se consideraba el primer deber de una persona rusa. El Imperio Ruso era una monarquía absoluta que protegía los intereses de los terratenientes y en parte de los comerciantes, pero sus actividades eran, sin embargo, de naturaleza progresiva, llevando a cabo la causa del progreso histórico en la única forma posible en ese momento.

Arte del primer cuarto del siglo XVIII. reflejaba el patetismo creativo característico de esa época. Las nuevas ideas sobre el valor de la persona humana, la conquista de las armas rusas, la construcción grandiosa de estos años, han ampliado inusualmente los horizontes mentales de la persona rusa.

Después de un breve período de la llamada reacción boyarda a mediados del siglo XVIII. comienza un nuevo auge del arte ruso. De la segunda mitad del siglo XVIII. La cultura artística de Rusia ocupa uno de los lugares principales en el arte europeo. Su contribución al desarrollo de la arquitectura es especialmente significativa. El alcance de la planificación urbana y la perfección de las soluciones artísticas convierten a la arquitectura rusa en uno de los fenómenos significativos de la cultura mundial. El florecimiento de la arquitectura rusa, tanto en el período de sus conexiones con el barroco (hasta finales de la década de 1760), como especialmente en el período de formación del clasicismo, tiene razones históricas. El caso es que en el siglo XVIII el absolutismo noble ruso, a diferencia de los viejos regímenes de Europa Occidental que iban a decaer, lejos de agotar su viabilidad histórica.

Los levantamientos de la guerra campesina dirigida por Emelyan Pugachev, que mostró claramente que el problema de mantener o abolir la servidumbre se convirtió en el principal problema social de la época, el conflicto entre la autocracia feudal y la tendencia emergente amante de la libertad en el desarrollo del social ruso. pensamiento (Fonvizin, Novikov, Radishchev), aunque revelaron todas las limitaciones, las posiciones sociales y culturales del absolutismo aún no eran lo suficientemente fuertes como para aplastar la construcción de la monarquía noble. En Rusia no había fuerzas sociales capaces de barrer el sistema feudal y el Estado correspondiente y reemplazarlo con relaciones sociales más avanzadas; no había una clase burguesa bien organizada, económicamente fuerte y políticamente madura.

La ilustración rusa, que se originó en la década de 1760, en la mayoría de los casos fue solo un movimiento de oposición que no invadió la hegemonía de clase de la nobleza. Sus mejores representantes se rebelaron contra el despotismo soberano de Catalina II, contra el abuso de poder de los terratenientes sobre los campesinos, pero en su mayor parte no cuestionaron los fundamentos mismos de la monarquía nobiliaria, es decir, no se elevaron a la altura. idea de una transformación revolucionaria de la sociedad. Creían que el camino hacia la destrucción de todos los vicios del sistema de servidumbre era la iluminación, es decir, la educación de la nobleza rusa en los principios humanistas de la justicia, la expansión de sus horizontes mentales. Sólo unas pocas de las personas de este círculo en la solución de los acuciantes problemas sociales de nuestro tiempo se elevaron por encima de su clase; tal persona fue el mayor representante de la ilustración rusa del siglo XVIII. A. N. Radishchev, a quien se le ocurrió la idea de un derrocamiento revolucionario del orden social existente. Por lo tanto, el estado noble ruso, si bien manifestó, especialmente en el último tercio del siglo XVIII, su función explotadora y protectora, conservó la capacidad, aunque de manera inconsistente y contradictoria, de resolver una serie de tareas nacionales que enfrentaba el país, como gobernar el estado, luchando en la arena internacional por los intereses estatales de Rusia, un cierto desarrollo de las fuerzas productivas, el surgimiento de la cultura, etc.

Naturalmente, esto creó condiciones especialmente favorables para el éxito de la arquitectura, cuyo florecimiento sólo es posible con el poderoso apoyo del Estado o de grandes grupos civiles. Al mismo tiempo, la formación de una capa de mentes de pensamiento progresivo y democrático, su impacto en los principales artistas determinó la posibilidad de saturar las imágenes arquitectónicas de las estructuras erigidas con un contenido ideológico humanista más amplio que el programa oficial de perpetuación del estado noble. Con particular fuerza, esta característica se reflejó en el trabajo de un arquitecto tan brillante como Bazhenov.

En el campo de la escultura y la pintura, los logros de la cultura rusa del siglo XVIII. también son muy significativos, aunque en el campo de las bellas artes los aspectos feos del régimen autocrático y su apología tuvieron un efecto restrictivo sobre el nivel ideológico y artístico de las obras más notorio que en el campo de la arquitectura. Al mismo tiempo, las propias tendencias humanistas y progresistas cívicas aparecieron en las artes visuales con mayor claridad. En particular, en la pintura y escultura rusas de esa época, las ideas de la alta dignidad moral del hombre se afirmaron con particular persuasión artística. En el arte de Rokotov, Levitsky, en la escultura de Shubin, un retrato realista europeo del siglo XVIII. encontró una de sus encarnaciones más notables. Gran éxito alcanzó también la escultura monumental y decorativa, indisolublemente ligada a los grandes conjuntos arquitectónicos de la época. "El jinete de bronce" de Falcone, obra de Kozlovsky, junto con la obra de Houdon, forman el pináculo en el apogeo de la escultura europea de esta época.

En general, el arte ruso del siglo XVIII es un hito importante no solo en la historia de la cultura artística rusa, sino que también desempeñó un papel importante en el establecimiento de los ideales estéticos progresistas de la cultura europea en el siglo XVIII. en general.