- الآن سأشرح باستخدام مثال من دراستي. انظر هنا. نهاية القرن الماضي. الواقعية الاشتراكية النفقية كما نصنفها اليوم. الاتحاد السوفييتي في مراحله الأخيرة. فنان شاب وعصري من سانت بطرسبرغ بصحبة الأصدقاء، بعد أن دخن الحشائش، يقترب من كومة القمامة، ويخرج منها قطعة من الحديد اللامعة - إما مقود دراجة، أو العمود المرفقي - يرفعها فوق رأسه ويعلن: "يا رفاق، على سبيل الرهان: غدًا سأبيع هذا اللعين لشركة مقابل عشرة آلاف دولار." ثم كانت هناك دولارات. وهو يبيعها. السؤال هو: من ومتى أعطى الإذن باعتبار هذه البطلة قطعة فنية تبلغ قيمتها عشرة آلاف؟
- فنان؟ - اقترحت. - لا. بالكاد. ثم سيعمل الجميع كفنان. ربما... من اشتراها؟
- هذا كل شيء! - رفعت ماروخا إصبعها. - يا لك من زميل عظيم - انظر إلى الجذر. الشخص الذي اشترى. لأنه بدونها، لن نرى سوى حشد من القيمين الجائعين مثلي حول هذا الفنان. سيصرخ البعض أن هذا ليس فنًا، بل مجرد قطعة معدنية من كومة القمامة. ويقول آخرون إن هذا فن على وجه التحديد لأنه مجرد قطعة من الأجهزة من كومة القمامة. سوف يصرخون أيضًا بأن الفنان منحرف ويتقاضى أجرًا من المنحرفين الأغنياء الآخرين. سيقولون بالتأكيد أن وكالة المخابرات المركزية خلال ما يسمى بالبريسترويكا استثمرت في الاتجاهات غير المطابقة المناهضة للسوفييت من أجل رفع مكانتها الاجتماعية بين الشباب - وكان الهدف النهائي هو انهيار الاتحاد السوفييتي، لذلك كان هناك العديد من البلهاء دفعت عشرة آلاف مقابل قطعة من الأجهزة من كومة القمامة. بشكل عام، سيقولون الكثير من الأشياء، تأكد. قد يكون هناك بعض الحقيقة في كل من هذه العبارات. لكن قبل عملية البيع، كان كل هذا مجرد ثرثرة. وبعدها، أصبحت انعكاسًا لحقيقة ثقافية منجزة. السر القذر للفن الحديث هو أن الحق النهائي في الحياة يُمنح - أو لا يُمنح - من قبل داس رأس المال. وهو الوحيد. لكن قبل ذلك، يجب أن يحصل الفنان على موافقة رسمية من قبل أولئك الذين يتوسطون بين الفن ورأس المال. الناس مثلي. النخبة الفنية هي التي تقرر ما إذا كانت ستفكر في قطعة من القصاصات الفنية غير المرغوب فيها أم لا.
قلت: "لكن الأمر كان دائمًا هكذا". – أعني بالفن ورأس المال. رامبرانت هناك. نوع من تيتيان. تم شراء لوحاتهم. حتى يتمكنوا من رسم المزيد والمزيد.
أجابت مارا: "نعم، ولكن ليس تمامًا". - عندما رسم أحد المتوحشين حيوان البيسون على جدار الكهف، تعرف الصيادون على الحيوان وشاركوا لحمه مع الفنان. عندما أظهر رامبرانت أو تيتيان لوحاتهم للمشترين المحتملين، لم يكن هناك أمناء حولها. كان كل ملك أو تاجر ثري هو نفسه ناقدًا فنيًا. تم تحديد قيمة الشيء من خلال الانطباع الفوري الذي يتركه على العميل المستعد للدفع. رأى المشتري رجلاً يشبهه بشكل مدهش في الصورة. أو امرأة لديها نفس طيات السيلوليت الوردية مثل زوجته. لقد كانت معجزة، فاجأت ولا تحتاج إلى تعليق، وانتشرت الشائعات حول هذه المعجزة. لم يمثل الفن على الفور وبدون جهد موضوعه فحسب، بل يمثل نفسه أيضًا كوسيلة. مباشرة في الفعل الحي لإدراك شخص آخر. لم يكن بحاجة إلى تاريخ فني يبدأ في حياته. يفهم؟
أومأت بشكل غير مؤكد.
– الفن المعاصر، بشكل عام، يبدأ حيث تنتهي الطبيعة والوضوح – وتظهر الحاجة إلينا وعقوبتنا. على مدى المائة والخمسين عامًا الماضية، كان الفن مهتمًا في المقام الأول بتمثيل ما هو غير ملموس بشكل مباشر. ولذلك فإن الفن نفسه يحتاج إلى تمثيل. مفهوم؟
- بغموض. من الأفضل أن أبحث على الإنترنت و...
- لا حاجة، سوف تحصل على كل أنواع القرف هناك. استمع لي، سأشرح كل شيء ببساطة وفي صلب الموضوع. إذا جاء المشتري إلى فنان يعمل في نموذج جديد، فإنه لا يرى على القماش وجهه، المألوف من المرآة، أو طيات السيلوليت المألوفة من زوجته. يرى هناك...
فكرت مارا للحظة.
- حسنًا، مرتجلًا - لبنة برتقالية كبيرة، وتحتها لبنة حمراء، وتحتها لبنة صفراء. فقط لن يطلق عليها "إشارة المرور في الضباب"، كما قد يقول بعض الروح البسيطة، ولكن "برتقالي، أحمر، أصفر". وعندما يُقال للمشتري أن إشارة المرور هذه في الضباب تكلف ثمانين مليونًا، فمن المهم أن يهز العديد من الأشخاص الجادين والمشاهير والمحترمين الواقفين حول الصورة برؤوسهم، لأن المشتري لا يمكنه الاعتماد على مشاعره وأفكاره في ثقافة جديدة الموقف. تمنح المؤسسة الفنية عقوبة - وهذا أمر خطير للغاية، لأنه يعني أنه سيتم قبول العمل المباع، إذا لزم الأمر، مرة أخرى مقابل نفس المال تقريبا.
- هل سيقبلون ذلك بالتأكيد؟ - انا سألت.
أومأت مارا.
– مع الصورة التي أتحدث عنها، حدث هذا عدة مرات بالفعل. عمرها أكثر من مائة عام.
– كيف تنشأ هذه العقوبة؟
ضحكت مارا.
- لم تعد المسألة ثمانين، بل مائة مليون. يقضي الناس حياتهم في محاولة للحصول على هذه العقوبة - وهم أنفسهم لا يفهمون ذلك تمامًا. نشأت العقوبة نتيجة للحركة البراونية للعقول والإرادات المنخرطة في الفن المعاصر حول رأس المال الاستثماري، الذي بطبيعة الحال له الكلمة الأخيرة. ولكن إذا كنت تريد إجابة قصيرة وبسيطة، يمكنك أن تقول هذا. الفن اليوم مؤامرة. هذه المؤامرة هي مصدر العقوبة.
أجبته: "ليس مصطلحًا قانونيًا تمامًا". - ربما يكون من الأفضل أن نقول "مؤامرة أولية"؟
- يمكنك أن تقول ما تريد، بورفيري. لكن المصطلحات التاريخية الفنية يجب أن تتمتع بنفس عقوبة رأس المال التي تتمتع بها لوحة قماشية مكونة من ثلاثة قطع ملونة. عندها فقط تبدأ في أن تعني شيئًا ما، وتستحق منا أن نتعمق في معانيها المحتملة العديدة. تحدث سارتر عن "مؤامرة الفن" - وهذه، بالمناسبة، واحدة من التصريحات القليلة الواضحة في حياته. لقد تم شراء سارتر بثمن باهظ. ولذلك عندما أكرر هذه الكلمات من بعده، فإنني أختبئ وراء العقوبة الصادرة بحقه وأبدو جدياً. وعندما يتحدث بورفيري بتروفيتش عن "المؤامرة الأولية"، فإن الأمر يبدو كأنه هراء، آسف على لغتي الفرنسية. ولن يكرر هذا أحد من بعده.
قلت: "لقد كررت نفسك للتو".
- نعم. للأغراض التعليمية. لكنني لن أضع هذا في الدراسة، لكن جد سارتر سيفعل ذلك. لأن الطريقة الوحيدة للحصول على الموافقة على دراستي هي تجميعها معًا من العقوبات التي تم إصدارها مسبقًا لمشاريع أخرى. هكذا تحافظ مؤامرة الفن على نفسها. وجميع المؤامرات الأخرى أيضا. لقد توقف الفن منذ فترة طويلة عن أن يكون سحرا. اليوم، كما لاحظتم بحق، هذه مؤامرة أولية.
- من ومع من؟ - انا سألت.
– ولكن هذا ليس واضحا دائما. وغالبًا ما يتعين على المشاركين في المؤامرة الارتجال. يمكننا القول أنه من هذا الغموض تولد الحداثة والنضارة.
"نعم" قلت و لورت شاربي. – لماذا لا يتقدم شخص يفهم الفن المعاصر، ولكنه غير متورط في المؤامرة، بالكشف؟
ضحكت مارا.
"أنت لم تفهم الشيء الأكثر أهمية، بورفيري."
- ماذا؟
– من المستحيل “فهم” الفن المعاصر دون المشاركة في مؤامرته، لأنه لا بد من وضع نظارات المتآمر حتى يكتشف هذا الفن. وبدون النظارات ترى العيون فوضى، ويشعر القلب بالحزن والخداع. ولكن إذا شاركت في مؤامرة، يصبح الخداع لعبة. بعد كل شيء، لا يكذب الفنان على المسرح عندما يقول إنه تشيتشيكوف. يلعب - ويصبح الكرسي الذي يتكئ عليه ثلاثيًا. على أية حال، للناقد الذي له نصيب... هل تفهم؟
أجبت: "تقريبًا". "لن أقول إن الأمر عميق، لكن يمكنني مواصلة المحادثة".
- الآن يا بورفيري، يجب أن يكون لديك سؤال آخر.
- أيّ؟
- لماذا أشرح لك كل هذا؟
كررت: «نعم، حقًا». لماذا؟
قالت مارا: "إذن، حتى لا تتفاجأ بما تراه عندما نبدأ العمل". سوف تتعامل مع أشياء باهظة الثمن. وقد يبدو غريبًا بالنسبة لك أن النسخة الإلكترونية أو التركيب المرئي، الذي يمكن لأي شخص أن يصنعه من مادة ثقافية مفتوحة، يعتبر قطعة فنية فريدة من نوعها ويباع بمبالغ ضخمة. لكن هذا، صدقوني، هو نفس الوضع كما هو الحال مع اللوحة "البرتقالي والأحمر والأصفر". إذا نظرت إليها ورأيت إشارة مرور أمامك في الضباب، فأنت شخص عادي - بغض النظر عن مدى إقناع تفكيرك للأشخاص العاديين الآخرين. تذكر الشيء الرئيسي: الأشياء الفنية التي ستتعامل معها لا تحتاج إلى موافقتك. ولديهم بالفعل موافقة المجتمع الفني.
- بأي صيغة بالضبط صدرت هذه العقوبة؟
"بورفيري،" تنهدت مارا، "كم أنت غافل". بالشكل الذي تم شراؤهم به.

بيلا أدتسيفا

لقد قطع مارك روثكو، الذي يرتبط اسمه في أغلب الأحيان بالرسم الميداني الملون التجريدي، شوطا طويلا في الفن، حيث كان هناك مكان للرسم التصويري، وتقنية التاشيسم، والسريالية البحتة. رفض الفنان شرح أعماله الأكثر شهرة - الأشكال المتعددة والتجريدية - وقمع أي محاولات للتفسير: جوهر الفن هو الفن نفسه، وهو مظهر مادي لرؤية الفنان للعالم، كما جادل روثكو، الذي نجح بمساعدة اللون وحده. لإثارة الصدمة والأمل لدى الجمهور، ولكن في أغلب الأحيان الألم والخوف ومشاعر الوحدة. يصادف اليوم الذكرى الـ 110 لميلاد الفنان.

تتمتع اللوحات التعبيرية لمارك روثكو بطابع غامض - وفقًا للعديد من المشاهدين، فإن اللوحات، عندما تراقبها من مسافة قريبة (وهذا ما أصر عليه الفنان نفسه)، تثير مشاعر قوية - شعور متزايد بالوحدة أو الخوف ، لدرجة أن الأشخاص الحساسين بشكل خاص قد يبكون أمامهم. يميل نقاد الفن أيضًا إلى رؤية انعكاس للجانب المأساوي للحياة في أعمال روثكو - سواء كانت أعماله المبكرة أو الأشكال المتعددة التي جعلت الفنان مشهورًا. "إن تجربة التنفيس المأساوية هي المصدر الوحيد لأي فن... أنا لست مهتمًا بالعلاقة بين اللون والشكل أو أي شيء من هذا القبيل، أنا مهتم فقط بالتعبير عن المشاعر الإنسانية الأساسية - المأساة، والنشوة، واليأس،". كتب روثكو.

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "بورتريه ذاتي"

انتقل ماركوس روثكوفيتش، وهو ابن مهاجرين يهود هاجروا إلى الولايات المتحدة من مدينة دفينسك الروسية آنذاك قبل عدة سنوات من الثورة، إلى نيويورك من نيو هيفن بولاية كونيتيكت في عام 1923، في ذروة "عصر الجاز" عندما كانت أصوات الرقصة تُسمع في كل حانة في مانهاتن، وكان العالم الذي أنهكته الحرب متعطشًا للمتعة والترفيه. في ذلك الوقت، أخذ روثكو، بعد أن ترك جامعة ييل للتو، دورة تدريبية مع ماكس ويبر، الذي تعلم منه فهم الفن كوسيلة للتعبير عن الذات والذي ظهر تأثيره في العديد من أعمال روثكو المبكرة. في السنوات القليلة الأولى في نيويورك، كان يكسب رزقه من تعليم الرسم للأطفال، مكررًا لطلابه فكرة أن الرسم يجب أن يكون سهلاً - وهي عملية ليست أكثر صعوبة من الغناء.

سلسلة لوحاته التي تصور مترو أنفاق نيويورك، وأشهرها على وجه الخصوص "مدخل المترو" (1938) - ليس على الإطلاق ما اشتهر به روثكو في العقود اللاحقة وما لا يزال مرتبطًا به. هذه ليست واقعية، ولكن هناك شخصيات مميزة للأشخاص وهندسة المحطات، على الرغم من أنه يمكن رؤية شيء آخر - عمل مميز ذو لون ومزاج كئيب عام متأصل في لوحات الفنان اللاحقة. تصبح مساحة العمل ذاتها - العالم تحت الأرض - في روثكو استعارة للتجارب الداخلية والقلق اللاواعي، وهي المشاعر التي أصبحت مستمرة خلال فترة الكساد الكبير بالنسبة للكثيرين.

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "مدخل المترو"، 1938

إن القلق الذي كان يسود الأجواء طوال ثلاثينيات القرن العشرين لا ينفصل عن المناظر الطبيعية الحضرية لروثكو - فالأشخاص في لوحاته، سواء كانوا شخصيات مجمدة وحيدة أو زوجًا من الرفاق، موجودون في بيئتهم المألوفة وهمومهم اليومية، لكن كل واحد منهم منغمس في نفسه ويغمره القلق، كما في "مشهد الشارع" (1937). أصبحت نيويورك، مع عدد لا يحصى من المطاعم والحانات ودور السينما، بالإضافة إلى سكانها المكتئبين، في ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين مؤشرًا للاكتئاب العام ليس فقط بالنسبة لمارك روثكو - ففي ذلك الوقت برزت لوحة النوع الأمريكي إلى الواجهة، متمثلة في يمكن اعتبارها "بومة الليل" الشهيرة لإدوارد هوبر. لكن لوحات روثكو حتى ذلك الحين كانت تختلف عن لوحات الفنانين الآخرين، حيث تم تنفيذها بطريقة طبيعية - بالطريقة التي تم بها تصوير حواف المنصة وجدران وأعمدة محطات المترو، يمكن للمرء أن يميز خطوات روثكو الأولى نحو لوحته التجريدية، والفهم أن الفن يجب أن يعبر عن الحياة من خلال العواطف، وليس الأوصاف.

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "مشهد الشارع"، 1937

لوحات أخرى لروثكو من نفس الفترة، تسمى في الغالب بدون عنوان، تصور شخصيات أشخاص ينظرون بقلق وأحيانًا رعب في أعينهم إلى شيء خارج مجال رؤية المشاهد. بعض من الأعمال الأكثر كشفا - صورة عارية في زاوية الغرفة (1937-1938)، و الرسم بشخصيتين على النافذة (1938). لا يشعر المشاهد الذي يشاهد هذه الصور بعدم الارتياح والقلق من أبطالهم.

وقال الفنان: "لوحاتي هي رحلة لا يمكن التنبؤ بها إلى عالم مجهول، وعلى الأرجح يفضل المشاهد عدم الذهاب إلى هناك".

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "بدون عنوان"، 1937-1938

في أواخر الثلاثينيات وأوائل الأربعينيات من القرن العشرين، غزت السريالية نيويورك - وانتقل بعض الفنانين المبتكرين، بما في ذلك سلفادور دالي، إلى الولايات المتحدة من أوروبا. يقضي مارك روثكو، إلى جانب أدولف جوتليب وبارنيت نيومان، الكثير من الوقت في مناقشة أفكار دالي وجوان ميرو وماكس إرنست وبيت موندريان، وسيتأثرون بها حتماً. ومع ذلك، فإن الفترة السريالية لعمل روثكو، تبين مرة أخرى أنها لا تشبه أي شخص آخر، وبالحديث عن التأثير، هنا، جنبًا إلى جنب مع رواد الطليعة الأوروبية، يجب أن نذكر "ولادة المأساة" لفريدريك نيتشه والأساطير مع رمزيتها. في الوقت نفسه، كان روثكو مهتمًا بأعمال فرويد ويونغ، وفي عام 1940 ترك الرسم لفترة من أجل الانغماس الكامل في نظرية اللاوعي الجماعي والتفسير النموذجي للأحلام.

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "تضحية إيفيجينيا"، 1942

وكانت النتيجة اتجاهاً جديداً في الإبداع، عندما تخلى روثكو عن تصوير الحياة بمساعدة الصور الحديثة وانطلق لتحرير الإنسان من الفراغ الذي يملأه بمساعدة الرموز الأسطورية.

اللوحات السريالية لهذه الفترة - "تضحية إيفيجينيا"، "أنتيجون"، "الطيور الهرمية"- لا تقل كآبة عن أعماله السابقة: هنا كفان مطويتان في الصلاة، ونصف جسد إنسان، وشظايا من الذراعين والساقين. صورة فأل النسر(يمكن ترجمة الاسم على أنه "علامة" أو "علامة النسر") أطلق عليها الفنان اسم "تجسيد فكرة مأساوية".

تغير فن روثكو مرة أخرى في منتصف الأربعينيات من القرن الماضي، عندما تم استبدال الأساطير بلوحات تجريدية، حيث يرى بعض الخبراء إشارات إلى "ولادة فينوس" لساندرو بوتيتشيلي، والبعض الآخر - انعكاس للأحداث في الحياة الشخصية للفنان - في ذلك الوقت التقى روثكو بزوجته الثانية. صورته "الدوران البطيء على حافة البحر" (1945)المزاج أخف بكثير، وفي الصورة المجردة يمكنك رؤية شخصيتين بشريتين تابعتين لعلاقة اللون والشكل.

هكذا وصف روثكو نفسه شخصياته: "يجب أن تظل هوية الصورة وموضوعها في الماضي. هذه الكائنات مليئة بالعزيمة والإرادة للدفاع عن حقوقها".

إن كلمات الفنان، الذي يتحدث عن لوحاته كشكل مستقل من أشكال الحياة خارجة عن إرادته، توضح أن الرسم بالنسبة لروثكو كان حتى ذلك الحين مجرد تأمل أكثر من كونه عملاً.

مارك روثكو "زوبعة بطيئة على شاطئ البحر"، 1944-1945

يدفع الجو العدائي لعالم ما بعد الحرب مارك روثكو إلى بحث إبداعي جديد، والذي قاده من تقنية التاشيزمي (الرسم التجريدي بالبقع) إلى جوهر الإبداع - كنيسة روثكو الشهيرة.

أصبحت أهوال الحرب وحماقتها أحد الموضوعات الرئيسية للتفكير الإبداعي في النصف الثاني من الأربعينيات والخمسينيات من القرن الماضي. ثم نطق بارنيت نيومان، صديق روثكو المقرب، بالكلمات التي أصبحت بيانًا للعديد من الفنانين - "لم تعد هناك إمكانية للرسم بنفس الطريقة كما كان من قبل ونفس الشيء كما كان من قبل" - وترك هو نفسه الرسم لمدة أربع سنوات. في هذا الوقت، يسافر مارك روثكو إلى أوروبا، حيث يزور في فلورنسا مكتبة ميديشي، التي تم بناؤها وفقًا لرسومات مايكل أنجلو، ويبحث أيضًا عن الإلهام في أعمال اثنين من الفنانين المفضلين لديه - رامبرانت وويليام تورنر. ولم يؤثر هذا ولا ذاك على إعادة ميلاد روثكو التالية بقدر ما أثر على «الاستوديو الأحمر» لهنري ماتيس، الذي شاهده الفنان في متحف نيويورك للفن الحديث عام 1949، عندما وقف أمام اللوحة لعدة ساعات. أظهرت لوحة الرسام الفرنسي، المعروف بتعامله المبتكر مع الألوان، روثكو المسار المستقبلي - عندها بدأ في رسم الأشكال المتعددة أولاً (أحد الأمثلة الشهيرة هو رقم 9، 1948) ، ثم توصل إلى أسلوبه الخاص الذي جعله أحد أهم فناني جيله.

© الصورة: مارك روثكو مارك روثكو "رقم 9"، 1948

في أوائل الخمسينيات من القرن العشرين، أصبحت التعبيرية التجريدية لمارك روثكو شيئًا جديدًا تمامًا في الرسم الأمريكي. وفي معرض حديثه عن لوحات فنانين آخرين، والتي غالبًا ما كان لها تأثير مهدئ ومريح، قال روثكو إن أعماله "لها غرض معاكس" ولم تُكتب للتاريخ أو الاستوديوهات، ولكن للأشخاص الذين كان رد فعلهم هو القيمة الوحيدة التي جلبت الرضا الفنان.

"حقيقة أن الكثير من الناس يفقدون أنفسهم فجأة ويمكن أن ينفجروا في البكاء أمام لوحاتي يعني أنني أستطيع التواصل مع مشاعرهم الإنسانية الأساسية ... الناس الذين يبكون أمام لوحاتي يشعرون بنفس الرهبة الدينية التي شعرت بها عندما رسمت وأشار روثكو إلى أنه "إذا تأثرت فقط بالعلاقات اللونية، فقد فاتك الشيء الأكثر أهمية".

في ذلك الوقت والآن، يتفق الخبراء على أن لوحاته الملونة في مجال الألوان لا تتعلق بالمشاعر التي يمكن أن يثيرها اللون، ولكن حول كيفية جعل روثكو للون مثل هذا التأثير على المشاهد.

قبل وقت قصير من تقديم الطلب، جاء روثكو وزوجته إلى فندق فور سيزونز، حيث أعلنا، بعد النظر في القائمة، أن "الأشخاص الذين هم على استعداد لدفع هذا المبلغ من المال مقابل الطعام لن ينظروا أبدًا إلى لوحاتي". تم إنهاء العقد وطلب روثكو إعادة اللوحات الجدارية.

رسم روثكو لوحات تجريدية حتى نهاية حياته، مع التركيز في سنواته الأخيرة على اللون الأسود الغني. أشهر اللوحات في هذه الفترة، والتي وفقًا للنقاد، كانت تاج عمل الفنان بأكمله عبارة عن 14 لوحة قماشية بتكليف من فاعلي الخير جون ودومينيك دي مينيل للكنيسة الواقعة في هيوستن. أمام مدخل الكنيسة يوجد تمثال لبارنيت نيومان مخصص لمارتن لوثر كينغ. اليوم، أصبحت كنيسة روثكو، المفتوحة أمام الناس من جميع الأديان، ليس فقط إرث الفنان، ولكن أيضًا مكانًا مرتبطًا بفكرة المساواة العالمية.

أدى النجاح إلى تفاقم شعور الفنان بالعزلة. وفي ضوء فلسفته، التي نددت بالاستغلال التجاري للفن على نطاق واسع، تبدو سجلات الأسعار اليوم غامضة أيضًا ( "برتقالي، أحمر، أصفر"في عام 2012، ذهبت من المزاد بمبلغ 86.9 مليون دولار)، والتي يتم تثبيت لوحات الفنان مرارا وتكرارا في المزادات - هل هذا انتصار لروثكو أم هزيمته؟ مهما كان الأمر، فإن المعنى والغرض الرئيسي الذي استثمره في لوحاته - وهو مناشدة المشاعر الإنسانية الأساسية - لا يزال موجودًا فيها حتى يومنا هذا، كما يمكن رؤيته، على سبيل المثال، في معرض تيت في لندن. تم إحضار لوحاته الجدارية، التي تم إنشاؤها لناطحة سحاب Seagram، إلى هناك في 25 فبراير 1970. وبصدفة غريبة، في نفس اليوم، اكتشف مساعد روثكو الفنان ميتًا في مطبخ شقته، غارقًا في بركة من دمائه.

تصنيف نتائج المزاد لأعمال الفن الروسي

1. تم قبول نتائج المزاد العلني فقط للمشاركة.
2. تم تحديد الانتماء إلى الفنانين الروس حسب مكان الميلاد. ولد في الإمبراطورية الروسية أو في الاتحاد السوفييتي - وهذا يعني أنه فنان روسي، بغض النظر عن الأصل العرقي أو الخصومات حول كيفية تطور المصير في المستقبل. على سبيل المثال، حقيقة أن كاندينسكي كان يحمل الجنسيتين الروسية والألمانية في أوقات مختلفة، وتوفي بالجنسية الفرنسية، ليس سببًا للشك في أن الفنان روسي.
3. القاعدة: فنان واحد - لوحة واحدة. وهذا يعني أن الموقف، بالمعنى الدقيق للكلمة، عندما يتعين تخصيص جميع الأماكن الأولى لأعمال مارك روثكو، يتم حله بهذه الطريقة: نترك فقط العمل الأكثر تكلفة، ونتجاهل جميع النتائج الأخرى للوحات هذا الفنان .

يعتمد التصنيف على النتائج مع الأخذ في الاعتبار علاوة المشترين، معبرا عنها بالدولار (الأرقام المعروضة في المزادات الأوروبية، أي بالجنيه الاسترليني أو اليورو، يتم تحويلها إلى دولارات بسعر الصرف في يوم التداول). لذلك، لم يتم بيع لوحة "الأنفلونزا الإسبانية" لغونشاروفا، في 2 فبراير 2010 مقابل 6.43 مليون جنيه إسترليني، ولا لوحة "منظر القسطنطينية ومضيق البوسفور" لأيفازوفسكي، والتي تم دفع 3.23 مليون جنيه إسترليني مقابلها في 24 أبريل 2012. لم يتم تضمينها في التصنيف بعملة المعاملة، أي. وهي بالجنيه أغلى من اللوحات التي احتلت مكاناً في التصنيف، لكنها لم يحالفها الحظ بسعر صرف الدولار.

1. 86.88 مليون دولار مارك روثكو. البرتقالي، الأحمر، الأصفر (1961)

أحد أكثر الفنانين غموضًا في عصرنا. يبدو أن مسار حياته منسوج من التناقضات - في عمليات البحث الإبداعية، في الأفعال، في الإيماءات... نظرًا لكونه أحد الأيديولوجيين وبالطبع شخصية رئيسية في التعبيرية التجريدية الأمريكية، لم يستطع روثكو تحمل الأمر عندما تم تسمية أعماله خلاصة. بعد أن عرف جيدًا في الماضي معنى العيش من اليد إلى الفم، أعاد ذات مرة إلى عملائه بتحدٍ تقدمًا رائعًا للغاية من حيث أموال اليوم، تاركًا لنفسه عملًا مكتملًا تقريبًا. بعد أن كان ينتظر نجاحه وفرصة كسب العيش من الرسم منذ ما يقرب من خمسين عامًا، فقد رفض أكثر من مرة الأشخاص الذين يمكنهم تدمير حياته المهنية إذا أرادوا ذلك. على أقل تقدير، كان روثكو اشتراكيًا في القلب، وشارك أفكار ماركس وكان معاديًا للأغنياء والثروة، وأصبح في النهاية مؤلفًا لأغلى اللوحات في العالم، والتي تحولت في الواقع إلى سمة من سمات المكانة العالية لـ أصحابها. (ليست مزحة، "المركز الأبيض" الذي حطم الأرقام القياسية، والذي بيع بمبلغ 65 مليون دولار، جاء من عائلة روكفلر.) كان يحلم باعتراف الجمهور به، وأصبح في النهاية مبتكر اللوحات التي لا تزال مفهومة حقًا لدائرة فقط من المثقفين والمثقفين. أخيرًا، الفنان، الذي سعى إلى محادثة مع الله من خلال موسيقى لوحاته، الفنان، الذي أصبحت أعماله العنصر المركزي في تصميم الكنيسة لجميع الأديان، أنهى حياته بعمل يائس تمامًا من القتال ضد الله. ..

ربما تفاجأ روثكو، الذي يتذكر شاحب التسوية والقوزاق، بأنهم فخورون به أيضًا كفنان روسي. ومع ذلك، كان هناك الكثير من معاداة السامية في أمريكا في ثلاثينيات القرن العشرين - ولم يكن من قبيل المصادفة أن الفنان "اقتطع" لقب عائلة روتكوفيتش. لكننا نسميه روسي لسبب ما. لتبدأ، بناء على حقيقة الميلاد. كانت لاتفيا دفينسك، دوجافبيلس الحالية، في وقت ولادة ماركوس روتكوفيتش، جزءًا من روسيا وستظل كذلك حتى انهيار الإمبراطورية، حتى عام 1918. صحيح أن روثكو لن يرى الثورة بعد الآن. في عام 1913، تم نقل الصبي إلى الولايات المتحدة الأمريكية، وانتقلت العائلة إلى بورتلاند، أوريغون. أي أنني قضيت طفولتي ومراهقتي في روسيا، حيث تشكلت تصوراتي ونظرتي للحياة. بالإضافة إلى حقيقة أنه ولد هنا، يرتبط روثكو بروسيا، ونلاحظ كل من الموضوعات الأيديولوجية والصراعات. ومن المعروف أنه يقدر أعمال دوستويفسكي. وحتى الرذائل التي انغمس فيها روثكو مرتبطة لسبب ما بالروس في العالم. لسبب ما، يطلق على الاكتئاب في الغرب اسم "المرض الروسي". وهي ليست حجة بالطبع، ولكنها لمسة أخرى لسلامة طبيعة الفنان الروسي.

استغرق الأمر من روثكو 15 عامًا لتحقيق اكتشافات مبتكرة في الرسم. بعد أن خاض العديد من الهوايات التصويرية، بما في ذلك السريالية والتعبيرية التصويرية، قام في منتصف الأربعينيات من القرن الماضي بتبسيط بنية لوحاته إلى حد كبير، وقصر وسائل التعبير على عدد قليل من الكتل الملونة التي تشكل التكوين. إن الأساس الفكري لعمله هو دائمًا تقريبًا مسألة تفسير. لم يقدم روثكو عادة إجابات مباشرة، معتمدا على مشاركة المشاهد في فهم العمل. الشيء الوحيد الذي اعتمد عليه بالتأكيد هو العمل العاطفي للمشاهد. لوحاته ليست للراحة، وليست للاسترخاء، وليست من أجل "التدليك البصري". وهي مصممة للتعاطف. البعض يراها نوافذ تتيح للمرء النظر إلى روح المشاهد، والبعض الآخر يراها أبوابًا لعالم آخر. وهناك رأي (ربما هو الأقرب إلى الحقيقة) مفاده أن حقول الألوان الخاصة به هي صور مجازية لله.

يتم تفسير القوة الزخرفية لـ "حقول الألوان" من خلال عدد من التقنيات الخاصة التي يستخدمها روثكو. لوحاته لا تتسامح مع الإطارات الضخمة - على الأكثر حواف رفيعة بلون القماش. وتعمد الفنان تلوين حواف اللوحات بشكل متدرج بحيث فقد المجال التصويري حدوده. الحدود الغامضة للمربعات الداخلية هي أيضًا تقنية، وطريقة بدون تباين لخلق تأثير الارتعاش، والتداخل الظاهري للكتل الملونة، ونبض البقع، مثل وميض الضوء من المصابيح الكهربائية. تم تحقيق هذا الذوبان الناعم للون داخل اللون بشكل خاص في الزيوت، حتى تحول روثكو إلى الأكريليك غير الشفاف في أواخر الستينيات. ويتكثف التأثير الموجود للنبض الكهربائي إذا نظرت إلى اللوحات من مسافة قريبة. وفقًا لخطة الفنان، من الأمثل للمشاهد أن يرى اللوحات القماشية التي يبلغ طولها ثلاثة أمتار من مسافة لا تزيد عن نصف متر.

تعد لوحات روثكو اليوم مصدر فخر لأي متحف شهير للفن الحديث. وهكذا، في معرض تيت الإنجليزي توجد قاعة روثكو، حيث تعيش تسع لوحات من تلك التي تم رسمها بموجب عقد مع مطعم فور سيزونز. هناك قصة مرتبطة بهذا المشروع تشير تمامًا إلى شخصية روثكو. في عام 1959، تم الاتصال بالفنان بناء على توصية من أصحاب مطعم "سيزونز" العصري، الذي افتتح في ناطحة سحاب نيويورك غير العادية "سيجرام بيلدينج" (سميت على اسم الشركة التي أنتجت الكحول). كان مبلغ العقد بأموال اليوم حوالي 3 ملايين دولار - وهو رسم كبير جدًا حتى بالنسبة لفنان معروف ومعترف به، كما كان روثكو في ذلك الوقت. ومع ذلك، عندما كان العمل على وشك الانتهاء، أعاد روثكو الدفعة المقدمة بشكل غير متوقع ورفض تسليمها إلى العميل. ومن بين الأسباب الرئيسية لهذا الفعل المفاجئ، اعتبر كتاب السيرة عدم الرغبة في إرضاء الطبقة الحاكمة وترفيه الأغنياء على العشاء. ويعتقد أيضًا أن روثكو انزعج عندما علم أن لوحاته لن يراها الموظفون العاديون العاملون في المبنى. ومع ذلك، فإن الإصدار الأخير يبدو رومانسيًا للغاية.

وبعد ما يقرب من 10 سنوات، تبرع روثكو ببعض اللوحات المعدة لفندق فور سيزونز إلى معرض تيت في لندن. في مفارقة مريرة من القدر، في 25 فبراير 1970، وهو اليوم الذي وصلت فيه الصناديق التي تحتوي على اللوحات إلى الميناء الإنجليزي، تم العثور على الفنان ميتًا في الاستوديو الخاص به - مع قطع عروقه و(على ما يبدو للضمان) جرعة كبيرة من الحبوب المنومة في معدته.

اليوم، يشهد عمل روثكو موجة أخرى من الاهتمام الصادق. تقام الندوات وتفتح المعارض وتنشر الدراسات. على ضفاف نهر دوجافا، في موطن الفنان، تم إنشاء نصب تذكاري.

أعمال روثكو ليست نادرة بشكل استثنائي في السوق (مثل لوحات ماليفيتش على سبيل المثال). في كل عام، يتم طرح ما يقرب من 10 إلى 15 قطعة من لوحاته وحدها للبيع بالمزاد العلني، دون احتساب الرسومات. أي أنه لا يوجد نقص، بل يُدفع لهم ملايين وعشرات الملايين من الدولارات. وهذه الأسعار ليست مصادفة. بل إنه تكريم لابتكاره، ورغبته في فتح طبقات جديدة من المعنى والانضمام إلى الظاهرة الإبداعية لأحد الفنانين الروس الأكثر غموضًا.

في 8 مايو 2012، في مزاد لفن ما بعد الحرب والفن المعاصر في كريستيز، بيعت اللوحة القماشية "برتقالي، أحمر، أصفر" من عام 1961 مقابل 86.88 مليون دولار، بما في ذلك العمولة. يأتي العمل من مجموعة راعي الفن في بنسلفانيا ديفيد بينكوس. اشترى ديفيد وزوجته جيري العمل، الذي تبلغ أبعاده 2.4 × 2.1 متر، من معرض مارلبورو، ثم أعاره بعد ذلك إلى متحف فيلادلفيا للفنون لفترة طويلة. لم تصبح اللوحة "برتقالي، أحمر، أصفر" أغلى عمل لفنان من أصل روسي فحسب، بل أصبحت أيضًا أغلى عمل للفن المعاصر وما بعد الحرب الذي تم بيعه في مزاد مفتوح.

2. 60.00 مليون دولار. التكوين التفوقي (1916)

خلال حياتها الطويلة، أولاً مع روبرت، وبعد وفاته في عام 1941، تمكنت سونيا من تجربة العديد من الأنواع في الفن. كانت تعمل في الرسم وتوضيح الكتب والرسومات المسرحية (على وجه الخصوص، صممت مشهد باليه دياجليف "كليوباترا") وتصميم الملابس والتصميم الداخلي وأنماط المنسوجات وحتى ضبط السيارات.

تحظى صور سونيا ديلوناي المبكرة وتجريداتها من القرن العشرين وحتى القرن العشرين، بالإضافة إلى أعمال من سلسلة إيقاعات الألوان من الخمسينيات والستينيات من القرن العشرين، بشعبية كبيرة في المزادات الفرنسية الدولية والوطنية. غالبًا ما تصل أسعارها إلى عدة مئات الآلاف من الدولارات. تم تسجيل الرقم القياسي الرئيسي للفنان منذ أكثر من 10 سنوات - في 14 يونيو 2002 في مزاد Calmels Cohen في باريس. ثم بيع العمل التجريدي "السوق في مينهو"، الذي كتب عام 1915، أثناء حياة الزوجين ديلوناي في إسبانيا (1914-1920)، مقابل 4.6 مليون يورو.

32. 4.30 مليون دولار. رؤية للشباب بارثولوميو (1922)

إذا قمنا بتقييم فنانينا على مقياس غريب من "الروسية"، فيمكن وضع ميخائيل فاسيليفيتش نيستيروف (1862-1942) بأمان في مكان ما في بداية القائمة. أصبحت لوحاته التي تصور القديسين والرهبان والراهبات في مشهد غنائي "نيستيروف"، متناغمة تمامًا مع المزاج الروحي العالي للأبطال، ظاهرة فريدة في تاريخ الفن الروسي. تحدث نيستيروف في لوحاته عن روسيا المقدسة وعن طريقها الروحي الخاص. الفنان، على حد تعبيره، "تجنب تصوير المشاعر القوية، مفضلاً عليهم منظرًا طبيعيًا متواضعًا، شخصًا يعيش حياة روحية داخلية في أحضان طبيعتنا الأم". ووفقًا لألكسندر بينوا، كان نيستيروف، إلى جانب سوريكوف، الفنان الروسي الوحيد الذي اقترب جزئيًا على الأقل من الكلمات الإلهية السامية لـ "الأبله" و"كارامازوف".

تم تشكيل الأسلوب الخاص والتدين في لوحات نيستيروف من عدة عوامل. وقد تأثر أيضًا بتربيته في عائلة تجارية أبوية متدينة في مدينة أوفا بمناظرها الطبيعية الروسية النموذجية، وسنوات دراسته مع المتجولين بيروف وسافراسوف وبريانيشنيكوف في مدرسة موسكو للرسم والنحت والهندسة المعمارية (من منهم تبنى فكرة الفن الذي يمس العقل والقلب) ومن بافيل تشيستياكوف في أكاديمية الفنون (هنا تناول تقنية الرسم الأكاديمي)، ورحلات إلى أوروبا للإلهام، ودراما شخصية عميقة ( وفاة زوجته الحبيبة ماريا بعد يوم من ولادة ابنتهما أولغا).

نتيجة لذلك، بحلول أواخر ثمانينيات القرن التاسع عشر - أوائل تسعينيات القرن التاسع عشر، وجد نيستيروف بالفعل موضوعه، وفي هذا الوقت كتب "رؤية للشباب بارثولوميو" (1889-1890). حبكة الصورة مأخوذة من حياة القديس سرجيوس. التقى الشاب بارثولوميو (سرجيوس رادونيج المستقبلي) بملاك على شكل راهب ونال منه بركة الله لفهم الكتاب المقدس والتفوق على إخوته وأقرانه. الصورة مشبعة بإحساس المعجزة - ليس فقط وليس كثيرًا في شخصيات بارثولوميو والشيخ المقدس، ولكن أيضًا في المناظر الطبيعية المحيطة، والتي تكون احتفالية وروحية بشكل خاص.

في سنواته المتدهورة، أطلق الفنان أكثر من مرة على عمله الرئيسي اسم "بارثولوميو": "... إذا كان بعد ثلاثين أو خمسين عامًا من وفاتي لا يزال يقول شيئًا للناس، فهذا يعني أنه على قيد الحياة، فهذا يعني أنني على قيد الحياة". أصبحت اللوحة ضجة كبيرة في المعرض الثامن عشر للمتجولين وجعلت على الفور فنانًا شابًا في أوفا مشهورًا (لم يكن نيستيروف في ذلك الوقت في الثلاثين من عمره). حصل بي إم تريتياكوف على "رؤية..." لمجموعته، على الرغم من محاولات ثنيه عن "المتجولين الأرثوذكس"، على حد تعبير نيستيروف، الذين لاحظوا بشكل صحيح في العمل تقويض الأسس "العقلانية" للحركة. ومع ذلك، كان الفنان قد اتخذ بالفعل مساره الخاص في الفن، مما جعله مشهورًا في النهاية.

مع ظهور القوة السوفيتية، لم تأتي أفضل الأوقات لنيستيروف مع لوحاته الدينية. تحول الفنان إلى الصور الشخصية (لحسن الحظ، أتيحت له الفرصة لرسم الأشخاص الذين أحبهم بشدة فقط)، لكنه لم يجرؤ على التفكير في مواضيعه السابقة. ومع ذلك، عندما انتشرت شائعة في أوائل العشرينيات من القرن الماضي عن إعداد معرض كبير للفن الروسي في أمريكا، قرر نيستيروف بسرعة المشاركة على أمل الوصول إلى جمهور جديد. كتب عدة أعمال للمعرض، بما في ذلك تكرار المؤلف لـ “رؤية للشباب بارثولوميو” (1922)، بعنوان “رؤية للقديس سرجيوس في المراهقة” في الصحافة الأمريكية. النسخة الجديدة أصغر حجما (91 × 109) مقارنة بنسخة تريتياكوف (160 × 211)، وقد ظهر القمر في السماء، وألوان المناظر الطبيعية أغمق بعض الشيء، وهناك جدية أكبر في مواجهة الشباب بارثولوميو. يبدو أن نيستيروف يلخص بهذه الصورة التغييرات الكبيرة التي حدثت منذ كتابة "الرؤية" الأولى....

كانت لوحات نيستيروف من بين اللوحات القليلة التي تم شراؤها في معرض الفن الروسي عام 1924 في نيويورك. انتهى الأمر بـ "رؤية للشباب بارثولوميو" في مجموعة هواة الجمع والرعاة المشهورين لنيكولاس روريش - لويس ونيتي هورش. ومنذ ذلك الحين وحتى عام 2007، تم توارث العمل في هذه العائلة عن طريق الميراث. وأخيرًا، في 17 أبريل 2007، في مزاد سوثبي الروسي، عُرضت اللوحة بمبلغ يتراوح بين 2 إلى 3 ملايين دولار وتم تجاوزه بسهولة. كان السعر النهائي للمطرقة، والذي أصبح رقما قياسيا لنيستيروف، 4.30 مليون دولار، وبهذه النتيجة دخل تصنيفنا.

33.4.05 مليون دولار. المقامرون (1919)

فيرا نيكولاييفنا روكلينا (شليزنجر) هي فنانة رائعة أخرى للهجرة الروسية، وهي مدرجة في تصنيفنا إلى جانب ناتاليا جونشاروفا، وتمارا ليمبيتسكايا وسونيا ديلوناي. المعلومات عن حياة الفنانة شحيحة للغاية، ولا تزال سيرتها الذاتية تنتظر الباحث عنها. ومن المعروف أن فيرا شليزنجر ولدت عام 1896 في موسكو لعائلة روسية وامرأة فرنسية من بورغوندي. درست في موسكو مع إيليا ماشكوف وكانت تقريبًا تلميذته المفضلة، ثم أخذت دروسًا في كييف مع ألكسندرا إكستر. في عام 1918 تزوجت من المحامي س.ز روكلين وذهبت معه إلى تفليس. من هناك، في أوائل العشرينيات من القرن الماضي، انتقل الزوجان إلى فرنسا، حيث بدأت فيرا في العرض بنشاط في صالون الخريف، وصالون المستقلين وصالون التويلري. في أسلوبها في الرسم، اتبعت في البداية أفكار التكعيبية وما بعد الانطباعية، ولكن بحلول أوائل ثلاثينيات القرن العشرين كانت قد طورت بالفعل أسلوبها الخاص، والذي وصفته إحدى المجلات الفرنسية بأنه "توازن فني بين كوربيه ورينوار". في تلك السنوات، عاشت فيرا بالفعل منفصلة عن زوجها، في مونبارناس، وكان من بين المعجبين بها مصمم الأزياء بول بوارت، واختارت صورًا نسائية وعراة كموضوع رئيسي في لوحاتها، وهو ما ربما تم تسهيله من خلال معرفتها بزينايدا سيريبرياكوفا (حتى لقد نجت صورة سيريبرياكوفا العارية التي رسمها روكلينا)، وأقيمت المعارض الشخصية للفنانة في المعارض الباريسية. لكن في أبريل 1934، انتحرت فيرا روكلينا البالغة من العمر 38 عامًا. إن ما جعل امرأة في مقتبل عمرها، والتي حققت الكثير في المجال الإبداعي، تنتحر، يظل لغزا. ووصفت وفاتها المبكرة بأنها أكبر خسارة للمشهد الفني في باريس في تلك السنوات.

يقع تراث Rokhlina بشكل رئيسي في الخارج، حيث أمضت فيرا آخر 13 عامًا من حياتها وحيث تم الكشف عن موهبتها بالكامل. في التسعينيات وأوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، بدأت المتاحف وصالات العرض الفرنسية في إقامة معارض فردية لروخلينا وتضمين أعمالها في معارض جماعية لفنانين من مدرسة باريس. اكتشفها هواة الجمع، وبدأ بيع أعمالها في المزادات، وبشكل جيد جدًا. حدثت ذروة المبيعات والأسعار في الفترة 2007-2008، عندما أصبح حوالي مائة ألف دولار مقابل لوحة جيدة التنسيق لروخلينا أمرًا شائعًا. وهكذا في 24 يونيو 2008، في المزاد المسائي للانطباعيين والحداثيين في كريستيز بلندن، تم بيع لوحة فيرا روكلينا التكعيبية "المقامرون"، المرسومة قبل الهجرة في عام 1919، بشكل غير متوقع بثمانية أضعاف التقدير - مقابل 2.057 مليون جنيه إسترليني ( 4.05 مليون دولار) بتقدير 250-350 ألف جنيه إسترليني.

34. 4.02 مليون دولار. ليلة في نورماندي (1861)

35. 3.97 مليون دولار. المدينة الشرقية. بخارى (1912)

بالنسبة لبافل فارفولوميفيتش كوزنتسوف (1878–1968)، ابن رسام أيقونات من مدينة ساراتوف، خريج مدرسة موسكو للرسم والنحت والعمارة (حيث درس مع أرخيبوف وسيروف وكوروفين)، أحد المنظمين من جمعية الوردة الزرقاء، كان الشرق هو أحد الموضوعات الرئيسية والأكثر شهرة للإبداع بين الجمهور. عندما استنفدت الفترة الرمزية الأولى لبافيل كوزنتسوف في القرن العشرين بصور شبه رائعة لـ "النوافير" و"الصحوة" و"الولادات"، ذهب الفنان إلى الشرق بحثًا عن الإلهام. لقد تذكر كيف زار جده عندما كان طفلاً في سهوب عبر نهر الفولغا وشاهد حياة البدو الرحل. كتب كوزنتسوف: "فجأة تذكرت السهوب وذهبت إلى القرغيز". من عام 1909 إلى عام 1914، قضى كوزنتسوف عدة أشهر في سهوب قيرغيزستان، بين البدو الرحل، وأصبح مشبعًا بأسلوب حياتهم وتقبلهم كروحه "السكيثية". في الفترة من 1912 إلى 1913، سافر الفنان عبر مدن آسيا الوسطى، وعاش في بخارى وسمرقند وسفوح جبال البامير. في عشرينيات القرن العشرين، استمرت دراسة الشرق في منطقة القوقاز وشبه جزيرة القرم.

وكانت نتيجة هذه الرحلات الشرقية سلسلة من اللوحات المذهلة، التي يمكن للمرء أن يشعر فيها بحب "جولوبورزوفسكي" للوحة الزرقاء، ورمزية الأيقونات واللوحات الجدارية للمعابد القريبة من الفنان منذ الطفولة، والتجربة الملموسة لهؤلاء الفنانين مثل غوغان وأندريه ديرين وجورج براك، وبالطبع كل سحر الشرق. تم استقبال اللوحات الشرقية لكوزنتسوف بحرارة ليس فقط في روسيا، ولكن أيضًا في المعارض في باريس ونيويورك.

كان النجاح الإبداعي الكبير هو دورة لوحات "المدينة الشرقية" المكتوبة في بخارى عام 1912. إحدى أكبر اللوحات في سلسلة "المدينة الشرقية". تم بيع "بخارى" بالمزاد العلني في MacDougall's في يونيو 2014 بقيمة تقديرية تتراوح ما بين 1.9 إلى 3 ملايين جنيه إسترليني. ويتمتع العمل بمصدر وتاريخ عرض لا تشوبه شائبة: فقد تم شراؤه مباشرة من الفنان؛ لم يغير مكان إقامته منذ منتصف الخمسينيات؛ شارك في معارض عالم الفن، ومعرض الفن السوفيتي في اليابان، وكذلك في جميع المعارض الرئيسية للحياة وبعد وفاته للفنان. ونتيجة لذلك، تم دفع سعر قياسي لكوزنتسوف مقابل اللوحة: 2.37 مليون جنيه إسترليني (3.97 مليون دولار).

36. 3.82 مليون دولار. أبطال الخطة الخمسية الأولى (1936)

37. 3.72 مليون دولار. راعي التلال (1920)

هاجر بوريس دميترييفيتش غريغورييف (1886–1939) من روسيا في عام 1919. أصبح أحد أشهر الفنانين الروس في الخارج، ولكن في الوقت نفسه تم نسيانه في وطنه لعدة عقود، ولم تقام معارضه الأولى في اتحاد الجمهوريات الاشتراكية السوفياتية إلا في أواخر الثمانينيات. لكنه اليوم هو أحد المؤلفين الأكثر رواجًا وتقديرًا في سوق الفن الروسي؛ وتباع أعماله، سواء اللوحات أو الرسومات، بمئات الآلاف والملايين من الدولارات.

كان الفنان فعالاً للغاية، ففي عام 1926 كتب للشاعر كامينسكي: «الآن أنا المعلم الأول في العالم.<…>أنا لا أعتذر عن هذه العبارات. عليك أن تعرف من أنت، وإلا فلن تعرف ماذا تفعل. نعم، وحياتي مقدسة من العمل فوق المتوسط ​​والمشاعر فوق المتوسط، وعمري الأربعون يثبت ذلك. أنا لا أخاف من أي منافسة، أي طلب، أي موضوع، أي حجم وأي سرعة.

ربما تكون دوراته "العرق" و "وجوه روسيا" الأكثر شهرة - وهي قريبة جدًا من الروح وتختلف فقط في أن الأولى تم إنشاؤها قبل الهجرة والثانية موجودة بالفعل في باريس. في هذه الدورات، يتم تقديمنا بمعرض لأنواع ("الوجوه") من الفلاحين الروس: كبار السن من الرجال والنساء والأطفال ينظرون بشكل كئيب مباشرة إلى المشاهد، فهم يجذبون العين ويصدونها في نفس الوقت. لم يكن غريغورييف بأي حال من الأحوال يميل إلى إضفاء المثالية أو تزيين أولئك الذين رسمهم، بل على العكس من ذلك، فهو في بعض الأحيان يجلب الصور إلى البشع. من بين "الوجوه" المرسومة بالفعل في المنفى، تضاف إلى صور الفلاحين صور معاصري غريغورييف - الشعراء، وممثلي المسرح الفني، وكذلك الصور الذاتية. توسعت صورة "العرق" الفلاحين إلى صورة عامة للوطن الأم المهجور ولكن غير المنسي.

إحدى هذه الصور - الشاعر نيكولاي كليويف في صورة راعي - أصبحت أغلى لوحة لبوريس غريغورييف. في مزاد سوثبي في 3 نوفمبر 2008، بيعت لوحة "راعي التلال" التي تعود لعام 1920 بمبلغ 3.72 مليون دولار بتقدير يتراوح بين 2.5 إلى 3.5 مليون دولار. الصورة هي نسخة المؤلف من صورة مفقودة من عام 1918.

موقع التحرير

انتباه! جميع المواد الموجودة على الموقع وقاعدة بيانات نتائج المزاد على الموقع، بما في ذلك المعلومات المرجعية المصورة حول الأعمال المباعة في المزاد، مخصصة للاستخدام حصريًا وفقًا للمادة. 1274 من القانون المدني للاتحاد الروسي. لا يُسمح بالاستخدام لأغراض تجارية أو في انتهاك للقواعد التي وضعها القانون المدني للاتحاد الروسي. الموقع ليس مسؤولاً عن محتوى المواد المقدمة من قبل أطراف ثالثة. في حالة انتهاك حقوق الأطراف الثالثة، تحتفظ إدارة الموقع بالحق في إزالتها من الموقع ومن قاعدة البيانات بناءً على طلب من الجهة المختصة.

سنتحدث اليوم عن الجمال - عن الفن من الناحية النقدية: عن أغلى اللوحات. غالبًا ما تكون أغلى الأشياء الفنية إما ليست جميلة للوهلة الأولى بقدر ما هي باهظة الثمن، أو أنها تصور شيئًا... غير مفهوم لمجرد البشر.

كما أنه يستحق النظر في هذه اللحظة - أغلى اللوحات في العالم ليست للبيع، فهي في متاحف الدولة.

في الصورة لوحة ليوناردو دافنشي "الموناليزا" (1503)

على سبيل المثال، لوحات ليوناردو دافنشي ليست ضمن مجموعات خاصة، ولكن إذا تم طرحها للبيع، فسيكون السعر أعلى من اللوحات من المجموعات الخاصة المدرجة في التصنيف.

لذلك، "قائمة أغلى اللوحات تشمل فقط الأعمال المعروضة للبيع في القرنين العشرين والحادي والعشرين".

وفقًا لبيانات المبيعات المغلقة، فإن أغلى لوحة - "متى حفل الزفاف؟"، 1892، لبول غوغان، كانت مملوكة لعائلة رودولف ستيتشلين وفي عام 2015 تم بيعها إلى إدارة متحف قطر مقابل (!!!) 300 مليون دولار. دولار!

تُظهر الصورة لوحة بول غوغان "متى حفل الزفاف؟"

لدى بول غوغان لوحة واحدة في قائمة أغلى اللوحات، لكنها في المقام الأول.

اللوحة رسمها المؤلف في جزيرة تاهيتي، حيث استقر غوغان، تاركاً صخب العالم وعائلته السابقة، وتزوج من فتاة شابة داكنة البشرة تبلغ من العمر ثلاثة عشر عاماً من قبيلة محلية - بحسب الروايات الرسمية، تم تصوير هذه الفتاة في مقدمة اللوحة. الشهرة لم تصل للفنان إلا بعد وفاته..

ربما يكون بابلو بيكاسو هو الفنان الأكثر شهرة في أغلى اللوحات اليوم. في قائمة أغلى اللوحات (لعام 2016) هناك 6 من أعماله.

وبحسب المبيعات المفتوحة، فإن أغلى لوحة هي “نساء الجزائر” (النسخة O) لبابلو بيكاسو. المركز الأول بناءً على نتائج المبيعات المفتوحة. بيعت بمبلغ 179.3 مليون دولار في مايو 2015. وأضاف أن "رئيس وزراء قطر السابق حمد بن جاسم بن جابر آل ثاني دفع هذا المبلغ مقابل ذلك". وبشكل عام، هناك 15 لوحة ضمن سلسلة “نساء جزائريات”.

في الصورة لوحة بابلو بيكاسو “المرأة الجزائرية” (النسخة O)

يُطلق على بابلو بيكاسو أيضًا اسم أغلى فنان، لأنه وفقًا لمعايير عام 2006 ووفقًا للمبيعات الرسمية فقط، بلغ تمويل أعماله 262 مليون دولار. ولكن اليوم حتى 6 من لوحاته المعروضة في القائمة لديها رصيد إجمالي يزيد عن 650 مليون دولار.

رسام - “مؤسس التكعيبية (مع جورج براك وخوان غريس)، حيث تم رسم جسم ثلاثي الأبعاد بطريقة أصلية كسلسلة من المستويات مجتمعة معًا. لقد عمل بيكاسو كثيرًا كفنان رسومي، ونحات، وخزفي، وما إلى ذلك.. ابتكر بيكاسو أكثر من 20 ألف عمل خلال حياته.

ويحتل أحد أعماله الأخرى مكانة عالية في قائمة أغلى اللوحات - لوحة "عارية وأوراق خضراء وتمثال نصفي" عام 1932 لبابلو بيكاسو، والتي بيعت بمبلغ 106.5 دولار في مايو 2010.

في الصورة لوحة بابلو بيكاسو "عارية وأوراق خضراء وتمثال نصفي"

تُصور اللوحة عشيقة بيكاسو، التي رسمها سرًا عن زوجته (على الرغم من أنه بصراحة، ليس من السهل تمامًا التعرف على عشيقة أو عدم عشيقة في هذا العمل، كما هو الحال بالفعل في جميع أعمال الفنان يصعب اكتشافها) من رسمه بالضبط).

المركز الرابع بناءً على نتائج المبيعات المغلقة:

حلم، 1932، بابلو بيكاسو. وبيعت اللوحة عام 2013 مقابل 155 مليون دولار.

في الصورة لوحة بابلو بيكاسو "الحلم"

لوحة "الصبي ذو الغليون" عام 1905 لبابلو بيكاسو - بيعت عام 2004 بمبلغ 104 ملايين دولار.

تظهر الصورة لوحة بابلو بيكاسو “الصبي ذو الغليون”

لوحة "دورا مار مع قطة" عام 1941 لبابلو بيكاسو - بيعت بمبلغ 95 مليون دولار في عام 2006

في الصورة لوحة لبابلو بيكاسو “دورا مار مع قطة”

"تمثال نصفي لامرأة (امرأة في شبكة شعر)" عام 1938 لبابلو بيكاسو – بيع في نهاية عام 2015 مقابل 67 مليون دولار.

في الصورة لوحة بابلو بيكاسو “تمثال نصفي لامرأة”

الفنان التالي الذي يحتل مكانة مرموقة في قائمة المبدعين لأغلى اللوحات هو بول سيزان

تم شراء لوحته "لاعبو الورق" (اللوحة الثالثة في سلسلة مكونة من 5 لوحات) من قبل سلطات قيراط للمتحف الوطني في عام 2011 مقابل 250 مليون دولار. في ذلك الوقت كانت أغلى لوحة. المركز الثاني حسب نتائج المبيعات المغلقة لعام 2016.

في الصورة اللوحة الثالثة من سلسلة «لاعبو الورق» (1892-1893) لبول سيزان

"بول سيزان (الفرنسي بول سيزان؛ 1839-1906) هو فنان ورسام فرنسي، وممثل بارز لمرحلة ما بعد الانطباعية."

وتشمل قائمة أغلى اللوحات أيضًا اللوحات التالية لسيزان:

"جبل سانت فيكتوار، منظر من البستان في شاتو نوير"، 1904، بول سيزان، بيعت في عام 2012 بمبلغ 100 مليون دولار

في الصورة لوحة لبول سيزان بعنوان “جبل سانت فيكتوار، منظر من البستان في شاتو نوير”

تظهر الصورة لوحة لبول سيزان

لوحة "الحياة الساكنة مع إبريق وأقمشة" بيعت بمبلغ 60.5 مليون دولار في عام 1999.

فنان آخر بارز انضمت لوحاته إلى قائمة الأغلى هو مارك روثكو.مارك روثكو هو فنان أمريكي، وهو ممثل رائد للتعبير التجريدي، أحد مبدعي اللوحة الميدانية الملونة. "يعد مارك روثكو أحد أشهر الفنانين الأمريكيين وأكثرهم تأثيرًا في النصف الثاني من القرن العشرين وشخصية رئيسية في التعبيرية التجريدية بعد الحرب."

وفي روسيا، أقيم معرض لأعمال روثكو لأول مرة في عام 2003 في متحف الأرميتاج الحكومي، وكان توقيته ليتزامن مع الذكرى المئوية لميلاد الفنان.

في أغسطس 2014، بيعت لوحة مارك روثكو "رقم 6 (بنفسجي وأخضر وأحمر)" مقابل 186 مليون دولار.

في الصورة لوحة لمارك روثكو “بنفسجي وأخضر وأحمر” (رقم 6)

وفي المركز العاشر أيضاً بحسب نتائج المزاد العلني، جاءت لوحة روثكو “برتقالي، أحمر، أصفر” عام 1961، والتي بيعت بمبلغ 87.6 مليون دولار في عام 2012.

تظهر الصورة لوحة لمارك روثكو “برتقالي، أحمر، أصفر”

بيعت لوحة "رقم 10" (1961) لماركو روثكو بمبلغ 81.9 مليون دولار في عام 2015.

يوجد في الصورة لوحة لمارك روثكو “رقم 10”.

في الصورة لوحة روثكو "رقم 1 (الأحمر الملكي والأزرق)"، عام 1954 - بيعت بمبلغ 75.1 مليون دولار في عام 2012.

في الصورة "المركز الأبيض (الأصفر والوردي والأرجواني على الوردي)"، 1950، بيعت بمبلغ 72.8 في عام 2007.

في الصورة لوحة روثكو بدون عنوان، 1952، والتي بيعت بمبلغ 66.2 مليون دولار في عام 2012.

أنشأ الفنان بشكل أساسي أعمالًا للرسم الميداني الملون التجريدي، على الرغم من وجود صور شخصية أيضًا. كما يقول خبراء الفن: "تتمتع لوحات مارك روثكو التعبيرية بطابع غامض - وفقًا للعديد من المشاهدين، فإن اللوحات، عندما تلاحظها من مسافة قريبة (وهذا ما أصر عليه الفنان نفسه)، تثير مشاعر قوية - شعور متزايد بالوحدة أو الخوف، لدرجة أن الوقوف أمامهم، وخاصة الأشخاص الحساسين، قد يبكي”.

فنان مشهور آخر هو أميديو موديلياني. قام برسم العديد من اللوحات التي تعتبر من أغلى اللوحات في العالم.

"أميديو (إيديديا) كليمنتي موديلياني، 12 يوليو 1884، ليفورنو، مملكة إيطاليا - 24 يناير 1920، باريس، الجمهورية الفرنسية الثالثة - فنان ونحات إيطالي، أحد أشهر الفنانين في أواخر القرن التاسع عشر - أوائل القرن العشرين، ممثل التعبيرية."

في الصورة لوحة "متكئ عاري"

الثانية في قائمة أغلى اللوحات بحسب المزادات المفتوحة: «عارية متكئة» 1917-1918 بيعت بـ170.4 نهاية 2015.

وبيعت اللوحة "عارية تجلس على أريكة" عام 1917 بمبلغ 69 مليون دولار في نهاية عام 2010.

لوحة "العاري المتكئ مع وسادة زرقاء"، عام 1917، بيعت مقابل 118 مليون دولار في عام 2012.

الفنان الشهير التالي الذي انضمت لوحاته إلى قائمة أغلى اللوحات: فنسنت فان جوخ

"كان فنسنت ويليم فان جوخ (30 مارس 1853، غروت زوندرت، بالقرب من بريدا، هولندا - 29 يوليو 1890، أوفير سور واز، فرنسا) فنانًا هولنديًا ما بعد الانطباعي، وكان لعمله تأثير خالد على الرسم في القرن العشرين."

"إلى جانب أعمال بابلو بيكاسو، تُصنف أعمال فان جوخ من بين أغلى اللوحات التي تم بيعها على الإطلاق في العالم، وفقًا لتقديرات المزادات والمبيعات الخاصة. وتشمل تلك التي بيعت بأكثر من 100 مليون دولار (ما يعادل 2011): "صورة للدكتور جاشيت"، و"صورة ساعي البريد جوزيف رولين" و"القزحيات".

صورة للدكتور غاشيت، 1890، بيعت بمبلغ 82.5 مليون دولار في عام 1990.

صورة للفنان بلا لحية، 1889، بيعت بمبلغ 71.5 دولار في عام 1998.

بيعت لوحة "أليكامب" عام 1888 بمبلغ 66.3 مليون دولار في عام 2015.

عاش فان جوخ حياة قصيرة، غير سعيدة إلى حد ما، متنقلًا بين الرغبة في أن يصبح قسًا، أو الحصول على حياة شخصية، أو حتى الجنون، أو العيش مع الفقراء... حياته نفسها هي موضوع دراسة للكثيرين. . ما هو ذو قيمة في لوحاته ليس التنفيذ الفني بقدر ما هو اسم المؤلف، الذي جاءت شهرته، كما يليق بالعباقرة الحقيقيين، بعد الموت.

"فرانسيس بيكون (الإنجليزية فرانسيس بيكون ؛ 28 أكتوبر 1909 ، دبلن - 28 أبريل 1992 ، مدريد) هو فنان تعبيري إنجليزي ، سيد الرسم التصويري. الموضوع الرئيسي لأعماله هو جسم الإنسان - مشوه، ممدود، محاط بأشكال هندسية، على خلفية خالية من الأشياء.

لدى فرانسيس بيكون 3 لوحات في قائمة الأغلى:

المركز الثالث حسب نتائج مزاد مفتوح: "ثلاثة رسومات تخطيطية لصورة لوسيان فرويد - ثلاثية، 1969، بيعت مقابل 142.4 في عام 2013.

وفي الصورة لوحة "الثلاثي"، عام 1976، والتي بيعت بمبلغ 86.281 مليون دولار في عام 2008.

في الصورة لوحة "ثلاث دراسات لصورة جون إدواردز - ثلاثية"، عام 1984، بيعت بمبلغ 80.8 مليون دولار في عام 2014.

بالطبع، من المستحيل التحدث عن فنانين مثل إدوارد مونش، كلود مونيه، ويليم دي كونينج.

في الصورة، تعتبر لوحة مونك "الصرخة" (1893-1910) رابع أغلى لوحة اليوم والأغلى بمعايير عام 2012 (المبيعات المفتوحة)، بيعت بمبلغ 119 مليون دولار.

هناك 4 نسخ من لوحة "الصرخة"، أعادها الفنان نفسه عدة مرات... رجل يائس في وضع الجنين، يغطي وجهه بيديه على خلفية السحب الكثيفة والأمواج المليئة بالتوهج والاكتئاب - نالت إعجاب الكثيرين لدقتها في نقل المشاعر من خلال الصورة. الصراخ في كل مكان - في خطوط السماء التي تتكرر على شكل رأس مغطى بأيدي صارخ، في خطوط الجسم المشوهة، في نغمات البيئة القاتمة، في الأشخاص الذين يسيرون بسلام على مسافة بعيدة، دون أن يلاحظوا يأس ورعب الصارخ..

غالبًا ما سرق اللصوص لوحات مونك.

في هذه الصورة، بيعت لوحة "بركة زنابق الماء" لكلود مونيه بمبلغ 80.5 مليون دولار في عام 2008.

بيعت لوحة "المرأة الثالثة" للمخرج ويليم دي كونينغ عام 1953 بمبلغ 137.5 مليون دولار في عام 2006.

كونيغ، بصفته محبًا للإسراف والتجريد، ابتكر حقًا إبداعات لم يكن جمالها مفهومًا دائمًا للناس من الخارج. جميع لوحاته من سلسلة "نساء"... وكذلك اللوحات الأخرى، لا تنقل الواقعية بقدر ما تنقل الفهم الفردي للعالم من قبل الفنان نفسه.

من ويكيبيديا: "تحت تأثير "ضربات الفرشاة" المحمومة على لوحات دي كونينغ، تتحول الشخصية الأنثوية الوحيدة إلى نوع من الطوطم التصويري، مفتوح للقراءات الفرويدية المتطرفة."

إن منحوتة كونينغ معبرة وتجريدية مثل لوحاته، على سبيل المثال، “الشكل الجالس على مقعد” المصنوع من البرونز (1972) يترك مجالًا واسعًا للتفكير والتخمين حول من يجلس على المقعد.

بشكل عام، هل شعرت يومًا عندما رأيت لوحات كونينج وبيكاسو والفنانين الذين رسموا بأسلوب مماثل، أن هذه الإبداعات كانت، بعبارة ملطفة، متواضعة؟ لكن أولئك الذين يقفون بالقرب مثل السحابة، يتنهدون من عمق اللوحات ومجدها، لا يسمحون بذلك، حيث يمكن اعتبارك جاهلاً بذوق سيء، وما إلى ذلك. وأؤكد لك أن مثل هذه الأفكار قد زارت كل من هو تقريبًا لا مغمورة جدا في الفن، وهذا أمر طبيعي.

في الحقيقة، أعترف بصراحة: أنا لا أفهم كونينج... ولا أعتقد أن الجميع يفهم بيكاسو. أو حقول ألوان روثكو بمئات الملايين من الدولارات... وهذا عمومًا من المستحيل فهمه على الفور، أو تقييمه من البداية. فقط قم بالتلوين على القماش وهذا كل شيء، لكن الناس معجبون به. سلفادور دالي هو أكثر من فنان فلسفي. إذا نظرت إلى لوحات الأخير من وجهة نظر المتعة الجمالية، فستجد فيها القليل منها، لكنها ذات جوهر ضخم، لكنني لم أجد الجوهر في لوحات كونينج. وبطبيعة الحال، هذا لا يعني أنه ليس هناك. بشكل عام يصعب فهم هؤلاء الفنانين..

كثير منهم لديهم مصائر صعبة إما الانتحار أو الجنون... نفس روثكو ، الذي رسم لوحات بأزهار ملكية مثالية ، والتي بكى الناس بالقرب منها من طاقة خاصة ، انتحر ، حيث كان يعاني من اكتئاب شديد.

لكن روثكو هو لون "ملكي" نقي، ومن الغباء الحكم عليه من خلال صور لوحاته على شاشة الكمبيوتر المحمول. ولكن ما زال الأهم من ذلك كله الذي صادفته في عمل روثكو هو أنني أحببت إنشاء "Light Red on Black" عام 1957. إن جوهر الصورة، كما تصورها المؤلف نفسه، هو "تعبير بسيط عن فكرة معقدة". من وجهة نظر فلسفية، فهو مدروس وموجز. الشيء الرئيسي مفهوم.

تُظهر الصورة لوحة للرسام روثكو بعنوان “أحمر فاتح على أسود”، عام 1957

هناك نسخ أكثر جمالاً من لوحة "بركة زنابق الماء" لكلود مونيه والتي رسمها فنانون غير معروفين. ولكن هناك شيء واحد: إنه ليس جذابًا، ولكن هناك نسخة فوضوية جذابة على شكل بقع على قماش رسمها عبقري.

في الوقت نفسه، فإن اللوحات باهظة الثمن وجميلة، جميلة ليس في التعقيد، ولكن في البساطة، فهي في بعض الأحيان ليست أكثر جمالا بكثير من يد بعض المؤلف غير المعروف، لكنها تكلف ملايين الدولارات. لماذا يحدث هذا: اللوحات التي رسمها مؤلفون غير معروفين ولكن موهوبين لا تساوي سوى القليل، وثلاث نقاط أو ضربة فرشاة باللون الأحمر على خلفية بيضاء لفنان مشهور تساوي آلاف المرات.

يتعلق الأمر بالاسم (كما في حالة الأشياء - علامة تجارية أو شركة)، وأحيانًا يتعلق الأمر بالاسم فقط. إنهم لا يقيمون اللوحة نفسها، بل مؤلفها. إذن... ما هي المزادات؟ أغنياء هذا العالم يتنافسون على حق امتلاك تحفة إبداعية حصرية... فمن يملك أروع سيارة، ومن يملك لوحة لبيكاسو...